Actualités, articles et expériences inspirantes pour les femmes.
Rejoignez-nous pour découvrir un contenu riche et diversifié qui célèbre la féminité sous toutes ses formes.
Hanen Marouani est une femme aux multiples facettes, poétesse, traductrice et chercheuse d’origine italo-tunisienne. Animée par une passion viscérale pour les mots et la littérature, elle met sa plume au service de thèmes universels et intemporels tels que la condition des femmes, l’immigration et la francophonie. Son œuvre, composée de plusieurs recueils de poésie, témoigne d’un engagement profond et d’une sensibilité humaniste.
Dans Le sourire mouillé de pleurs et Tout ira bien…, quels messages souhaitez-vous transmettre aux lecteurs ?
Dans Le Sourire mouillé de pleurs et Tout ira bien…, je cherche à transmettre au lecteur une réflexion poétique sur les différentes figures contemporaines de l’exil, entendu à la fois comme déplacement géographique contraint et comme expérience intérieure de désaffiliation. Ces deux recueils s’inscrivent toutefois dans un ensemble plus large comprenant Les Profondeurs de l’Invisible et Le Soleil de nuit, qui partagent une même préoccupation éthique et humaine. Loin de proposer un message univoque, l’ensemble de ces textes revendique une ouverture interprétative, laissant au lecteur un rôle actif dans la construction du sens.
Le Sourire mouillé de pleurs relève d’une poétique du témoignage. Une part importante du recueil est consacrée aux trajectoires de migrants engagés dans la traversée clandestine de la Méditerranée, envisagée non seulement comme une épreuve physique extrême, mais comme un espace liminaire où se cristallisent la violence des frontières, la vulnérabilité des corps et la persistance de la dignité humaine. Il s’agit d’inviter le lecteur à déplacer son regard, à dépasser les représentations médiatiques pour accéder à une perception incarnée, attentive aux silences, aux affects et aux formes discrètes de résistance.
Avec Tout ira bien…, inspiré du slogan italien Andrà tutto bene..., l’écriture explore une autre modalité de l’exil : celui du confinement, de l’isolement social et du retrait forcé du monde. Ce recueil interroge les effets psychiques et existentiels de la rupture des repères collectifs, en proposant une poésie de l’introspection contrainte, où l’expérience intérieure devient un lieu de tension, mais aussi de recomposition du sujet. Ces deux ouvrages entrent en résonance avec Les Profondeurs de l’Invisible, mon premier recueil, qui interroge déjà les zones marginales de l’existence, les voix peu audibles et les dimensions enfouies de l’expérience humaine. Le Soleil de nuit, quant à lui, occupe une place particulière dans ce parcours : il explore la possibilité de la lumière au cœur même de l’obscurité, et constitue un recueil essentiel sur le plan humain et psychologique, en introduisant plus explicitement les thématiques de la relation, de l’amour et de la reconstruction.
Dans l’ensemble de ces recueils, la poésie est pensée comme une pratique éthique autant qu’esthétique. Elle excède les cadres génériques pour devenir un espace de résistance symbolique, de mémoire et de sauvegarde de l’humain. Cette démarche ne se conçoit pas sans le lecteur : les interprétations restent volontairement ouvertes, et les échanges (notes, questions, remarques…) nourrissent une lecture toujours renouvelée. J’apprends moi-même de ces retours, qui révèlent des strates de sens parfois insoupçonnées et confirment que l’œuvre poétique n’est jamais close, mais en perpétuel devenir.
À quel moment avez-vous su que la poésie serait votre langage privilégié ?
La poésie s’est d’abord présentée à moi comme un refuge, un espace de retrait et de protection face aux tensions du monde et aux zones de fragilité intérieure. Elle offrait un lieu où il était possible de déposer l’émotion, de ralentir le temps et de mettre à distance ce qui débordait le langage ordinaire. Au fil des années, ce refuge s’est transformé en une véritable nécessité. Un processus d’évolution s’est opéré, à mesure que l’écriture poétique cessait d’être uniquement un lieu d’abri pour devenir un mode d’expression indispensable, capable d’accueillir la complexité de l’expérience humaine, ses contradictions et ses déplacements. Cette évolution s’est accompagnée d’une plus grande liberté formelle et d’une conscience accrue du partage que permet la poésie. Par la lecture, elle crée un espace de rencontre avec l’autre, où le sens et le sentiment peuvent circuler au-delà des frontières linguistiques. La poésie ne se limite plus alors à une fonction introspective : elle devient un lieu de relation, d’ouverture et de transmission, inscrit dans un mouvement vivant et toujours en devenir.
Pensez-vous que la poésie peut être un outil de résistance sociale et politique ?
Oui, la poésie peut être un outil de résistance sociale et politique. Comme je l’ai indiqué précédemment, ce « oui » est clair et pleinement assumé : la poésie ne se limite pas à l’intime ou à l’esthétique, elle constitue aussi une prise de position face aux injustices, aux exclusions et aux oppressions. Historiquement et dans une perspective transversale, de nombreux poètes ont inscrit leur écriture dans la résistance. Parmi eux, Mahmoud Darwich a fait de la poésie un lieu de mémoire et de lutte contre l’effacement ; Nazim Hikmet a conjugué engagement politique et lyrisme ; Pablo Neruda a porté la voix des peuples opprimés ; Paul Celan a affronté l’indicible de la catastrophe par une langue brisée mais nécessaire. Du côté des femmes, des autrices comme Anna Akhmatova ont résisté au totalitarisme soviétique à travers la force de la mémoire poétique, Audre Lorde a articulé l’écriture et la lutte contre les discriminations raciales et sexistes, Andrée Chedid a témoigné de la condition humaine dans un monde marqué par l’exil et les conflits et la liste est encore longue. Dans cette filiation, la poésie contemporaine (y compris celle issue de mon cercle personnel comme Samar Miled, Ahlem Ghayeza, Imèn Moussa…) continue d’explorer des formes de résistance plus diffuses mais tout aussi essentielles : redonner voix à celles et ceux qui en sont privés, refuser la simplification des récits médiatiques, et maintenir la complexité de l’expérience humaine face aux discours normatifs. La poésie devient alors un lieu d’attention, de vigilance et de réappropriation du sensible. Sa force politique réside aussi dans sa capacité à circuler au-delà des frontières linguistiques et culturelles. Même sans maîtrise parfaite de la langue, le lecteur peut saisir le rythme, l’émotion et la tension. En cela, la poésie crée des communautés de perception et de sens fondées sur le partage de l’expérience humaine plutôt que sur l’adhésion idéologique.
Ainsi, la poésie agit comme un acte de résistance silencieux mais concret, non pas pour transformer le monde immédiatement, mais pour changer les regards et susciter l’attention aux autres : un engagement politique profondément humain.
Vous vivez entre plusieurs pays, comment cette mobilité influence-t-elle votre regard sur le monde ?
Vivre entre plusieurs pays m’a appris à lire le monde avec attention, à percevoir ce qui se joue dans les gestes, les silences, les paysages et les rencontres. Vivre poétiquement, c’est accueillir ces expériences, les ressentir et les laisser parler à travers l’écriture. Habiter le monde poétiquement, c’est transformer cette sensibilité en présence : créer du lien avec l’autre, partager des émotions et du sens, et faire de chaque lieu traversé un espace de rencontre. La poésie devient alors un pont entre les êtres et les cultures, un langage qui permet de sentir et de comprendre sans besoin de traduction.
Comment la pratique de la traduction s’articule-t-elle avec vos recherches et votre écriture poétique ?
La traduction est pour moi un voyage lent et patient, qui fait passer d’un territoire à l’autre, d’une langue à une autre, et qui s’apprend en marchant, au fil du temps et des traversées et mon rapport à la traduction s’est construit à l’intersection entre pratique linguistique et engagement culturel. La pratique de la traduction m’oblige à entrer dans la langue de l’autre tout en maintenant ma propre voix. J’ai traduit le recueil عبثا "أغنيVainement je chante, du poète palestinien Mohamed Bakria, de l’arabe vers le français, et j’ai également traduit la préface écrite par Adonis pour le recueil du poète turc Hasan Erkek… Ces expériences m’ont appris à percevoir chaque mot, chaque image, chaque rythme, et à chercher un équilibre entre fidélité au texte original et force poétique dans la langue d’arrivée... J’ai déjà participé à trois ateliers de formation de traduction littéraire entre Arles au Collège International des Traducteurs Littéraires à Arles et Alger, dans le cadre du programme “Livres des deux rives”, qui vise à renforcer les échanges de traduction entre l’arabe et le français. Ces expériences m’ont permis d’approfondir non seulement mes compétences techniques, mais aussi ma compréhension des enjeux culturels qui traversent la Méditerranée, en particulier entre les rives sud et nord, en travaillant avec des traducteurs, auteurs et tuteurs de différents horizons
Dans un cadre plus académique, j’ai aussi traduit mes idées et articles du français vers l’anglais surtout lors de mes recherches à l’Université Polytechnique de Bucarest (Roumanie), en collaboration avec des chercheuses anglophones, sur le discours médiatique et journalistique. Ces démarches, qu’elles soient littéraires ou scientifiques, m’ont appris à articuler précision, sensibilité et créativité, qualités essentielles pour ma propre écriture poétique.
Pouvez-vous nous partager une phrase, une citation ou un enseignement qui vous inspire ?
Une phrase qui m’inspire particulièrement est celle d’Ellen Pompeo : « Quand vous êtes courageuse, que vous n'avez pas peur et que vous vous faites entendre, ne vous attendez pas à ce que tout le monde se lève pour vous. Parce qu'ils ne le feront pas. » ... Elle me rappelle qu’avoir du courage et défendre ses convictions n’est pas toujours reconnu immédiatement par les autres, mais que c’est essentiel de continuer malgré tout.
v
Artiste franco-algérienne aux multiples facettes, Sarah Layssac déploie un éventail de talents rares. Femme aux nombreuses casquettes, elle s’illustre aussi bien comme comédienne que comme chanteuse, tout en affirmant sa singularité en tant que compositrice et voix off. À ces disciplines s’ajoute son engagement en tant que coach en développement personnel, où elle met son expérience artistique au service de l’accompagnement et de la transformation.
Formée à l’École Internationale Jacques Lecoq, elle y forge une maîtrise exigeante du corps, du geste précis, du masque neutre et de la parole juste. Cette rigueur scénique devient la signature d’une artiste qui cherche avant tout la vérité du mouvement et l’authenticité de l’émotion.
Au cinéma, Sarah Layssac se distingue rapidement par des rôles forts. Elle est remarquée dans Alger By Night de Yanis Koussim, À mon âge je me cache encore pour fumer de Rayhana Obermeyer, ou encore Vent Divin de Merzak Allouache. Des films où elle explore des personnages complexes, souvent traversés par des tensions intimes et sociales.
Le grand public la découvre également à la télévision, dans des séries françaises comme Balthazar (TF1) ou Miskina, la pauvre (Amazon Prime). Une présence à l’écran qui confirme sa capacité à naviguer entre cinéma d’auteur et productions grand public.
À quel moment le cinéma s'est-il imposé comme une évidence pour vous, et comment est né votre goût pour le jeu d’acteur ?
Je vais commencer par les origines de ce goût affirmé pour les imitations, le rire et les émotions. Tout cela a commencé dès mon plus jeune âge. Je pense qu’à 5 ans, j’étais déjà en pleine observation des artistes comme Nina Hagen, Madonna ou Freddie Mercury (merci à mon père, un vrai mélomane), saupoudrée de mouselsel, ces séries télévisées égyptiennes qui passaient à la télévision fi dar yemma (chez ma grand-mère). Je regardais attentivement la manière dont leurs visages se mouvaient et je m’amusais à les reproduire.
J’ai ensuite élargi mon exploration en observant ma famille, les gens dans la rue. J’étais fascinée par le ballet de la vie, les actions quotidiennes, les gestes répétitifs… une véritable poésie. J’ai eu la chance de grandir à Skikda, ma ville natale en Algérie : c’est là que tout a vraiment commencé.
Lorsque les décennies noires ont débuté, nous avons été contraints de partir vivre en France. J’ai alors commencé les cours de théâtre ; toutes mes études se sont orientées dans cette direction, et mon rêve le plus précieux était d’être sur les planches. Puis un jour, un casting s’est ouvert pour le film Alger by Night de Yanis Koussim, pour le rôle de Leïla bent Lil (la fille de la nuit). Ironie du sort, dix-neuf ans plus tard, je retournais en Algérie pour jouer dans un film.
C’est ainsi que tout a commencé.
Comment votre double culture nourrit‑elle votre regard, votre créativité et votre manière d’aborder vos rôles ?
Je pense que c’est effectivement inhérent à mon parcours. Je ne peux m’empêcher de mentionner que je suis franco‑algérienne, et même si, pendant longtemps, j’ai eu la sensation, voire l’obligation, de devoir choisir entre mes deux origines, j’ai toujours puisé ma force dans ces deux cultures. Mon identité prend racine en elles, c’est ce qui fait ma puissance, mais aussi ma vulnérabilité.
C’est sans doute pour cela que j’affectionne particulièrement les personnages tiraillés. Tous ceux que j’ai eu la chance d’incarner portent en eux une dualité forte, des convictions profondes.
Dans la musique, j’ai été très vite attirée par le métal et le rock. Lorsque je suis devenue chanteuse, j’ai naturellement amené des sonorités orientales : je portais une ceinture de pièces et je dansais sur des riffs de métal. C’était évident, instinctif. Et lorsque je fais des reprises, il m’arrive souvent de traduire une partie du morceau en arabe…
Vous évoluez à la fois dans le cinéma, la télévision et la musique, où puisez-vous cette énergie ?
C’est amusant comme question. Je vais faire l’ancienne, mais à dire vrai, il n’y a pas de secret : je fais attention à me préserver. J’avoue que, là‑dessus, je suis devenue plus prudente avec l’âge en ce qui concerne ma santé. Donc je me couche tôt, c’est presque une obligation, car je suis maman d’un petit garçon de 8 ans !
J’ai même arrêté le café, et non, je ne me suis pas mise au matcha ! J’avoue aussi que je pratique du sport, et que j’essaie de mettre mon énergie là où je dois être la plus productive. En ce moment, c’est dans mes écritures et mes projets plus personnels.
De quelle manière mettez-vous à profit votre parcours personnel et artistique pour accompagner d’autres créateurs dans votre activité de coaching ?
Je pense que j’ai reçu un enseignement si riche à l’école Lecoq que j’ai eu une immense envie de partager et de transmettre ce que j’ai pu y expérimenter. Je suis toujours en observation ; je considère les moments de jeu comme des espaces d’amusement, de véritables laboratoires où tout peut arriver.
Depuis maintenant trois ans, j’anime de petits ateliers de coaching, en individuel mais aussi collectivement.
Pouvez-vous nous partager une phrase, une citation ou un enseignement qui vous inspire ?
Une phrase de Jacques Lecoq extraite dans “Le Corps poétique” :
Grâce à l'enseignement, j'ai découvert que le corps sait des choses dont l'esprit est ignorant.
Photographe: La Dramathilde
Dans le paysage artistique, Hania Zazoua s’impose comme une voix singulière. Formée à l’École supérieure des beaux-arts d’Alger puis à l’École supérieure d’art d’Aix-en-Provence, l’artiste a développé une signature visuelle immédiatement identifiable : une explosion de couleurs, des motifs hypnotiques, et un ancrage assumé dans le folklore algérien.
Sous son pseudonyme de Princesse Zazou, elle déploie un univers à la fois décalé et profondément construit, qu’elle décline sur une large palette de supports : T-shirts aux slogans marquants, broches détournées, mobilier éclatant, installations immersives. Une diversité qui séduit autant les amateurs de design que les passionnés d’art contemporain.
Le magazine Forbes France résume son approche en évoquant un « rébus de nos vies truffé de messages », soulignant au passage la puissance de son engagement artistique.
Depuis quand avez-vous su que vous vouliez devenir artiste, et comment votre parcours artistique a-t-il réellement commencé ?
Je n’ai absolument pas le souvenir d’avoir un jour eu envie d’être artiste ou de devenir artiste. En revanche, j’ai toujours ressenti cette envie d’engagement depuis très jeune. Autour de moi, en Algérie indépendante, nous étions tous poussés à être performants et ambitieux, notamment dans les études, ce qui se traduisait souvent par des parcours scientifiques ou mathématiques pour devenir ingénieur, médecin ou architecte.
J’étais destinée à cette voie, devant suivre la tradition familiale, mais je n’en avais absolument aucune envie.
Frappée de plein fouet par le terrorisme durant ma jeunesse, j’ai douloureusement ressenti cette injustice « qu’au lieu que le monde ait peur pour nous, le monde a eu peur de nous ».
En réaction et avec l’ambition de comprendre puis d’étayer plus tard J’ai d’abord entrepris des études de sciences politiques, avant d’être déçue par une approche trop centrée sur le ressassement de schémas, sans véritable approches visant à trouver des solutions concrètes aux crises.
Mon père m’a alors invitée à me présenter au concours des Beaux-Arts d’Alger pour une année sabbatique en architecture intérieure. Cette parenthèse s’est finalement prolongée en un bac+5, majore de ma promotion avant de développer d’autres tentacules ART à l’école d’art d’Aix-en-Provence.
Si l’on doit repérer une envie originelle, ce fut bien celle d’un engagement politique citoyen, porté par une soif de justice et de liberté. Cet élan s’est d’abord traduit par mes premières œuvres vidéo réalisées à l’École d’art d’Aix-en-Provence, avant d’évoluer vers mes créations contemporaines ultracolorées. Loin d’être folklorique ou girly comme elle paraissent, ces œuvres utilisent la couleur comme un cheval de Troie : en apparence gentilles et inoffensives, elles portent un message bien plus profond.
Comment décririez-vous votre style artistique ? Quels thèmes dominent votre travail, et pour quelles raisons ?
Je pense que ça me dérange profondément de définir mon travail par rapport à un style ou des thématiques parce que ce n'est absolument pas ma démarche.
Je ne me lève pas le matin en me disant « Ah, je vais aborder cette thématique » ou me contenir à un style.
Peut-être que les autres voient des choses et m’associent à des styles qu’ils repèrent, ça peut être rassurant pour eux, mais moi ça me dérange beaucoup. C'est pour moi une sorte d'enfermement.
En revanche, si je devais donner des pistes de lecture de mon travail durant toutes ces années, qui a bougé et évolué par ailleurs, prenant des formes différente on peut néanmoins retrouver la persistance du récit, même en images, le récit boulimique, onirique, poétique, avec construction, déconstruction d'images et de sens, la forte présence de la couleur comme cheval de Troie parce que nous sommes dans des sociétés où on assimile la couleur au doux, au mignon, et en fait c'est une manière de ne pas effrayer et d'inviter à venir regarder l'œuvre qui , en réalité, traite de choses bien plus profondes.
L’autre piste est « le kitsch conscient » qui est une de mes signatures, voisine de la Madeleine de Proust.
J'explique : Madeleine de Proust, chocolat chaud, souvenir d'enfance, embrun marin, souvenir de vacances, kitsch conscient pour moi, c'est moi à 20 ans qui déteste totalement le napperon de mamie, moi aujourd'hui qui est sur un amour devant cette chose, qui elle n'a pas bougé, ce n'est pas de la nostalgie, c'est juste moi qui ai cheminé et qui m'aperçoit qu'au moment où je ne l'aimais pas, je l’a rejetais pour de mauvaises raisons. Alors on peut ne pas aimer un napperon, ce n'est pas la question. C'est juste que je portais un « jugement de valeur » en pensant que ce qui venait de chez moi était plutôt ringard.
J’invoque et invité le récit, la parole, le souvenir des grands-mères d’où qu’elles viennent » pour les conjuguer au présent /futur pluriel et joyeux.
L’étudiante de science po que j’ai été et la citoyenne du monde contemporain constate qu’il y a plus de sagesse dans l’approche citoyenne au monde de nos grands-mères que des dirigeants puissants bardés de diplômes qui mettent le monde en faillite.
Les grands-mères des quatre coins du globe, gardiennes de « savoirs faire et être » millénaires, tracent un chemin pour un vivre-ensemble conjugué au présent/ futur pluriel et heureux : semer, s’aimer, s’émerveiller, s’élever et cultiver la paix.
Nous proposons d’ouvrir les valises-fardeaux de nos ancêtres – ces héritages que nous trimballons par fidélité sans oser les explorer –, pour lire, écouter, ressentir les histoires subtiles de celles et ceux qui en ont été témoins du passé et qui dessinent les pourtours et aspérités complexes et poétiques et sculptent le contour la grande Histoire imposée.
Puis, après un souffle libérateur, refermer ces coffres le cœur et l’esprit allégés, honorant l’antan sans en faire le dénis prêts à prendre en main nos vies et nos responsabilités pour coconstruire un avenir commun.
BROKK’ART crée des objets et narre des histoires oniriques puisant dans cette sagesse universelle, invoquant le regard des aïeules pour un projet contemporain partagé.
En enfin, je crée beaucoup avec ce qui est déjà (je repère le beau, le délicat, le précieux dans ce qui est déjà) et je tisse et je brode dans tous les sens possibles donnés à ce geste.
Quelles envies et quelles motivations sont à l’origine de Brokk’Art ?
Il y a 20 ans, j’étais déjà une femme-poulpe à multiples tentacules : artiste, designer et architecte d’intérieur. Je ne rentrais déjà pas dans les cases. Je venais d’avoir mon bébé, et je me souviens avoir pris ma fille dans les bras en me demandant : quelle maman ai-je envie de lui présenter ?
À défaut de ne faire que râler (même si je l’ai fait, évidemment), j’ai décidé de créer un lieu qui s’adapterait à mes aspérités autant qu’à mes ambitions. Au départ, c’était pour moi, mais aussi pour un certain SVËN, un autre artiste-designer, un génie qui ne mettait aucune énergie dans sa propre promotion. J’ai voulu concevoir une safe place, même nomade, qui permette de mettre en avant les talents sans avoir besoin de se contorsionner, ni de se compromettre pour rentrer dans des cases qui ne nous ressemblent pas.
D’un “ON” pour éviter de dire “JE”, c’est devenu aujourd’hui un vrai “NOUS” :
Un lieu d’art et de vie qui désacralise la galerie.
On y expose des artistes, vidéastes, auteurs, danseurs, interprètes, designers… Et on y accueille des talks inspirants, des rencontres stimulantes, des ateliers où l’on apprend à désapprendre et à reconstruire du lien.
Quant au business plan, celui qui inquiète ma mère, le comptable et le banquier, il repose sur le pari de miser sur le design comme levier.
Nous vendons des objets utiles de créateurs- designer issus de l’univers des expos, à des prix accessibles, pour financer l’entreprise culturelle et soutenir la médiation artistique offerte gracieusement à un public hétéroclite, passionné ou profane.
C’est ce qui nous permet de connaître le prix de la liberté et le coût des rêves.
L’envie de rentrer dans vos quotidiens et de permettre à l’art et la culture de nous parler de nous, de nos société , de nos communs et de ce qu’on peut mettre en commun pour une coexistence en art et conscience et en joie de nos forces et différences.
Quelle ampleur Brokk’Art a-t-il prise au fil des années, et quel événement vous a particulièrement marqué dans cette aventure ?
En vingt ans, BROKK’ART a surtout gagné en longévité et en solidité : maintenir un modèle hybride qui fait de l’art et de la culture une voie de sagesse, tout en développant un entrepreneuriat culturel libre et économiquement viable, n’a rien d’anodin.
L’ampleur se mesure autant dans les expositions, les collaborations et les réalisations que dans cette « graine » semée auprès des enfants accueillis très jeunes pour des ateliers et qui ont grandi avec BROKK’ART, ainsi qu’auprès des lieux et institutions culturelles qui nous ont confié leurs affiches de festivals, nos talks, et récits à partager
Chaque étape a compté : les grandes dates comme les petites actions qui ont rendu la persévérance possible, toujours dans une démarche consciente, joyeuse et portée par l’amour de son prochain du lien humain comme alternative au chaos.
Parmi les moments marquants, l’affiche créée pour le festival de cinéma de Douarnenez, devenue au fil du temps un objet « collector », a ancré un attachement particulier à ce territoire breton, comme un second pays de cœur, un autre pays « DZ ».
Les défilés au Théâtre National de danse Chaillot, où le public était invité à se saisir librement des pièces du dressing couture hybride et urbain de BROKK’ART pour défiler à sa manière, ont également été des temps forts émouvant signant notre ambition de créer pour de vrais gens.
Un autre jalon symbolique a été l’intégration de visages nord-africains anonymes pour le grand public, notamment ceux de mes grands-parents, sur des affiches et œuvres de festivals, exposés sur les murs français ou londoniens : une manière d’inscrire ces figures familiales dans l’espace public, de les faire voyager autrement et de leur rendre hommage.
Au fond, l’ampleur de BROKK’ART, c’est d’avoir su préserver intactes l’envie et la joie, et de démontrer chaque jour que l’art et la culture sont, plus que jamais essentiels.
Quels sont vos projets en cours ou à venir ?
BROKK’ART célèbre aujourd’hui ses vingt ans d’aventure culturelle, entre onirisme, engagement et expérimentations.
Le projet assume l’art comme troisième voie de sagesse, en dehors des schémas convenus, en défendant une approche authentique, intergénérationnelle et interculturelle. Dans un contexte où un certain modèle de progrès, dominé par l’avidité et la destruction, montre ses limites, BROKK’ART choisit d’amplifier les voix de la sagesse féminine, portées par celles et ceux, qui restent à l’écoute des récits ancestraux.
L’ambition est de tisser une « étoffe » symbolique reliant les rives de la Méditerranée, pour raconter à la fois ce qui nous est commun et ce qui nous distingue, et faire de nos savoir-faire et savoir-être une ressource à valoriser plutôt qu’à lisser.
Après avoir traversé la Méditerranée, BROKK’ART s’est implanté à Lyon, où se poursuit ce patient travail de tissage : des œuvres qui brodent les rires, les sourires, les rides, les cicatrices, mais aussi les chemins des rêves et des envies, avec un rayonnement qui s’affirme des deux côtés de la mer.
En s’installant à Lyon, le projet s’ouvre plus largement à la France et à l’Europe, créant de nouvelles passerelles, parfois inattendues, entre scènes, territoires et publics.
Pouvez-vous nous partager une phrase, une citation ou un enseignement qui vous inspire ?
Si une phrase devait résumer ces vingt années, ce serait celle-ci : ne jamais négocier avec son authenticité ni avec son intuition.
Même lorsqu’elle dessine une image peu commune, l’authenticité finit toujours par trouver son écho et par libérer quelque chose chez celles et ceux qui n’osent pas encore être pleinement eux-mêmes. Oser ! Faire confiance à cette sagesse intérieure, souvent oubliée mais presque toujours juste, l’intuition, est devenu un véritable fil conducteur de BROKK’ART comme de mon parcours personnel.
Élodie Audrain s’investit activement au sein de l’association Rêves, dédiée à l’accomplissement des souhaits d’enfants gravement malades. De cet engagement est né À jamais ta terre, un roman profondément humain dans lequel l’autrice explore, avec une grande délicatesse, la puissance des liens familiaux et l’épreuve que représente la maladie d’un enfant. Salué pour la justesse de son émotion, l’ouvrage a été retenu dans la sélection du prix Senghor. Avant cette reconnaissance littéraire, Élodie Audrain avait déjà publié Un cadeau pour la vie, un conte illustré.
Comment décririez-vous votre univers littéraire et les thèmes qui vous inspirent le plus ?
J’aime écrire sur des thèmes qui me sont essentiels, comme la maternité, la maladie, l’inclusion ou la solidarité. J’ai besoin de donner du sens à mes histoires, de transmettre ce qui m’anime profondément, avec des mots simples et sincères.
Quel a été le véritable point de départ de votre parcours d’autrice ?
Ayant moi-même traversé l’épreuve de la maladie, j’ai très vite ressenti le besoin de transformer cette expérience en quelque chose d’utile. Je me suis dit que je n’avais rien à perdre à essayer. C’est ainsi que mon premier roman s’est imposé presque naturellement : je l’avais en tête depuis plusieurs années, sans jamais imaginer que je pourrais un jour l’écrire.
Votre roman À jamais ta terre aborde la maladie d’un enfant. Pourquoi ce sujet vous a-t-il particulièrement touchée ?
Je suis bénévole au sein de l’association Rêves, qui réalise les rêves d’enfants très gravement malades. Je reverse mes droits d’auteur à l’association. J’avais besoin de rendre hommage à ces enfants, mais aussi à tous ceux qui les entourent : leurs familles, leurs proches, le personnel soignant. Car ceux qui vivent à leurs côtés traversent eux aussi la maladie, sous un autre prisme. Ayant moi-même été proche aidante alors que j’étais enfant, c’était aussi, je pense, une manière d’aborder un sujet qui a profondément façonné la personne que je suis aujourd’hui. Une façon de remercier mon père pour cet héritage. Je pense souvent à lui et j’aime me dire qu’il me voit, et qu’il est peut-être fier de moi. Dans mon roman, je ne parle pas vraiment de la maladie mais de la vie qui continue malgré tout.
Une adaptation télévisée est envisagée. Que représenterait un tel projet pour vous ?
J’ai reçu plusieurs sollicitations, sans qu’aucune ne se concrétise pour l’instant. Je sais combien le chemin vers une adaptation est long, et pourtant, imaginer cette histoire prendre vie à l’écran est déjà un rêve éveillé.
L’histoire de Lucie mérite d’être incarnée, partagée, transmise. Le courage de ces enfants est profondément contagieux : il éclaire nos vies et nous apprend à relativiser les fragilités du quotidien.
Pouvez-vous nous partager une phrase, une citation ou un enseignement qui vous inspire ?
« On ne sait jamais, sur un malentendu, ça peut marcher ! »
Cette phrase de Jean-Claude Dusse est devenue ma philosophie depuis que je suis bénévole au sein de l’association Rêves.
Pour contribuer à la réalisation de leurs rêves, j’oublie ma timidité et j’ose. Un jour, un enfant de l’association m’a lancé : « Elo, tant que tu y es, pourquoi tu n’écris pas au Président ? »
Quelques jours plus tard, l’idée a fait son chemin. J’ai écrit à l’Élysée… et, quelques mois plus tard, nous y étions reçus.
Leur offrir des moments inoubliables est essentiel. Ces enfants font preuve d’un courage bouleversant. Chaque jour, ils nous donnent une véritable leçon de vie, de joie et de force.
Alors je continue de jeter des bouteilles à la mer, avec cette envie farouche de faire entendre leurs rêves.
Romancière française originaire d’Évian, Frédérique‑Sophie Braize a grandi au pied des montagnes de Haute‑Savoie, un territoire dont l’empreinte traverse toute son œuvre. Ses livres, nourris de mémoire alpine, de destins féminins et d’histoire locale, tissent une littérature sensible où l’émotion se mêle au réel.
Son travail a été couronné par de nombreux prix littéraires, parmi lesquels le Grand Prix littéraire de l’Académie nationale de Pharmacie pour Sœurs de lait (2018), le Prix Patrimoine des Pays de Savoie la même année, ou encore le Prix Machiavel, remis à l’Assemblée nationale en 2021 pour Un voyage nommé désir. Ses nouvelles ont également été distinguées à plusieurs reprises, notamment par les prix Vedrarias, Gaston Welter, Écriture d’Azur et Livre sans Frontières.
En 2025, elle publie La vie est une histoire vraie, un roman né d’une épreuve intime, la peur de perdre la vue, dans lequel elle explore la lumière intérieure, la mémoire et la figure mystérieuse des « faiseuses de secrets ».
Comment votre enfance en Haute‑Savoie a‑t‑elle façonné votre imaginaire littéraire ?
Je suis née à Evian sur les rives du Léman, ce lac grand comme une mer, entouré de sommets alpins qui plongent à pic dans ses eaux. On ne naît pas impunément dans un tel paysage. Ma vie consiste en un état d’équilibre entre ces deux forces. Mon grand-père maternel avait des vaches laitières et des vignes sur les coteaux du Léman. Fille unique d’un alpiniste, j’ai vécu dix ans chez mes grands-parents paternels, des paysans de montagne nés à Montriond, un hameau d’altitude entre Morzine et les Lindarets, le village des chèvres. Ayant eu la chance de grandir très librement dans cet environnement, j’ai hérité d’un fort ancrage à la terre.
Ma grand-mère, orpheline de mère, faisait partie d’une fratrie de dix-huit enfants. J’étais exactement à l’opposé : fille unique. Et je m’ennuyais comme un crouton de pain derrière une malle. Ayant, à l’époque, moins de goût pour les histoires qu’on lit que pour celles qui se racontent, je l’encourageais à me dépeindre son enfance, si différente de la mienne, teintée de solitude. Elle ne se faisait pas prier. Peut-être parce qu’elle était désireuse de m’aider à pousser le temps par l’épaule. Ou parce qu’elle aimait à se rappeler sa jeunesse, avant l’attaque d’hémiplégie dans sa quarantaine. Ou les deux. Les premiers instants étaient silencieux. J’attendais dans une immobilité absolue qu’elle fouille l’humus de sa mémoire. Le calme se resserrait autour de sons tenus : les ronflements du fourneau, la danse des navets dans le pot-au-feu, un soupir, le ronron du chat. Puis Angèle se lançait tout à trac dans des récits dignes des veillées d’antan. Elle coulait ses souvenirs dans des histoires vraies. Contait la fable ensorcelante de nos origines mi- civilisées, mi- ensauvagées. Au fil du récit, ses mots se détendaient, laissant là la morale. L’inflexion de sa voix chère, qui s’est tue, est restée dans mes oreilles. La source première de mon imaginaire littéraire est donc l’oralité.
À quoi ressemble une journée d’écriture idéale pour vous ?
L’idéal pour moi serait de mêler écriture et vie sociale dans une même journée. Or, pour parvenir à écrire, j’ai besoin de me mettre en retrait, de faire silence pour rentrer en moi-même. Je suis contrainte de m’isoler du monde extérieur : ignorer les appels téléphoniques, refuser les invitations, me couper des réseaux sociaux. Cette période empreinte de solitude dure jusqu’à la parution du livre où je sors de mon isolement, mi- enjouée, mi- craintive, pour me rendre au lancement, rencontrer les lecteurs sur les salons, répondre aux sollicitations des chroniqueurs littéraires. L’agitation de la sortie en librairie contraste singulièrement avec le calme de la phase créative. Telle est, en bref, la réalité : la journée d’écriture idéale n’existe pas.
Comment naît un personnage dans votre esprit ?
En plus du patrimoine culturel que je tiens en héritage de ma famille, je m’attèle à collecter la mémoire des anciens qui me rattachent à mes racines. Je m’empare de leur histoire, j’y ajoute mon grain de sel. J’utilise la fiction quand il y a des zones d'ombre. J’ai à cœur de reconstituer la vie de ces gens aussi généreux que cette nature grandiose. Les personnages viennent ensuite à ma rencontre lors des marches avec mon chien de berger dans les forêts de sapin, à l’instar de Germinie, l’une des deux héroïnes de mon dixième roman La vie est histoire une vraie (éd. Presses de la Cité). Cette femme est faiseuse de secret, une pratique de soulagement de la douleur, parfois de guérison, observée dans les Alpes du Nord. Elle a recours à des formules, des gestes et des prières faisant perdurer une tradition ancestrale vers laquelle les gens se tournent de plus en plus pour rétablir leur santé.
Quels auteurs ou autrices ont marqué votre formation littéraire ?
J'ai appris à lire avec les romans de Marcel Pagnol, l’auteur préféré de ma grand-mère. Puis j’ai dévoré les livres de sa bibliothèque : la comtesse de Ségur, Alphonse Daudet, Hector Malot, Jack London. Plus tard, j’ai lu avec frénésie Colette, George Sand, Charles-Ferdinand Ramuz, Henri Pourrat, Françoise Sagan, Jean Echenoz, Roger Frison-Roche, Claudie Hunzinger, Michel Butor avec qui j’ai eu la chance d’échanger en Savoie.
Votre roman La vie est une histoire vraie s’inspire d’une épreuve personnelle. Comment avez‑vous transformé cette expérience en fiction ?
Quand j’étais petite, mon père m’emmenait souvent en montagne, d’abord assise sur le haut de son sac à dos, puis encordée à lui. L’hiver dans le massif du Chablais pour faire du ski alpin, du ski de fond et du ski de randonnée. L’été sur les glaciers dans le massif du Mont-blanc, en Suisse et en Italie. Des endroits aussi beaux qu’inadaptés aux gosses. Nous dormions dans des refuges qu’il quittait à minuit pour être au sommet à l’aube. Je déjeunais avec les gardiens, persuadée qu’ils étaient de ma famille. Je l’attendais en construisant des barrages dans les ruisseaux d’altitude, sans savoir que j’allais souffrir d’une « blessure de soleil ». Mes yeux ont été abîmés durant l’enfance par une forte exposition aux rayons ultra-violets, sans lunettes de protection. Or la neige et la glace réfléchissent jusqu’à 90% des rayons ultraviolets ( dits UV ), connus pour provoquer des cataractes précoces. J’avais quarante ans quand ma vue a commencé à se voiler. Je distinguais moins bien les reliefs. Puis il y a eu ce halo autour des lampadaires, et cette vision double, appelée diplopie, qui me faisait voir deux images d’un seul objet. Au fil du temps, j’ai renoncé à conduire la nuit, trop éblouie. Ma vue s’est fait la malle à la cinquantaine. Malgré quatre opérations, je n’avais plus que deux dixièmes aux deux yeux. J’ai dû remiser au garage ma voiture, en même temps que mon autonomie et ma liberté. Sans parler de l’angoisse de me retrouver dans le noir. Privée de la vision, j’allais perdre mon travail et ma passion. Comment se faire à l’idée de ne plus pouvoir écrire quand on est romancière ? Comment se résoudre à renoncer à la lecture ? Les livres m’ont été d’un précieux secours face aux difficultés de l’existence. Ils m’ont permis de m’évader. De ne pas flancher. Il a fallu six interventions pour éloigner en partie le flou et l’opacité. Ma perception des couleurs est altérée. L’avenir comporte beaucoup d’aléas.
Comment ne pas rester bloquée dans cette crainte permanente que la vue reparte ?
La recherche scientifique a démontré qu’en verbalisant un ressenti et/ou en posant sur le papier une angoisse qui nous submerge, son intensité diminue. C’est une sorte de catharsis qui permet de séparer le bon du mauvais. On se parle à soi-même comme à une amie : pourquoi as-tu peur ? Que veux-tu faire de cette crainte ? Se cogner aux difficultés vécues permet une mise à distance et une acceptation des émotions négatives afin d’en envisager les versants positifs. Avoir franchi autant d’obstacles est une leçon de vie dans laquelle puiser la force d’affronter le présent avec des yeux incertains. Surmonter ses craintes renforce l’esprit au point de devenir un élan vital et créateur. En me retournant sur le chemin parcouru, j’ai réalisé que j’avais appris une chose primordiale : ce qui nous rend vulnérable nous aide à revenir à l’essentiel. Cet enseignement est devenu le motif de ce roman empli d’espoir où je mêle fiction et réel. Cette histoire d’amour et de résilience est une tranche de vie peuplée de personnages authentiques.
Tout d’abord, il y a Ava, cinquante-deux ans, lectrice de manuscrit chez un éditeur réputé. Parce que sa vue est menacée, il lui reste peu de temps pour admirer les beautés de la nature et aiguiser ses autres sens. Paniquée, elle quitte Paris, le quartier latin où elle vit chichement malgré les deux boulots qu’elle cumule, pour Abondance où elle a été heureuse avant. Elle se réfugie chez Germinie, faiseuse de secret et mère de son ami d’enfance Virgil. Ava espère qu’elle saura éloigner d’elle l’angoisse et l’obscurité. Oui, mais voilà, la soigneuse avance en âge. J’ai voulu rendre hommage à cette leveuse de maux qui a secouru tout le monde toute sa vie et qui se demande qui va l’aider, maintenant que ses forces l’abandonnent. Cette femme existe. Sa situation m’a émue car c’est celle des aidants de toutes sortes. A mes yeux, sa volonté de venir en aide aux autres sans contrepartie est le signe d’une humanité lumineuse.
J’ai bénéficié du secours emphatique et salvateur de plusieurs leveurs de maux. Ils ont barré la douleur, stoppé les hémorragies qui embarquaient mes rétines, coupé le feu qui consumait mes yeux. J’ai été grandement soulagée par la médecine dite populaire. En faisant des recherches, j’ai réalisé que deux Français sur trois ont déjà eu recours à des rebouteux, des renoueurs, des hypnotiseurs, des magnétiseurs… Plus de la moitié des Français estiment que les médecines parallèles compensent les défaillances du système de santé : difficulté à obtenir un rendez-vous, déserts médicaux, délai d’attente, non prise en charge de nouveau patient, échec de la médecine conventionnelle. La Germinie du roman ne m’a pas transmis son don, mais elle a répondu à mes questions et m’a entrouvert les coulisses des faiseuses de secret. Le monde mystérieux et bienfaisant des guérisseurs s’est ouvert à moi.
J’ajoute que tous mes romans parus aux éd. Presses de la Cité sont également édités en gros caractères aux éd. Gabelire pour que personne ne soit privé du bonheur de la lecture.
Pouvez-vous nous partager une phrase, une citation ou un enseignement qui vous inspire ?
Si un malheur te tombe dessus, demande-toi s’il dépend ou non de ta volonté. Si ce n’est pas le cas, tu ne peux rien y faire, alors ne te mets pas dans tous tes états et reste serein…
Le philosophe Épictète encourage à distinguer ce qui est en notre pouvoir et ce qui ne l’est pas. Concernant ce qui ne dépend pas de nous, inutile de se bercer d’illusions et de se tourner la bile. On ne peut rien contre les coups du sort. Il enjoint à se soucier de ce qui est en notre pouvoir : décider d’être loyal, charitable, constant… Parce qu’elle nous appartient, notre volonté nous rend libres.
Après avoir collaboré avec les plus grandes maisons de couture, de John Galliano à Christian Dior, en passant par Givenchy et Cerruti, Fatima Guerrout franchit une nouvelle étape en 2000. Cette année-là, elle s’associe à sa sœur Berkahem, juriste et gestionnaire, pour fonder sa propre maison. Chez Fatima Guerrout, la création se conçoit comme une quête de fluidité et de légèreté. Ses modèles se distinguent par l’harmonie des matières nobles et le raffinement des coupes, une exigence héritée de ses années passées dans les prestigieux ateliers parisiens. Cette rigueur est devenue la signature de sa maison, où l’élégance intemporelle reste la ligne directrice. Ses défilés, organisés aussi bien à Paris qu’en Alsace, traduisent à la fois son attachement à ses racines et son ambition internationale.
Comment décririez-vous vos débuts dans la mode et les influences qui vous ont guidée ?
Après mes études de stylisme, j’ai intégré dans un premier temps la Maison John Galliano pour un stage de six mois, à l’issue duquel j’ai été embauchée. J’ai ensuite poursuivi mon parcours au sein de la Maison Dior puis de la Maison Givenchy. Ces trois Maisons m’ont transmis le goût de la Couture et m’ont encouragée à suivre cette voie.
La technique et la finesse qui m’y ont été enseignées représentent pour moi une richesse inestimable, et je leur suis profondément reconnaissante pour ce merveilleux cadeau.
Ma polyvalence m’a permis d’explorer en profondeur les rouages de la profession : j’ai été tour à tour assistante styliste, assistante d’atelier, et même “mannequin cabine” lors des essayages de prototypes. Il régnait dans les ateliers une grande liberté ; nous formions une véritable famille, et le travail se déroulait dans l’harmonie et l’effervescence des défilés. Cette expérience a été tout simplement merveilleuse.
Dans les collections de ces trois Maisons, de nombreux modèles étaient coupés dans le biais. Comme je sortais tout juste de l’école de mode, où cette technique avait été peu abordée, je ne la maîtrisais pas encore parfaitement. J’étais d’autant plus fascinée par la beauté de ces robes d’une finesse remarquable. C’était si délicat, si précieux, que j’osais à peine les toucher.
Très naturellement, j’ai commencé à chercher à comprendre cette technique exigeante. La grande créatrice Madeleine Vionnet, reine incontestée de la coupe en biais, disait : “Proportion, mouvement, équilibre et vérité. L’harmonie entre ces quatre principes est l’expression même de la sincérité et de la qualité de son travail.” Les robes de Vionnet sont à couper le souffle, de véritables chefs‑d’œuvre. Je rêvais de créer, moi aussi, des vêtements qui tendraient vers cette beauté absolue.
Quels souvenirs gardez-vous de vos années auprès de John Galliano, Dior ou Givenchy ? En quoi ces expériences ont-elles façonné votre propre vision de la couture ?
Je garde de très beaux souvenirs de ces trois maisons. En période de collections, il nous arrivait de travailler jusqu’à 300 heures par mois, sans même voir le temps passer. Le travail était si passionnant qu’il ne ressemblait plus à du travail, mais à un véritable bonheur. Malgré la fatigue, l’enthousiasme et l’euphorie étaient omniprésents. Toutes ces expériences m’ont permis de saisir les rouages de ce métier exigeant, tant sur le plan professionnel : la technique, la quête de perfection, l’amour du vêtement bien fait, que sur le plan personnel, la liberté, la créativité, la confiance en soi, l’affirmation de sa propre identité.
Comment définiriez-vous l’ADN de votre Maison de Couture ?
L’ADN de la Maison Guerrout, c’est le chic.
Notre femme a de l’allure en toute circonstance, du matin au soir. Les lignes sont fluides, pures, souvent coupées dans le biais pour offrir confort et liberté de mouvement. C’est une femme libre, ultra‑féminine, subtile, unique, délicate et discrètement glamour, jamais “bling‑bling”. En somme, une femme Couture.
Nos valeurs : créer du beau et du durable, dans des matières nobles et délicates.
Un vêtement de luxe est avant tout un objet qui fait rêver, qui suscite le désir. C’est aussi une émotion. Nous offrons quelque chose d’exceptionnel : l’amour du travail bien fait, autant à l’intérieur qu’à l’extérieur du vêtement. Tout doit être beau et parfait sous toutes les coutures. Rigueur et exigence sont les maîtres mots de la Maison Guerrout.
Quelles matières ou couleurs aimez-vous travailler en priorité ?
Le tulle de soie, la dentelle Leavers de Calais‑Caudry, la mousseline de soie ou encore le crêpe de laine… J’aime particulièrement travailler les matières fluides, délicates et légères. C’est un peu comme manipuler des pétales de coquelicots (ma fleur préférée) , ou des plumes. Les coupes deviennent alors aériennes, empreintes de douceur.
C’est un luxe qui ne se dévoile pas immédiatement, mais qui se ressent profondément, un luxe intime, presque secret, comme un véritable trésor.
Quels sont vos projets actuels et vos ambitions pour la Maison Guerrout ?
Nous avons plusieurs projets en cours … à découvrir prochainement !!! La Maison Guerrout a pour ambition de conquérir de nouveaux marchés pour étendre sa notoriété à travers le monde.
Pouvez-vous nous partager une phrase, une citation ou un enseignement qui vous inspire ?
Il est difficile de ne choisir qu’une seule citation, mais voici celle qui me touche particulièrement. Elle est de Vincent Van Gogh, dont j’ai adoré les correspondances avec son frère Théo, sans parler de ses tableaux, car j’ai une véritable passion pour l’impressionnisme :
« Il est bon d’aimer autant que l’on peut, car c’est là que gît la vraie force ; celui qui aime beaucoup accomplit de grandes choses et en est capable, et ce qui se fait par amour est bien fait. » C’est dans cet esprit que sont conçues les collections de la Maison Guerrout Paris.
Aïda Amara a publié aux éditions Hors d’Atteinte, Avec ma tête d’arabe, un livre où l’intime se mêle à l’histoire collective. Journaliste et réalisatrice, connue pour son podcast Transmissions et son documentaire Revenir, elle anime aussi des ateliers d’écriture et de podcast auprès des jeunes.
Le récit s’ouvre sur les attentats du 13 novembre 2015, vécus comme un « an zéro » qui déclenche une quête identitaire. Entre journal de bord et fiction, Aïda Amara « réhumanise » les morts, redonne voix aux invisibles et interroge la transmission de la violence. Le titre, volontairement provocateur, retourne le stigmate pour affirmer une identité plurielle.
Les premières pages d’Avec ma tête d’arabe sont nées en Algérie. Pouvez-vous nous raconter ce qui a déclenché ce besoin de mettre en mots votre histoire ?
J'ai écrit les premières pages du livre lors de mon voyage à Annaba, dans ma famille maternelle. Ma mère, Salima, est décédée quand j'étais petite et je pense que j'étais hantée par la peur de perdre. Perdre le récit familial mais aussi une partie de l'histoire de l'Algérie, les deux sont liés. J'ai grandi en France, on ne m'a pas appris la colonisation, la guerre d'indépendance à l'école, ces évènements sont pourtant une grande partie de l'enfance de mon père. J'ai donc commencé par enregistrer mon père, Slimane son histoire, puis j'ai interrogé ma famille, récolté des souvenirs sur ma grand-mère, Taous, pour ancrer ces récits quelque part. En racontant leurs histoires, je me suis rendue compte que je me cachais aussi derrière eux, et que, moi aussi, je devais dire "je".
Votre père, kabyle, occupe une place importante dans le récit. Comment avez-vous travaillé son histoire ?
"Avec ma tête d'arabe" est avant tout une livre sur la transmission, c'est d'ailleurs comme cela que j'ai appelé mon podcast. Mon père y tient donc forcément une place primordiale étant donné qu'il m'a élevé seul. Je voulais m'intéresser à la notion de lignée, qu'est-ce qui reste ? Qu'est-ce qui est perdu ? Je me suis interrogée sur ce que mon père m'avait transmis, sur ce qui lui venait de sa mère Taous, une veuve élevant ces trois fils pendant la guerre, dans un camp de regroupement. Pour récolter le récit de mon père, j'ai d'abord commencé par l'enregistrer dans un podcast "Transmission". Lors du premier enregistrement, il a commencé à me parler des camps de regroupement, du taux de mortalité infantile en Kabylie pendant la guerre, quand je lui ai expliqué que je voulais qu'il me parle de sa vie, sa première réaction à été " Pourquoi faire ?", pour lui, se raconter n'avait pas d'intérêt particulier, "tout le monde vivait comme ça" m'a-t-il dit. Je trouvais important qu'il dise "je" que l'auditeur ou le lecteur puisse mettre des noms, des visages, des histoires sur cette période tragique.
Dans votre livre, vous établissez un écho entre la guerre d’indépendance en Algérie en 1958 et les attentats de 2015 à Paris. En quoi ce rapprochement éclaire-t-il, selon vous, les liens complexes et parfois douloureux qui continuent de tisser l’histoire entre l’Algérie et la France ?
Je tisse ses liens pour montrer la continuité de la violence. Je suis une victime d'attentat de 2015 mais comme je le dis dans le livre, je ne suis pas la première génération à voir des gens mourir, mon père, pendant son enfance, a été témoin d'exécutions sommaires dans son village de Kabylie par des soldats français. Son propre père a été tué par l'armée française. Je voulais m'intéresser à la notion de traumatisme intergénérationnel, comment on élève un enfant quand on a soi-même vécu des traumatismes ?
Comment avez-vous vécu la rédaction des passages les plus douloureux, liés aux attentats ou à la guerre ?
J'ai écrit les passages sur les attentats d'une traite, je ne pensais pas que ce serait si dur à écrire. A partir du moment où ils étaient couchés sur le papier, c'était plus facile pour moi de prendre de la distance, de les corriger presque comme si je parlais de passages fictionnels. Les passages en Algérie partent de souvenirs familiaux mais ils sont romancés, tout simplement parce que je n'étais pas née à cette époque. J'ai dû faire des recherches poussées sur cette période pour ne pas être anachronique, c'était important de rendre justice à ces personnages, dans leur complexité, c'est ça qui m'a animé pendant l'écriture de ses passages.
Dans une interview à RFI, vous avez dit : « Mais dans le vingtième, noirs, arabes, juifs, musulmans, asiatiques, blancs, bourgeois ou prolétaires, on vit ensemble. Tout n’est pas rose, bien sûr, mais tout le monde y partage un sentiment d’appartenance envers ce quartier. » Que représente aujourd’hui pour vous cette mixité et ce sentiment d’appartenance ?
Cette citation est extraite du chapitre sur Ménilmontant, le quartier dans lequel j'ai grandi dans le 20ème arrondissement. C'était important pour moi de parler de Paris, je ne voulais pas "exotiser" mon identité et ne parler que d'un "ailleurs", j'ai grandi à Paris et cette ville m'a forgé, au même titre qu'Annaba ou la Kabylie de mes parents. Le 20ème arrondissement reste pour moi, un endroit où j'ai pu expérimenter cette mixité et le sentiment d'appartenance y est fort ! "Ma" France est multiple et c'est notamment le 20ème qui me l'a montré.
Pouvez-vous nous partager une phrase, une citation ou un enseignement qui vous inspire ?
Je choisirais la phrase de l'autrice et poétesse afro-américaine Maya Angelou que je cite dans mon livre : I came as one, but I stand as ten thousand. C'est toujours l'idée de lignée, même quand on se croit seule, nous sommes le fruit de celles et ceux qui nous ont précédé, de leurs luttes, de leurs espoirs. Quand je doute, je pense à mes parents, à mes grands-parents, et tous les autres. Je pense à leur résilience, sans romantiser leurs souffrances, et je me sens tout de suite moins seule.
Avec Le Tube de Coolidge, Sonia Hanihina s’impose comme une nouvelle voix de la scène littéraire. Romancière et dramaturge, ancienne enseignante de lettres, elle consacre désormais son énergie à l’écriture, où elle explore les territoires du silence et les cicatrices laissées par l’Histoire. Son premier roman met en lumière Mona, une jeune femme confrontée aux violences familiales et aux traumas enfouis, en quête de reconstruction et d’identité.
Page après page, Mona réapprend à aimer son héritage et à faire entendre sa voix, opposant à la froideur clinique des clichés radiographiques la force incandescente de la littérature.
Pourquoi avoir choisi d’ouvrir votre roman par cette citation de Paul Celan, qui évoque la vie surgissant de la mort et la vérité des ombres ? Qu’apporte-t-elle à la lecture de votre œuvre ?
J’aime beaucoup la poésie de Paul Celan, en laquelle, modestement, je me reconnais. J’aime ses vers cryptés, fracturés, parfois monosyllabiques. J’aime cette économie de la langue qui, loin d’en affaiblir la portée, rend plus puissant ce qu’elle dit, j’aime cette expression oblique. La citation en exergue de mon roman est extraite du recueil intitulé De Seuil en seuil.
« Regarde alentour,
vois, comment ce qui t’entoure devient vivant -
Par la mort ! Vivant !
Celui dit vrai, qui parle d’ombre. »
Elle s’est imposée comme une évidence. D’abord parce que c’est une invective, une invitation à percer les ombres, à découvrir la vie là où l’on ne l’espérait plus. Dans mon roman, la narratrice Mona circule parmi les ombres, sonde les radiographies de corps brisés, les explore, découvre, je dirais même, « révèle » dans tous les sens du terme, des histoires tues, oubliées et se remet à vivre au lieu de s’enfoncer et de se perdre sous les décombres.
À travers Yacine, vous explorez le déracinement. Qu’avez-vous voulu mettre en lumière à travers lui ?
Yacine, le père de la narratrice Mona, est un jeune tunisien débarqué en France au milieu des années 60 pour y poursuivre les études de médecine amorcées dans son pays natal. Il rejoint à Paris sa fiancée Jeanne, qu’il a rencontrée lors de vacances estivales. Cette arrivée dans une France qui se remet à peine de ce que l’on a par euphémisme appelé le « problème algérien » est un choc. Les couleurs de la Tunisie originelles se diluent. Le monde devient vite terne, parfois même menaçant. Yacine fait en France l’expérience de son altérité. Si le milieu familial de son épouse est plutôt accueillant, la société, elle, conserve une certaine hostilité à l’égard des magrébins qui affluent massivement après la décolonisation pour construire la France des « Trente Glorieuses ». Yacine ne doit ainsi sa respectabilité qu’au caducée qui orne le pare-brise de sa belle voiture. C’est son statut de médecin qui lui évite d’être la cible du racisme ordinaire. Il se sent stigmatisé. Ce qui le « sauve » encore est son goût immodéré pour la langue française qu’il met un point d’honneur à parler avec une remarquable finesse. Je considère volontiers Yacine comme un « poète maudit », il ressemble à Baudelaire qu’il aime tant. Albatros majestueux dans les nuées, « ses ailes de géant l’empêchent de marcher ». Yacine est un exilé. Arraché à sa culture qu’il s’efforce de taire, il en oublie jusqu’à sa langue maternelle qu’il n’a pas l’occasion de parler et refuse de transmettre à ses enfants. Le roman raconte cela aussi. Il y a de multiples entrées possibles pour ce texte mais assurément, le déracinement en est une. Mona, sa fille, elle, se réenracine.
Votre roman met en scène Jeanne, Elyas et Mona, trois personnages marqués par la violence paternelle et les silences familiaux. Comment avez-vous construit cette constellation, et que révèle-t-elle de la transmission des traumas au sein d’une même lignée ?
Jeanne, l’épouse de Yacine et Elyas, leur fils, sont les cibles directes de la violence paternelle. Je leur ai réservés dans le récit un traitement différent de celui de Mona, la fille, narratrice. Cette dernière est « l’Épargnée », témoin muet et impuissant d’une violence dont elle ne mesurera les effets que plus tardivement ; lorsqu’à son tour, elle voudra devenir mère et se heurtera à une infécondité sans doute liée aux traumatismes de l’enfance. Je reviens à cette constellation familiale. J’ai voulu montrer, raconter la fragilisation et l’éclatement de la cellule familiale en faisant des choix narratifs signifiants. Ainsi, lorsque le roman évoque Jeanne et Elyas qui s’effacent progressivement sous les menaces du père, le récit s’écrit à la troisième personne du singulier, pronom que les linguistes appellent le pronom de l’absence. « Il » et « elle » sont vus de loin, ils parlent peu, le récit les nomme et les fait vivre mais les éloigne. Quand c’est Mona qui raconte, elle utilise le pronom « je », elle tutoie, interpelle son père, longtemps muré dans le silence. Ses mots sont lapidaires. Elle jette des pierres à défaut de pouvoir jeter un pont et de sortir du mutisme celui dont elle ne sait pas grand-chose.
La famille est ce lieu dans lequel, tous les membres peuvent vivre les mêmes événements, entendre les mêmes récits et pourtant les recevoir et les digérer de façon singulière. Le roman raconte la force salvatrice des mots, la puissance de la littérature. C’est Mona qui s’en sort le mieux. Elle rompt le silence, rompt le cercle aussi. C’est en vivant « d’autres vies que la sienne » d’abord, en s’enfonçant dans les livres qui sont ses seuls compagnons et ensuite en osant les mots qui soignent devant un thérapeute qu’elle échappe et se sauve.
Quel type de lectrice êtes-vous, et comment vos lectures influencent-elles votre écriture ?
Je suis une lectrice frénétique. J’ai longtemps été très vorace, « goulue ». J’aime beaucoup ce mot aujourd’hui désuet. J’ai découvert très jeune l’immensité de la littérature et je voulais tout explorer, dans une sorte de spasme boulimique. Ce n’est pas vraiment un hasard si je suis devenue professeure de lettres. J’ai avalé des œuvres par centaines qui sont paradoxalement restées miennes tant que je les transmettais à mes étudiants. Et puis, j’ai senti l’envie, et même la nécessité d’écrire. Ce besoin s’est accompagné de choix drastiques. Il m’a fallu renoncer à enseigner, à transmettre les voix de ces autres, ces grands auteurs que je vénérais et qui me pétrifiaient devant leur panthéon, qui m’interdisaient d’oser. J’ai donc cessé d’être « ventriloque » et d’enseigner et je me suis mise à lire différemment. Avec plus de sérénité, de quiétude.
Quand j’écris, je ne lis plus de littérature. Je fais une pause. Mais elle revient car elle façonne mon imaginaire et mon écriture. Dans Le Tube de Coolidge, nombreuses sont les références à Baudelaire, dont j’ai parlé plus haut, et à Georges Perec. Je me suis un peu reconnue dans cet « enfant caché » qui se plait à dire qu’il ne sait pas ce qu’il aime le mieux entre « rester caché et être découvert ».
Quel message ou quelle émotion souhaitez-vous que vos lecteurs gardent en mémoire après la lecture de Le Tube de Coolidge ?
Coolidge est le livre de l’e/ancrage. C’est un roman qui raconte que l’on peut traverser des épreuves, les surmonter si l’on accepte son passé. C’est le livre, pour citer Malraux, de « l’antidestin ». Je voudrais que les lecteurs conservent le cheminement de l’ombre vers la lumière. C’est un texte qui parle de ré-enracinement. C’est d’ailleurs le sens du titre que le roman prendra pour son édition tunisienne chez Déméter. Judhuri, en arabe, ça veut dire « mes racines ».
Pouvez-vous nous partager une phrase, une citation ou un enseignement qui vous inspire ?
Parmi toutes les citations que j’aime, je choisis de vous livrer celle qui me guide. C’est une phrase de Jeanne Benameur dans « Profanes ». « Quand je n’ai plus de refuge, je vais dans les mots. J’ai toujours un abri, là. Un abri creusé par d’autres, que je ne connaîtrai jamais et qui ont œuvré pour d’autres qu’ils ne connaîtront jamais. »
Autrice installée dans le Sud de la France, Victoria Bonus a choisi de se consacrer à l’écriture à l’âge de cinquante ans. En 2022, elle a publié Des ruptures, un roman qui met en lumière les fragilités et les forces de la vie familiale à travers le personnage d’Éléonor, une femme divorcée qui cherche à concilier son rôle de mère avec ses aspirations personnelles et professionnelles. Le récit aborde avec finesse les thèmes de la maternité, de la résilience et de la reconstruction et les relations mère – fils.
Son roman, salué comme bouleversant, a été distingué par un coup de cœur sur Elle.fr et largement plébiscité sur les plateformes littéraires.
Vous avez choisi d’écrire votre premier roman à 50 ans. Qu’est-ce qui a déclenché ce passage à l’acte ?
J’ai toujours eu cette envie chevillée au corps mais entre ma vie de femme, de mère et ma vie professionnelle, c’était inenvisageable… jusqu’au jour où mes enfants ont quitté le nid. On en parle peu, c’est une période difficile dans la vie d’une femme. Vous avez consacré 20 ans à vos enfants et du jour au lendemain, le monde ne tourne plus autour d’eux. Il faut trouver un nouveau sens à sa vie. Les couples se retrouvent face à face, seuls alors qu’ils étaient noyés au sein d’une famille pendant de longues décennies. La transition est parfois rude. Cela ne s’est pas passé comme cela pour moi parce que j’ai divorcé à ce moment-là mais ce qui est certain, c’est que du jour au lendemain, j’ai eu du temps disponible et j’ai décidé de le consacrer à ce rêve de toujours : écrire, livrer mes émotions, partager mes mots. Et cela m’a procuré un plaisir au-delà de mes espérances. Écrire est devenu un besoin viscéral.
Quels aspects de votre propre expérience personnelle transparaissent dans ce roman ?
Oh! Vaste sujet. C’est d’ailleurs l’objet des deux citations en épigraphe au début de mon ouvrage. (Je ne suis jamais arrivée à choisir, alors j’ai laissé les deux.) Je crois que ce roman comporte tout l’amour que je porte à mes fils. Oui, c’est cela, ce texte restitue l’amour inconditionnel que je porte à mes enfants. Ce roman exhale tout l’amour d’une mère.
Il traite aussi de la difficulté de tout concilier : la société nous demande d’être une bonne maman, une bonne épouse et performante au bureau. Personnellement, je pense qu’on ne peut pas tout concilier, en tout cas, pas en même temps. Je voulais traiter de ce sujet. Et cette problématique impose des choix, pas toujours faciles.
Quels avantages et quels défis avez-vous rencontrés en optant pour l’autoédition ?
Je vais commencer par les défis : vous faites tout de A à Z ! Et ce n’est pas simple. Depuis l’inscription à la Bibliothèque nationale de France en passant par la mise en page du roman sur la plateforme. L’exercice n’est pas aisé. Heureusement, il existe une communauté sur Instagram d’auteurs qui s’entraident.
Les avantages sont nombreux. Vous êtes maître de votre campagne de promotion. Certes, vous devez contacter les librairies pour organiser des séances de dédicaces mais vous maîtrisez l’agenda et les lieux. C’est exaltant.
Et je suis totalement libre de ce que je publie sur Instagram. Mon compte renvoie une image authentique de ce que je suis vraiment et de ce que je vis et ressens au jour le jour.
Dans l’un de vos posts sur Instagram, vous évoquez les “fées” qui ont permis à votre roman de voyager de chronique en chronique jusqu’à être remarqué par Elle.fr. Qui sont-elles et quel rôle ont-elles joué ?
J’ai créé mon compte Instagram pour donner de la visibilité à mon roman et pour partager mes retours de lecture. J’ai découvert une communauté extraordinaire, vraiment extraordinaire. Les gens sont bienveillants et vraiment à l’écoute. Je ne m’attendais pas à cela. Des femmes ont lu mon roman et l’ont littéralement porté auprès de leur communauté ou de leurs proches dans la vraie vie. Certaines ont commandé un nombre incroyable d’exemplaires pour l’offrir parce qu’elles avaient été conquises par mon texte. D’autres l’ont présenté au cours de café littéraires. D’autres enfin ont organisé des concours pour le mettre en visibilité. Et puis, il y a eu cette journaliste chez ELLE. Elle l’a lu, m’a fait un retour sur Instagram en me disant qu’elle avait beaucoup aimé, que mon texte l’avait beaucoup touchée, on a un peu échangé, elle a fait une chronique puis elle a disparu. Je ne savais pas qu’elle était journaliste. Quelques semaines plus tard, elle m’a contactée et m’a dit : « Voilà ; ton roman est dans les coups de cœur du mois sur ELLE.FR ». Je n’y croyais pas. J’ai dû lire et relire son texte pour comprendre que je ne rêvais pas. Elle m’a donné son article comme on donne un cadeau, sans rien attendre en retour mais consciente de ce qu’elle m’offrait. Elle m’a offert une visibilité que je ne pouvais espérer.
Quel regard portez-vous sur la vie après cinquante ans et quel message aimeriez-vous transmettre aux femmes ?
C’est l’objet de mon deuxième roman ! On peut tout se permettre à 50 ans. Les enfants ont grandi, on a du temps, on est en forme, on peut donc faire du sport ou s’adonner aux loisirs qui nous passionnent. Quand tout va bien, on a une situation professionnelle qui permet de se faire plaisir. On a un amoureux ou on peut en trouver un. Bref, c’est la belle vie !
Et dans mon deuxième roman, je parlerai aussi de la ménopause. Elle a aussi des avantages dont on parle peu.
Pouvez-vous nous partager une phrase, une citation ou un enseignement qui vous inspire ?
« Plus tard, il sera trop tard, notre vie c’est maintenant. » de Jacques Prévert.
J’ai une conscience aiguë de la fugacité de la vie. Il faut profiter de l’instant présent : carpe diem. Je sais que tout peut s’arrêter, en une minute. On peut recevoir un coup de fil là, et notre vie peut basculer.
Alors, croquons la vie à pleines dents !
Née à Carhaix, en Bretagne, Sonia Kermen est autrice. Elle vit depuis plus de dix-sept ans aux États-Unis. Son écriture se déploie dans plusieurs genres : autobiographie, poésie, littérature jeunesse bilingue et thriller. Son autobiographie Il y a toujours un commencement retrace un parcours marqué par la résilience et le pardon, transformant les blessures de l’enfance en un récit porteur d’espoir. Elle a également publié Ma Génération, un recueil de poésies, ainsi que Les aventures d’Enzo, une série jeunesse bilingue qui mêle pédagogie et découverte culturelle. Au-delà de l’écriture, Sonia Kermen cultive ses passions pour la photographie, la cuisine et la randonnée. Ses textes, nourris de son vécu, invitent à réfléchir sur la force du pardon, la reconstruction et la beauté des détails du quotidien.
Qu’est-ce qui vous a poussée à franchir l’Atlantique et à vous installer en Caroline du Nord ?
C'est la première fois que je me livre publiquement sur ce périple, un passage de ma vie qui est d'ailleurs intrinsèquement lié à l'écriture de mon prochain roman. Le franchissement de l'Atlantique n'a pas été un choix dicté par l'aventure ou l'exotisme, mais par une nécessité vitale : la quête de liberté, de sécurité et de paix pour moi et mes enfants. Après avoir lutté pour me libérer d'un environnement marqué par la violence et les abus émotionnels, j'ai réalisé que la seule personne qui pouvait me sauver, c'était moi-même. Lorsque j'ai sollicité l'aide du système et que ma souffrance a été banalisée, j'ai compris que mon pays ne pouvait pas m'offrir la protection dont j'avais désespérément besoin. Le départ est alors devenu l'unique acte possible pour reprendre le contrôle de ma vie. J'ai eu la chance, dans cette période difficile, de rencontrer une personne de confiance qui est devenue mon compagnon, et dont le soutien a été crucial pour ma démarche. C'est avec son aide, l'appui d'une avocate, et après une planification minutieuse, que j'ai pu obtenir les papiers nécessaires pour quitter la France. Je suis arrivée aux États-Unis avec mes enfants, où ce pays m'offrait un nouveau commencement et la promesse d'une vie moins cabossée. Même si la langue m'était étrangère, c'était le lieu où je pouvais enfin commencer à transformer mes épreuves en force, faisant de ma résilience ma plus grande victoire.
Votre autobiographie Il y a toujours un commencement est un récit de résilience. Qu’avez-vous voulu transmettre à vos lecteurs ?
À travers Il y a Toujours un Commencement, j'ai voulu transmettre un message fondamental : la possibilité de se choisir et le pouvoir libérateur du pardon. Ce livre retrace la transformation des blessures de l'enfance en une force. Mon intention principale était de montrer qu'il est possible de briser les cycles, de se relever quelle que soit la difficulté de l'épreuve. J'espère que mes lecteurs y trouvent non seulement un écho à leurs propres luttes, mais surtout l'espoir et l'inspiration de devenir l'acteur principal de leur propre reconstruction. C'est un récit qui dit : peu importe d'où vous venez, vous avez le droit de vous donner un nouveau commencement.
Vos ouvrages destinés à la jeunesse sont bilingues. Qu’est-ce qui vous a motivée à faire ce choix ?
Vivre à l'étranger m'a donné une perspective unique sur l'importance de la langue maternelle et de l'ouverture culturelle. En tant que mère d'enfants bilingues, j'ai vu à quel point il est essentiel de leur fournir des outils ludiques pour naviguer entre le français et l'anglais. Mes livres jeunesse, la série Les aventures d’Enzo, sont bilingues par nécessité et par passion. Ils permettent aux enfants de découvrir le monde et la pédagogie d'une manière fluide, tout en maintenant un lien fort avec les racines francophones, ce qui est crucial pour les familles expatriées ou les enfants qui apprennent une deuxième langue. Je veux rendre l'apprentissage des langues une aventure joyeuse et accessible.
Selon vous, quel est le pouvoir des histoires pour transformer la société ?
Les histoires sont, selon moi, le moteur le plus puissant de l'empathie et du changement. Elles nous permettent de vivre des réalités qui ne sont pas les nôtres, de comprendre la douleur et la joie de l'autre, et de nous défaire de nos préjugés. Elles humanisent les statistiques et donnent une voix aux invisibles. Que ce soit à travers un thriller, une poésie ou une autobiographie, chaque récit est une fenêtre ouverte qui nous pousse à l'introspection et au dialogue. Les histoires ne transforment pas la société instantanément, mais elles transforment les individus. Et ce sont ces individus transformés, conscients, qui font évoluer la société un pas à la fois.
Quels sont vos projets littéraires à venir ?
J'ai deux projets passionnants qui illustrent ma démarche créative collective et engagée. Premièrement, je suis co-autrice du recueil participatif (titre surprise) qui est le résultat d'un magnifique jeu d'écriture, sortie le 24 décembre. Deuxièmement, et c'est un projet qui me tient énormément à cœur, je participe à l'ouvrage collectif 'Le jour où je me suis choisie' (sortie prévue en mars 2026, éditions Mindset). Cet ouvrage est un véritable hymne à l'empuissancement où des femmes racontent le moment où elles ont décidé de se choisir, passant de la rue à l’entrepreneuriat, de l’oppression à la liberté. Je suis d'autant plus heureuse que cette maison d'édition soit située dans ma ville de naissance, ce qui représente un beau retour aux sources. À travers des témoignages intimes, bruts, et parfois dérangeants, ce livre célèbre la force de celles qui se relèvent et inspire celles qui n’osent pas encore le faire. C'est un projet éditorial qui bouleverse, élève et donne envie de se choisir, enfin. Mon texte s'inscrit dans cette volonté de célébrer la force de la reconstruction. Enfin, je suis heureuse d'annoncer que je signerai à nouveau un livre collectif, dont la sortie est prévue pour 2027. En parallèle, je travaille activement sur mon prochain roman, dont la sortie est prévue en 2026, ce qui me permet de continuer à explorer différents genres et à cultiver ma polyvalence.
Pouvez-vous nous partager une phrase, une citation ou un enseignement qui vous inspire ?
La phrase qui guide souvent mes réflexions est celle-ci : Le pardon, ce n'est pas oublier, c'est se souvenir sans douleur. C'est un enseignement fondamental de mon cheminement. Elle résume l'essence de la résilience : on ne gomme pas le passé, mais on en change la résonance. Elle nous rappelle que le véritable acte de pouvoir n'est pas de nier ce qui nous est arrivé, mais de reprendre le contrôle de la façon dont ces événements définissent notre présent et notre futur.
Meriem Medjkane est aujourd’hui une figure incontournable du cinéma et du théâtre algériens, dont le talent s’affirme également en France. Entre Alger et Paris, elle construit une carrière qui dépasse les frontières et s’inscrit dans le sillon des grandes actrices. Sur grand écran, elle s’est illustrée dans Les Terrasses de Merzak Allouache, Abou Leila d’Amin Sidi-Boumédiène, Papicha et Houria de Mounia Meddour, ou encore De nos frères blessés de Hélier Cisterne.
Son rôle dans Alger de Chakib Taleb-Bendiab, où elle incarne Dounia, psychiatre brillante plongée dans la résolution d’une affaire liée à l’enlèvement d’une petite fille, a marqué les spectateurs par la force et la subtilité de son interprétation. Le film, couronné du Grand Prix du meilleur film au Festival international du film de Rhode Island et sélectionné dans la course aux Oscars, a été accueilli avec enthousiasme en Algérie comme en France. Il a également connu un parcours international remarquable, présenté dans des festivals prestigieux tels que la Mostra de Valencia, l’IFFI de Goa, les Journées cinématographiques de Carthage ou encore le Festival de Fribourg. Autant de reconnaissances qui confirment la portée universelle de ce thriller algérien et la puissance du jeu de Meriem Medjkane.
De Papicha à Alger, en passant par Abou Leila, beaucoup des films auxquels vous avez participé ont été salués par le public et la critique. À vos débuts d’actrice, vous attendiez-vous à connaître une telle continuité de succès ?
Pour être tout à fait honnête, à mes débuts je ne pensais pas faire carrière dans le cinéma ou le théâtre. J'étais étudiante en psychologie clinique entre Oran et Paris et je faisais du théâtre avec beaucoup de bonheur à côté. Lorsque l'on a commencé à me proposer des rôles, je le prenais comme un cadeau de la vie, une occasion d'explorer de nouveaux territoires et de travailler avec des metteurs en scène que je respecte et dont j'aime l'univers. Lorsque ces succès sont arrivés, j'en étais évidemment ravie !
Votre personnage de Dounia dans Alger est particulièrement complexe. Comment avez-vous abordé ce rôle ?
J'ai d'abord eu besoin de beaucoup échanger avec le réalisateur et scénariste Chakib Taleb Bendiab pour comprendre les contours de ce personnage. Ensuite, j'ai puisé dans dans mon vécu, dans mes émotions, ou dans certaines situations par lesquelles je suis déjà passée ou observées chez les autres. Ensuite, il y a le travail avec mes collègues. Etre acteur c'est aussi être à l'écoute de ses partenaires et de construire ensemble.
Je tenais aussi absolument à rendre hommage aux de femmes algériennes qui se battent au quotidien pour faire avancer les choses coûte que coûte, elles sont légion. Cela a été une boussole pour la préparation du rôle.
Quels critères déterminent votre choix lorsqu’un réalisateur vous propose un rôle ?
Il y a d'abord le scénario évidemment, le personnage que l’on me propose et surtout l'univers du ou de la cinéaste. Je me demande d'abord et toujours, si je peux ou non apporter quelque chose à l'histoire que l'on me propose et bien entendu, si je suis touchée par le parcours de mon personnage.
Quel conseil donneriez-vous à une jeune comédienne qui débute aujourd’hui ?
Je dirais que ce n'est évidemment pas un métier facile, mais qu'avec de la curiosité, de la persévérance, du sérieux mais surtout du travail et du courage, cela devient plus qu'un métier mais une grande aventure humaine. Il faut donc s'accrocher et essayer dans la mesure du possible, bien choisir ses projets.
Quels sont vos projets actuels ou à venir, au cinéma ou au théâtre ?
Je reprends très bientôt le spectacle ‘’Les Généreux’’ de Abdlekader Alloula avec les deux compagnies Istijmam et Gena à Marseille en février 2026 et j'entame actuellement une tournée en Algérie, avec la merveilleuse comédienne Rachida Brakni, où nous lirons des textes de Assia Djebbar.
Pouvez-vous partager une phrase, une citation ou un enseignement qui vous inspire dans votre parcours ?
Avec le temps, peut être une citation tirée de ‘La Mouette’’ de Tchekov :
" Je sais maintenant, je comprends, Kostia, que dans notre métier, artistes ou écrivains, peu importe, l’essentiel n’est ni la gloire ni l’éclat dont je rêvais ; l’essentiel, c’est de savoir endurer. "
Née dans les Yvelines, Stéphanie Castillo-Soler cultive une passion pour les mots, la lecture et l’écriture. En 2019, elle se lance dans l’aventure littéraire grâce au concours organisé par Librinova. Inspirée par le thème imposé, elle signe son premier roman, Libres dans leur tête, un huis clos qui explore la liberté intérieure face aux murs de la prison.
Pouvez-vous nous présenter votre roman Libres dans leur tête ?
Le roman est assez court, 160 pages environ. C’est une histoire d’amitié qui éclot en prison. Il ne s’agit absolument pas d’un roman sombre. Je le qualifierais de « roman d’apprentissage », dans la mesure où mes personnages ressortent « grandis » de cette expérience traumatisante. Les thèmes abordés sont la culpabilité, la liberté, la solidarité, l’amitié.
Au-delà de l’histoire, quel message central souhaitez-vous transmettre à vos lecteurs ?
Pour cela, permettez-moi de citer l’un de mes lecteurs : « Libres dans leur Tête est un plaidoyer pour la résilience, l’espoir, la reconstruction et la réinsertion ».
Quand vous écrivez, suivez-vous une discipline ou une routine particulière ?
La période d’écriture était assez « magique », j’étais comme « habitée » par mon texte et mes personnages. Je me relevais parfois la nuit pour griffonner quelques notes, et le matin debout aux aurores : j’écrivais de 5h à 8h, avant que la maisonnée ne s’éveille.
Quels écrivains nourrissent votre inspiration et influencent votre style ?
La plupart de ceux que je lis, et j’en lis tellement ! La lecture est mon oxygène, ma drogue, ma béquille, mon évasion, mon refuge. Davantage qu’une passion, c’est une addiction.
Enfin, quel conseil donneriez-vous à une personne qui hésite encore à franchir le pas de l’écriture ?
De commencer par un format court, par exemple une nouvelle. Il y a plein de concours sur Internet. On ne va pas se mentir, il est très difficile de se faire publier. J’ai eu la chance de séduire le jury de Librinova. C’est très encourageant de se dire que votre manuscrit a su convaincre des professionnels. Sans le concours, je n’aurais jamais écrit ce roman, et je n’aurais pas non plus fait la démarche d’envoyer un manuscrit à des maisons d’éditions. Même si je ne suis pas à proprement parler « auto-éditée », je pense que l’auto-édition est un excellent tremplin. Ensuite il faut « accompagner » son roman, en parler et le faire connaître… par exemple en acceptant de répondre à des interviews ;-)
Pouvez-vous nous partager une phrase, une citation ou un enseignement qui vous inspire ?
Je citerais bien Marilyn Monroe : « L’imperfection est beauté, la folie est génie et il vaut mieux être totalement ridicule que totalement ennuyeux. »
Pour Léa, donner vie à la littérature et la rendre accessible à toutes et tous est devenu une véritable mission. Elle a créé une page Instagram ainsi qu’une association, entourée de passionnés de lecture et d’écriture, afin de partager son amour des mots.
Animée par cette passion, elle organise des rencontres, des ateliers et des événements autour du livre. L’objectif étant de démocratiser la culture et ouvrir des espaces de dialogue entre auteurs, lecteurs et curieux, à travers débats, lectures publiques et ateliers d’écriture.
L’association se démarque par son approche inclusive, elle considère le livre non seulement comme un objet culturel, mais aussi comme un outil d’émancipation et de lien social, capable de rapprocher les individus et de nourrir la réflexion collective.
Quand et pourquoi avez-vous créé Mon Petit Book-an ?
Mon Petit Book-an a vu le jour en avril 2021, à l’origine comme un compte littéraire sur Instagram où je partageais mes coups de cœur de lecture et des interviews d’auteur.ices et de professionnel.les du livre. J’ai pour coutume de dire que j’aime les livres autant que les gens. Ainsi, l’organisation de rencontres « physiques » s’est rapidement imposé, pour poursuivre les échanges virtuels dans la vraie vie : cabarets littéraires, rencontres d’autrices en librairie ou dans des lieux culturels, comité de lecture tourné vers les premiers romans, bookclubs ou encore ateliers d’écriture sont depuis venus compléter les chroniques, portraits vidéos et lives réalisés sur Instagram.
Des sujets plus pragmatiques sont alors arrivés comme les questions d’assurance pour accueillir du public dans les meilleures conditions, ou encore le souhait d’avoir accès à des ressources (finances, partenariats) plus solides : et c’est ainsi que j’ai choisi de créer l’association dédiée à l’organisation d’événements. C’était il y a 2 ans, et la structure est animée aujourd’hui par une quinzaine de bénévoles.
Comment l’association contribue-t-elle à rendre la lecture et la culture accessibles à tous ?
L’association propose modestement des espaces de rencontres et de partage entre des autrices (principalement) et des lecteur.ices. Nous accueillons également des éditrices, traductrices ou illustratrices pour donner à voir la richesse du travail autour du livre, avec un regard particulier porté sur la création féminine et féministe.
Ces temps de médiation sont ouverts à tous.tes et leur accès est gratuit, ce qui est très important pour moi. Nous ne percevons pas encore de subventions, mais nous croyons que l’accès à la culture est une mission de service public dont les coûts ne doivent pas être supportés par le public justement, car cela crée rapidement des discriminations économiques que nous ne souhaitons pas voir reproduites au sein de notre association.
Plus largement, le projet Mon Petit Book-an est aussi un vecteur de connexion à distance avec une communauté de lecteur.ices qui se renforce chaque jour un peu plus. Les activités proposées via Instagram, comme les lives avec des autrices, permettent d’aller à la rencontre de publics éloignés des librairies par exemple, ou empêchés pour différentes raisons.
Pouvez-vous nous raconter une rencontre ou un moment qui vous a particulièrement marqué depuis la création de Mon Petit Book-an ?
Dur dur de n’identifier qu’un seul moment dans cette grande aventure si surprenant et stimulante ! Le cabaret littéraire organisé pour le 1er anniversaire de Mon Petit Book-an reste vraiment un événement spécial, riche et joyeux, ayant réuni des (jeunes) auteur.ices de talent et des éditeur.ices qui portent à travers les ouvrages qu’iels publient les valeurs antiracistes et féministes qui sont les miennes.
J’aimerais ajouter également que la rencontre qui continue de me marquer le plus à ce jour est celle de Nadège Erika, déjà autour de son premier roman Mon Petit à l’époque. Des échanges très touchants et authentiques, qui ont d’ailleurs conduit à ce que Nadège devienne la marraine de notre association, pour notre plus grand plaisir !
Quels projets sont prévus pour l’année à venir ?
Pour ma part, je prépare la reprise des ateliers d’écriture en janvier. Et je suis déjà ardemment au travail pour préparer les 5 ans de Mon Petit Book-an au printemps 2026, avec comme toujours des discussions impactantees, des rencontres inspirantes et mille raisons de rester mobilisé.es pour une édition et une librairie indépendantes… avec l’annonce d’une grande surprise pour marquer le coup !
Côté asso, l’équipe a préparé un superbe calendrier de l’Avent avec plein de recommandations de lecture et d’idées cadeaux, qui sera en ligne sur Instagram tout le mois de décembre ! Et le prochain événement aura lieu début février 2026, autour de plusieurs autrices merveilleuses de la rentrée littéraires d’hiver. On a hâte !
5) Pouvez-vous nous partager une phrase, une citation ou un enseignement qui vous inspire ?
« On peut être sérieux sans se prendre au sérieux », voilà un mantra que j’ai fait mien il y a de nombreuses années. On peut partager et faire passer beaucoup de choses par le rire et la joie, sans pour autant perdre en intensité dans nos luttes ou en ardeur dans nos engagements.
Liens utiles
Mon Petit Book-an 📚🔥 (@monpetitbookan) • Photos et vidéos Instagram
Mon Petit Book-an 📚🔥 (@monpetitbookan) • Photos et vidéos Instagram
Artiste française, Christelle Korichi s’impose sur la scène théâtrale avec son seul-en-scène poignant, Un Autre Monde. À travers le personnage de Christine, elle explore le cheminement intime d’une femme en quête de liberté, décidée à rompre avec les injonctions familiales pour suivre sa vocation artistique. Présenté notamment au Studio Hébertot et à la Scala Provence durant le festival d'Avignon 2025 puis au Théâtre La Boussole, le spectacle mêle avec finesse, humour, introspection et poésie, offrant au public une œuvre à la fois personnelle et universelle.
Quel a été le déclic qui vous a poussée à embrasser une carrière artistique ?
À l’âge de cinq ans, dans ma ville natale dans l’est de la France, un casting pour jouer dans une pièce de théâtre a été présentée. Ils recherchaient le rôle d’une fée sur un tapis volant. Je l’ai appris par une professeure de théâtre qui discutait avec mon aide maternelle. J’ai dit : « moi je veux être une fée ! » Et elle m’a répondu: « ma chérie, je comprends, mais il faut savoir lire pour avoir le rôle. » Et je lui ai dit : « alors si je sais lire, je peux être une fée ? »
Et elle a dit oui. Du coup j’ai appris à lire. Et j’ai décroché le rôle. Le jour où j’ai posé mon pied sur scène, je savais que je voulais faire ça toute ma vie, je me suis sentie chez moi en sécurité.
Ensuite, j’ai joué devant ma famille, je ne voulais plus m’arrêter, je les faisais rire et j’adorais ça. Et j’ai décidé que quoi qu’il arrive, un jour ou l’autre, j’en ferais mon métier. Depuis toute petite, devenir comédienne a toujours été ma vocation et ça a été loin d’être facile. Pourtant, malgré toutes les péripéties, il y avait toujours un chemin qui m’amenait vers le métier de comédienne. Une sorte de guide qui me remettait sur ma destinée.
Comment avez-vous construit le personnage de Christine dans votre spectacle, et en quoi vous ressemble-t-il ?
Le personnage de Christine, c’est moi version fiction, on a tous un peu de « Christine » en soi. c’est quelqu’un qui n’ose pas dire non, parce qu’elle ne sait pas dire non, elle aime faire plaisir et, en n’osant pas dire non aux autres, elle se dit non à elle. Ce personnage a été construit le plus sincèrement possible, j’avais envie de montrer qu’on a tous des failles ou des endroits où on sait pertinemment qu’on n’est pas à notre place. Le personnage est un peu un anti-héros qui au fur et à mesure de l’histoire va prendre confiance en soi. C’est là où cela ressemble également à mon histoire, la mort est un déclic qui m’a amené à comprendre l’importance de la vie, et à comprendre aussi le besoin et la nécessité de savoir se dire « oui » à soi-même.
Et le prénom Christine est un hommage à ma grand-mère qui n’a jamais voulu m’appeler Christelle et qui, jusqu’à son dernier souffle, me prénommait Christine. Cette histoire est donc mon histoire. Tout est vrai, ou presque. Et je fais vivre aussi dans ce spectacle des personnages de ma famille, des personnes ou des situations que j’ai rencontrées et qui m’ont particulièrement marquées, voir qui ont changé ma vision de la vie.
Votre spectacle mêle humour et introspection. Comment trouvez-vous cet équilibre sur scène ?
J’ai toujours aimé faire rire, je voulais faire un spectacle qui soit à la fois drôle et profond, vrai, comme la vie. Je raconte certains épisodes avec humour parce que même si c’est pas drôle pour le personnage de Christine à l’instant T, avec du recul même les situations dramatiques a vivre peuvent faire sourire voire même rire. Cela n’enlève rien à la vraie vie avec ses moments sensibles, tristes ou douloureux.
Durant mon spectacle, on passe d’une émotion à une autre pour conduire à une réflexion plus profonde sur le sens de sa vie et de sa destinée.
Et j’aime dire et clamer que pour moi le chemin de vie et les rencontres sont aussi importants si ce n’est plus que le résultat.
Quels retours du public vous ont le plus marquée depuis les premières représentations ?
J’ai retrouvé à la sortie des personnes en pleurs et joyeuses en même temps, je suis allé vers une jeune fille qui m’a bouleversée car elle était élève infirmière et avait l’impression de ne pas être à la hauteur. Elle avait peur et elle m’a dit que pour elle mon spectacle lui a fait prendre conscience qu’il faut accepter de s’écouter et se faire confiance et de ne plus avoir peur. Je lui ai dit que même les meilleures ont eu un début. Elle a tout compris et ça ma bouleversé. Et une autre en sortant m’a dit merci pour ce spectacle: si Christine a pu réaliser ses rêves alors que c’était pas gagné, moi aussi je peux le faire. Du coup c’est moi qui avait les larmes aux yeux!
Et puis ce qui m’a beaucoup touché c’est le personnel hospitalier qui m’a remercié pour la mise en avant du métier d’infirmière, de parler avec humour et sincérité de la difficulté d’exercer leurs métiers.
Mon spectacle éveille en chacun de nous ses doutes, ses échecs et ses rêves. Permettre aux spectateurs, de se questionner et d’oser vivre leur vie en suivant l’histoire et le parcours de Christine, tout en se rendant compte à quel point la vie est précieuse. L’importance de choisir dans la vie et croire que les rêves sont faits pour être réalisés.
Comment le fait d’être seule en scène influence-t-il votre manière de jouer et d’écrire ?
Le seul en scène est un art difficile. Je fais vivre de nombreux personnages, et parfois ils sont tellement présents et tellement réels pour moi, qu’au début je me souviens d’avoir attendu le personnage de ma mère arriver, alors que c’est moi qui jouait ma mère. Je me suis mis un point d’honneur à leur créer une identité personnelle, pour moi ils sont vraiment là, ils ont leurs propre existence.
il fallait trouver un équilibre entre la narration et l’incarnation des autres personnages de ma pièce. Passer d’un personnage à l’autre, permettre au public de s’y retrouver au milieu de toutes ces personnes. Trouver le bon rythme.
Quand on est comédien, c’est aussi le partage, et « jouer » au sens propre du mot à plusieurs est un immense plaisir.
Lorsque l’on est seule sur scène, il n’est pas facile de ne pas avoir son partenaire de jeu qui vous donne de la force et qui vous réponds surtout. C’est un exercice excitant et angoissant en même temps, je me jette dans le vide à chaque fois, il n’y a pas de partenaire pour jouer avec moi, mais il y a le public et ça c’est un bonheur intense et l’envie de recommencer arrive immédiatement après avoir fini.
Pouvez-vous nous partager une phrase, une citation ou un enseignement qui vous inspire ?
« Rien n’est impossible, il suffit juste d’y croire. » C’est une phrase universelle. Et c’est surtout la mienne, celle qui a guidé mes pas dans ma vie d’artiste.
Je souhaite qu’elle puisse aussi inspirer de nombreux spectateurs qui viendront voir Christine et son univers dans « Un Autre Monde ».
Originaire de Nabatiyé, dans le sud du Liban, Nour Ballouk a été formée aux Beaux-Arts de Beyrouth. Son œuvre puissante est façonnée de mémoire, de beauté et de résistance. Ses collages numériques, présentés dans divers pays du Moyen-Orient et d’Europe, explorent les marques laissées par les conflits tout en mettant en lumière la richesse de l’identité libanaise.
En 2024, elle ouvre la toute première galerie d’art de sa ville d’origine, au cœur d’une zone fréquemment ciblée par les bombardements.
Pourquoi avez-vous décidé d’ouvrir une galerie d’art à Nabatiyé ?
Ouvrir une galerie à Nabatiyé, c’était un geste à la fois intime et politique. Intime, parce que c’est ma ville, celle de mon enfance, des souvenirs, des blessures et des racines. Politique, parce qu’il s’agit d’affirmer qu’un lieu souvent réduit, dans l’imaginaire collectif, à la guerre et à la peur, peut aussi être un espace de création, de beauté et de partage. J’ai voulu rompre avec cette idée que la culture n’appartient qu’aux grandes villes. Ici, au milieu des collines bombardées, nous avons ouvert une porte, symboliquement, une fenêtre vers le monde.
La galerie est née du désir de dire : nous existons, nous créons, nous rêvons malgré tout.
Est-ce important pour vous de soutenir les jeunes artistes libanais ?
C’est essentiel. Les jeunes artistes au Liban vivent dans une précarité extrême : économique, mais aussi morale. Beaucoup finissent par s’exiler faute de perspectives, ou renoncent à créer. Je considère la galerie comme un lieu d’accueil et d’encouragement, un abri, au sens le plus humain du terme. Soutenir ces artistes, c’est leur dire que leur voix compte, que leur regard sur le monde est nécessaire. Et c’est aussi un moyen de reconstruire une mémoire collective à travers l’art, de transmettre quelque chose de lumineux malgré les ruines.
Comment choisissez-vous les œuvres à exposer ?
Ce qui m’intéresse avant tout, c’est la vérité intérieure d’une œuvre. Au-delà de la technique, de la forme ou du style, je cherche une émotion, une vibration, quelque chose qui raconte. Une œuvre doit porter une histoire, une blessure, une espérance. Elle doit témoigner d’un rapport authentique au monde.
Je regarde aussi comment les œuvres dialoguent entre elles. Une exposition n’est pas une juxtaposition, c’est une conversation silencieuse. J’aime que chaque pièce réponde à une autre, qu’un fil invisible relie les peintures, les formes. Cela crée une circulation d’énergie, une sorte de respiration entre les œuvres. Chaque exposition est ainsi une tentative de tisser du sens là où il semble s’être défait, une manière de remettre un peu d’ordre dans le chaos, de retrouver la beauté là où tout semble perdu.
Pensez-vous que l’art peut contribuer à la paix dans votre région ?
Je ne crois pas que l’art puisse arrêter les bombes. Mais il peut empêcher que la guerre détruise entièrement notre humanité. L’art ne change pas le monde de manière immédiate, mais il change le regard, il rouvre les cœurs. Et c’est peut-être là que commence la paix : quand on retrouve la capacité d’empathie, quand on accepte d’écouter la douleur de l’autre. Dans un pays fragmenté comme le Liban, l’art peut créer des passerelles invisibles. Il ne répare pas tout, mais il empêche le désespoir total.
Quel a été le moment le plus marquant depuis l’ouverture de votre galerie ?
Je crois que c’était le jour où, après un bombardement, des enfants du quartier sont venus dans la galerie. Ils marchaient entre les toiles, ils regardaient les images, certains touchaient doucement les cadres. L’un d’eux m’a demandé : « C’est toi qui as fait tout ça
? » Et j’ai répondu : « Non, c’est nous tous. » Ce moment m’a bouleversée. J’ai compris que la galerie n’était pas seulement un lieu d’exposition, mais un espace de respiration, un lieu où la vie reprend forme, même au milieu des décombres.
Pouvez-vous nous partager une phrase, une citation ou un enseignement qui vous inspire ?
Oui. J’aime beaucoup cette phrase de Mahmoud Darwich : « Sur cette terre, il y a ce qui mérite vie. » C’est une phrase que je garde toujours en tête. Elle résume tout : la douleur, la résistance, et surtout l’amour. Malgré la guerre, malgré la perte, il reste des choses qui méritent qu’on se batte pour elles, la beauté, la mémoire, la dignité. L’art, pour moi, c’est cette manière de dire oui à la vie, même dans les ténèbres.
Lancé le 8 mars 2025, Le Moins qu’on puisse lire est un média littéraire qui bouscule les codes. Son ambition, rendre la lecture accessible à toutes et tous. À travers un ton décomplexé et des formats variés (chroniques, entretiens, sélections thématiques ou incursions dans les bibliothèques de personnalités), ce média entend réconcilier le grand public avec le plaisir de lire. Une initiative audacieuse, portée par des passionnées qui estiment que la lecture peut (re)devenir un acte joyeux, libre et partagé.
Bénédicte Flye Sainte Marie, pourriez-vous nous parler de votre parcours et nous présenter les femmes derrière Le Moins qu’on puisse lire?
Je suis une sorte de couteau suisse de la presse magazine puisque je suis journaliste dans de nombreux domaines, de l’actualité télé ou ciné à la santé en passant par la beauté et beaucoup d’autres choses. Je suis aussi autrice, j’ai publié quatre livres depuis 2018, trois essais sociétaux parus chez Michalon et Je suis née au son du violon, une biographie qui a été publiée aux éditions Infimes. Mais dans l’éventail de mes multiples activités, il y avait quand même un chainon manquant. Je suis une lectrice acharnée, je pense que le fait d’apprendre à lire, enfant, a été la révélation et l’éblouissement de ma vie. Alors, il y a deux ans, j’ai eu envie de rajouter (encore) une nouvelle corde à mon arc et de créer un média littéraire. En a résulté Le Moins Qu’on Puisse Lire, mu par la volonté de “désinstitutionnaliser” la lecture, de la rendre plus accessible à chacun, moins intimidante. Ce site a pu voir le jour grâce à mon ancienne partenaire Anne Bezon, qui a décidé depuis de s’investir dans d’autres activités. Et il perdure et s’épanouit aujourd’hui, grâce à des chroniqueuses et chroniqueurs venus de tous horizons, professionnels à la base de la presse ou pas. Et c’est vrai qu’il y a beaucoup de femmes dans l’équipe mais au-delà de leur genre, vous y retrouvez des plumes (Amandine Gombault, Odile Lefranc, Marceline Bodier, Anne-Sophie Campagne, Patsy Monsoon, Géraldine Wiart, Pablo Flye, Marine Gradel, Guillaume Colombat et Camille Lefebvre), qui ont toutes ce goût de la littérature chevillé au corps et l’art de trouver les mots pour le partager.
Comment choisissez-vous les auteurs, autrices ou personnalités que vous mettez en avant ?
Nos maitres-mots, ce sont l’enthousiasme et l’éclectisme. Nous parlons uniquement de ce qu’on a aimé et pas ce qui nous a déplu. Dans une époque si portée sur la haine et la critique, d’autres s’en chargent et on ne voit pas vraiment le bénéfice qu’il y aurait à aller ajouter nos coups de genou dans la mêlée. Et ce qui s’est fait naturellement, sans que nous le préméditions, c’est que nous sommes sensibles, les un(e)s et les autres, à des types de productions littéraires très différentes. Donc ça nous permet, sans qu’on ait eu vraiment besoin de le calculer, de mettre en exergue une grande variété d’auteurs. Il nous tient à cœur également de ne pas nous limiter à ce que proposent les gros éditeurs et de nous intéresser à ce qui se fait dans les maisons d’édition indépendantes, parfois très modestes. Dans notre équipe, Marceline, que je surnomme la tête chercheuse, a justement ce tropisme et adore aller débusquer la pépite, l’écrivain ou l’écrivaine que personne ne connait encore mais qui va connaitre ensuite une très belle carrière?
Selon vous, quel rôle peut jouer un média littéraire dans une société saturée d’images et de contenus courts ?
Pour moi, c’est un refuge, un endroit où on peut à la fois s’exprimer et s’écouter, où l’on prend le temps, loin des injonctions d’instantanéité, d’échanger des idées et de dialoguer non seulement sur le contenu des livres en eux-mêmes, mais sur ce qui motive, déclenche et nourrit le processus d’écriture, sur la place de l’écrivain dans le monde et dans la société. Ça me parait précieux. Ça l’est pour les auteurs, parce qu’il n’y a pas tellement, si on n’est pas estampillé comme un “faiseur de best-sellers" d’espaces d’expression comparables par exemple aux entretiens au très long cours que l’on propose dans notre rubrique Rencontres littéraires. Ça l’est également pour les lectrices et lecteurs, qui peuvent y aller au contact des écrivains qu’ils apprécient, en découvrir de nouveaux, retrouver aussi -j’espère- ce qui est l’épicentre de nos chroniques et interviews, le plaisir de lire. En tant qu’autrice, je sais que l’écriture sauve de tout et que grâce à elle, l’entièreté du champ des possibles reste ouverte. Or, la lecture a aussi ce pouvoir salvateur, consolateur et galvanisant. C’est ce qu’on cherche à promouvoir et à transmettre avec ce média.
Comment le public a-t-il accueilli votre média, et quels retours vous ont particulièrement touchées ?
Nous sommes une structure émergente et on se développe petit à petit, avec nos armes et nos moyens. Mais ce qui me touche, c’est que les gens – et par gens, j’entends les lectrices et lecteurs mais aussi les auteurs, les acteurs du monde de l’édition et les personnalités que l’on rencontre soulignent qu’il y a chez LMQPL un accord entre fond et la forme, un contenu qualitatif et porté par l’enthousiasme et une esthétique pétillante et colorée. La preuve en est qu’à la genèse d’un média, vous avez la contrainte d’aller “chercher’ vos interlocuteurs. Là, après huit mois d’existence, Le Moins Qu’on Puisse Lire est déjà bien identifié et installé en tant que média littéraire. On nous a aussi beaucoup dit qu’une initiative telle que celle-ci était audacieuse voire inconsciente, à une époque où la lecture est comme une espèce animale en voie de disparition (rires)
Pouvez-vous nous partager une phrase, une citation ou un enseignement qui vous inspire ?
Parce que c’est cette démarche qui me guide, avec l’espoir de me coucher moins bête tous les soirs, je citerai Victor Hugo
et sa phrase “La curiosité est une gourmandise ; voir, c'est dévorer”
Femme politique française et cheffe d’entreprise, Djida Techtach a été élue maire de Villiers-le-Bel en septembre 2024. Son parcours est guidé par une volonté profonde de faire entendre toutes les voix, celles des jeunes, des femmes et des quartiers populaires. Elle s’attache également à offrir à ses administrés un cadre de vie digne, pensé dans une perspective de long terme.
Elle débute en politique comme adjointe à la Petite enfance, puis devient conseillère départementale du Val-d’Oise. La deuxième femme à occuper ce poste dans l’histoire de Villiers-le-Bel, incarne une approche de la politique ancrée dans le terrain, le lien social et la transformation concrète des territoires.
Ton parcours mêle entrepreneuriat et engagement politique. Comment ces deux mondes se nourrissent-ils l’un l’autre ?
Oui, tout à fait. Même si le monde de l’entrepreneuriat obéit souvent à des logiques de rentabilité et d’intérêt individuel, il m’a appris la rigueur, la réactivité et la recherche permanente de solutions. En politique, l’objectif est tout autre : il s’agit de servir l’intérêt général. J’essaie donc de prendre le meilleur des deux mondes : la détermination, la capacité à innover et à ne jamais baisser les bras. Quand on me dit que quelque chose est impossible, je redouble d’énergie pour y parvenir. Cette culture du défi, cette envie d’agir concrètement et d’embarquer les autres, c’est ce qui nourrit mon engagement public.
Tu as grandi dans une cité minière. En quoi cette origine a-t-elle influencé ta vision de la politique ?
Grandir dans un territoire ouvrier m’a appris la valeur du travail, la solidarité et la dignité. La politique, pour moi, c’est d’abord le moyen de défendre ces valeurs : la justice sociale, le droit au logement, la transition écologique, l’égalité des chances. J’ai vu de près ce que coûtait le manque de protection ou d’investissement dans certains secteurs, à mon père, à ma famille, à toute une génération. C’est ce qui m’anime : agir pour que plus personne ne subisse, mais que chacun puisse construire son avenir.
La place des femmes en politique reste un enjeu. Comment as-tu vécu ta propre ascension dans un milieu encore masculin ?
La parité institutionnelle a ouvert des portes, mais rien n’est jamais acquis. Être une femme en politique, c’est souvent devoir faire ses preuves deux fois plus. Il faut s’imposer, se battre, convaincre, parfois surmonter des résistances que les hommes ne rencontrent pas. Mais chaque victoire, chaque avancée est aussi un message d’espoir pour les jeunes filles et les femmes : rien n’est inaccessible. C’est aussi pour elles que je me bats.
Comment dialogue-tu avec les habitants de Villiers-le-Bel ? Quelle est ta méthode pour rester à l’écoute du terrain ?
En étant présente, tout simplement. Je crois profondément à la proximité et à la sincérité. Être sur le terrain, écouter, échanger, co-construire. Rien ne remplace le contact direct avec les habitants. J’aime ces moments où l’on parle sans filtre, avec le cœur. C’est ainsi qu’on comprend réellement les besoins, les attentes, les espoirs d’une ville.
Quelle est, selon toi, la réalisation dont tu es la plus fière pour ta ville ? Celle qui incarne le mieux ton engagement et ta vision ?
Il y en a plusieurs, dont la plus grande pour notre ville est la rénovation urbaine pour transformer notre ville, nos quartiers et mieux vivre mais certaines me tiennent particulièrement à cœur : la Maison des Femmes et la salle de sport Jemima Kabeya, lieux d’émancipation et de reconstruction. La refonte de la taxe foncière sur les propriétés bâties (TFPB), qui nous permet de renforcer la sécurité et la tranquillité résidentielle. Et le grand Forum de l’emploi, qui a proposé plus de 700 postes aux habitants.
À travers tout cela, il y a une même conviction : celle de l’égalité, qu’elle soit entre les sexes ou dans les chances offertes à chacun. C’est ce combat pour la liberté et l’émancipation qui guide mon mandat.
Peux-tu partager une phrase, une citation ou un enseignement qui t’inspire particulièrement ?
« Je ne suis pas de celles et ceux qui redoutent l’avenir. » Simone Veil
Cette phrase résume parfaitement ma manière de voir la vie et la politique : avancer avec courage, croire au progrès, et ne jamais renoncer à transformer la société.
Le parcours de Marina Pastor, comédienne et actrice, se caractérise par la diversité et la richesse de ses rôles, aussi bien au cinéma qu’à la télévision. Elle se fait remarquer dans Une semaine sur deux (et la moitié des vacances scolaires) d’Ivan Calbérac, et dans la série culte Bref, où elle incarne la mère de Kyan Khojandi. Plus récemment, elle a interprété le rôle de la mère d’Édouard Louis dans Combats et métamorphoses d’une femme, une œuvre poignante qui explore la transformation d’une femme confrontée aux violences liées à sa condition sociale.
En parallèle de sa carrière d’actrice, Marina Pastor est également scénariste et productrice.
Votre carrière est marquée par une grande diversité de rôles. Qu’est ce qui guide voix choix artistiques ?
Les choix artistiques pour une comédienne sont synonymes de rencontres, avec des auteurs, des metteurs en scènes, des univers différents.
Pour ma part, la rencontre la plus importante est celle que je tisse avec mon personnage, tout ce que je lui prête de moi, cet échange imaginaire qui ressemble à un acte d’amour. Dans ma vie personnelle j’ai souvent été en lutte contre des injustices sociales entre autres et cela a sans doute nourri ma vie artistique. Il y a quelques années maintenant, j’ai joué dans 2 spectacles de Bertold Brecht qui ont enrichi la comédienne que je suis aujourd’hui et cette phrase de l’auteur résonne encore en moi : “ Ceux qui luttent ne sont pas sûrs de gagner mais ceux qui ne luttent pas ont déjà perdu “
Dans Combats et métamorphoses d’une femme vous incarnez la mère d’Edouard Louis. Comment avez-vous abordé ce rôle si intime et politique ?
Merci Naima de coller ensemble les mots “intime” et “politique” ! Cela résonne particulièrement et c’est l’essentiel des œuvres théâtrales qui m’ont marquée.
J’ai adapté le roman d’Edouard Louis avec mon propre fils, Louis Pastor qui est lui aussi, sociologue/enseignant chercheur. Et cette création a été une aventure théâtrale et humaine très forte. J’ai donné vie et corps à Monique, femme au foyer, vivant dans une précarité absolue et dominée par les hommes. Ce qui m'a frappé chez elle, c'est sa vitalité, son appétit de vie, son humour. Elle porte en elle un désir d’émancipation que les drames et les contraintes de la vie n’altèrent jamais. C’est cette force intérieure que je voulais avant tout montrer. Elle résiste, elle lutte et alors démarre une nouvelle vie ailleurs, loin de sa condition. A plus de 50 ans, si ce n’est pas un message d’espoir pour toutes les femmes ça ?
Le rapport mère/fils intime que mon fils et moi avons livré au public à travers l’écriture d’Édouard Louis a constitué pour moi un grand vertige artistique.
Nous souhaitons d’ailleurs reprendre ce spectacle à Paris prochainement.
Comment nourrissez-vous votre créativité au quotidien ?
J’essaie d’être attentive aux changements de société, les voir et les comprendre m'intéresse davantage que perdre pied, en fait je déteste les “c’était mieux avant” !
Oui, le jeu des comédiens par exemple, a changé, on ne joue plus comme il y a 50 ans.
Les outils ont aussi beaucoup évolué : le web, l’IA… mais je ne me sens pas dépassée, enfin pour le moment ;). Le rapport à l'identité de genre, ce que signifie être une femme, un homme, entre les deux, etc. tout cela me passionne, je lis beaucoup de contenus sur ces sujets.
Sinon je vais beaucoup au cinéma et au théâtre. Je vis à Paris et c’est une chance.
J’adore la photographie et les expos photo, c’est toujours très inspirant ces instantanés de vie qui captivent, font rêver ou vous révoltent. Les livres aussi ouvrent le champ de l’imaginaire et des possibles. Cependant, j’ai un rapport un peu contrarié et cyclique à la lecture et je trouve toujours que je ne lis pas suffisamment.
Et puis, la poésie est partout, sur mon vélo, à la terrasse d’un café, dans le regard d’une amie.
Y a-t-il un rôle que vous rêvez d’interpréter ?
Beaucoup de rôles…Il y a quelques années, alors que je jouais dans une adaptation de Charles Dickens, mon fils m’a dit une très jolie chose : “Miss Havisham, elle attendait quelque part que tu lui donnes vie”. J’y repense souvent et je me dis qu’il y a un endroit ou des personnages attendent leur moment de lumière !
J’espère avoir une multitude de rendez-vous avec des héroïnes encore dans l’ombre.
D’autre part je ne sais pas si vous avez remarquez mais après 50 ans les comédiennes développent un super pouvoir, elles disparaissent des écrans !
Je fais partie de l’AAFA – Tunnel de la comédienne de 50 ans, un collectif qui combat les stéréotypes sexistes liés à l’âge des femmes. Pour nous, il s’agit d’un véritable enjeu de société : faire évoluer les regards et la représentation des femmes vieillissantes.
Vous êtes également scénariste et productrice. Qu’est-ce qui vous a donné envie de passer de l’interprétation à la création ?
Être choisie et imaginée pour une création c’est le désir profond de toute comédienne et j’ai eu cette chance, avec des auteurs contemporains et aussi de grands metteurs en scène.
Et puis certains compagnonnages artistiques ont pris fin de manière brutale pour moi, alors comme après une rupture amoureuse… il faut rebondir !
Écrire sa propre histoire, croire en son travail, le proposer, frapper aux bonnes portes, le partager et enfin le créer. Imaginer sur son canapé des situations, des personnages et quelques mois plus tard voir une équipe constituée et investie sur son projet est quelque chose d’un peu fou. C’est comme passer du rêve à la réalité ou de la réalité au rêve !
Il n’y a rien de plus exaltant malgré les immenses angoisses que cela génère de suivre un projet de bout en bout. Oui ta création artistique, c’est ton enfant et ça, ce n’est pas une légende !
Y a-t-il une phrase, une citation, ou un enseignement qui vous accompagne dans votre parcours et vous inspire profondément ?
On nous inflige
Des désirs qui nous affligent
On nous prend faut pas déconner dès qu'on est né
Pour des cons alors qu'on est
Des Foules sentimentales
Avec soif d'idéal
Attirées par les étoiles, les voiles
Que des choses pas commerciales
Foule sentimentale
Il faut voir comme on nous parle
Comme on nous parle
Alain Souchon, Foule Sentimentale, 1993
La revue de l'intime, entre photographies et littérature.
Edwarda est à la fois une revue et une maison d’édition , qui tisse un dialogue subtil entre photographie et littérature. Fondée par Sam Guelimi, Edwarda explore l’intime à travers la plume d’autrices et d’auteurs. Ils y expriment leur rapport au corps, au monde et à la vie.
Nourrie par une démarche féministe inclusive, ouverte à l’intersectionnalité et au dialogue au-delà des frontières de genre et d’identité, Edwarda embrasse ce vaste territoire qu’est la francophonie, à travers une expression libre et poétique.
Chaque numéro se présente comme une œuvre singulière, conçue avec une attention particulière portée à la mise en page, aux images et aux mots.
Comment est née l'idée de la revue et d'où vient le nom d'Edwarda ?
Sam Guelimi : Le nom « Edwarda » vient de Bataille, du personnage féminin dans le récit Madame Edwarda. Ce qu’Edwarda met en valeur dans l’œuvre immense de Bataille, c’est la notion de la dépense, une notion au centre de sa pensée de l’érotisme et de la transgression, de l’athéologie et de l’extase. S’opposant à l’économie de nos sociétés fondée sur l’utile, l’accumulation et la production, Bataille forge le concept de dépense, à savoir un mouvement de don, d’excès qui renverse les piliers de l’économie dominante. La dépense est liée au potlach, à ce qu’il appelle la « part maudite », à un érotisme convoitant le sacré. Madame Edwarda est une figure de l’excès.
Quels défis rencontrez-vous dans la création et la diffusion d'une revue indépendante ?
Sam Guelimi : Au-delà des défis budgétaires évidents, je dirais que ce qui semble le plus difficile, c'est d'abord la longévité, à laquelle je n'aurais jamais cru au départ. Mais c'est aussi le fait qu'Edwarda est une revue qui évolue, qui se réinvente constamment. C'est difficile à une époque où les gens voudraient quelque chose de toujours fixe, d’identifiable. Ce côté amphibien, cette capacité à se transformer d'un numéro à l'autre, est peut-être le plus difficile à faire entendre, notamment aux libraires qui ont besoin de catégories stables. Et puis il y a ce défi intime : je n'ai jamais la certitude, après un numéro, d'avoir envie de continuer. Je n'ai pas d'idées toutes prêtes. Chaque numéro semble être un peu tout ce qui me restait à dire. Le défi, c'est aussi d'accepter de ne pas savoir s'il y aura un après.
Comment naissent les collaborations au sein de la revue ?
Sam Guelimi : J'ai longtemps travaillé avec les mêmes auteurs. Il m'était très difficile de passer , ou même d'avoir envie de passer, les portes des maisons d'édition pour aller vers de nouveaux écrivains. Ces portes ne me décourageaient pas seulement, elles amenuisaient aussi mon désir d'aller vers l'autre. Au sein de mes amitiés, il y avait déjà tellement à faire.
Depuis ma reprise, j'ai eu une pause de quelques années après avoir perdu à terme une petite fille, puis après avoir eu la chance d'avoir un troisième enfant, ma nature a évolué. Peut-être est-ce arrivé avec la maternité, mais il m'est devenu plus facile d'aller vers l'autre. J'ai aussi fait l'expérience de l'instantanéité que propose Instagram et de l'accessibilité des auteurs.
Je travaille toujours autour d'un thème. Je n'ai jamais publié de texte écrit a priori, en dehors de la revue. Je dessine un thème, j’en dessine les contours et j'invite des autrices et des auteurs désireux de rencontrer la revue, auxquels je pense en raison de leurs affinités possibles avec ce thème. Souvent il s'agit d'anciens contributeurs, auxquels s'ajoutent désormais beaucoup de nouvelles plumes.
Pouvez-vous nous parler du dernier numéro, intitulé Le Nuancier ?
Sam Guelimi : Si vous voulez bien, je voudrais vous parler du Nuancier et d'Amazuz, puisqu'il s'agit de mes deux derniers numéros sortis quasiment en même temps et actuellement en librairie. Les deux sont liés.
Pour Le Nuancier, j'ai imaginé un nuancier pour apporter son lot de nuances. Edwarda a rassemblé des contributeurs qui ont chacun élu une couleur. Je me doutais qu'il y aurait beaucoup de rouge, mais je savais qu'on ne voit pas rouge de la même façon.
Pour vous donner une idée de la liberté, de la spontanéité, de la générosité qui peut exister autour d'un numéro, je narrerai cet événement. Alors que je bouclais celui-ci, je venais de terminer la lecture d’un livre de Pierre Trouiller. Lui écris et il me répond : "Êtes-vous Sam Guelimi ?" Affirmatif. Il me dit : "Il faut que je vous raconte combien la couverture d'un de vos numéros a changé ma vie. J'ai rencontré une femme que j'aime aujourd'hui, qui ressemblait étonnamment au modèle sur votre couverture." Aussitôt, j'ai répondu : "Ivresse ?" - car ce numéro a vraiment eu un fort impact. Il me dit : "Affirmatif." Je lui ai dit : "Écoutez, je boucle le numéro, mais si vous le voulez bien, vous pouvez m'écrire cette histoire qui vous lie à Edwarda." C'est devenu "Le rose Rebecca".
Pour Amazuz, il m'a fallu quinze ans. Quinze ans depuis la fondation d'Edwarda, et je n'avais jamais parlé de ma mère. Il m'a fallu beaucoup de temps, beaucoup de numéros, peut-être aussi une intimité nouvelle dans la création avec les auteurs, et évidemment un chemin accompli dans ma vie personnelle.
J'ai eu envie de dédier ce numéro à ma mère autour d'un mot berbère - le titre Amazuz - qui est le véritable mot au masculin de Tamazuzt que ma mère me disait, la petite dernière , le petit dernier. J'ai invité les écrivains à écrire au sujet de l'enfance. Dans l'édito, j'évoque la table de ma mère qui réunissait des personnes très différentes. Je me suis interrogée : quel était mon héritage ? Mon héritage, c'est celui-là ,cette générosité, cette curiosité, cette table offerte à qui veut partager une expérience.
Amazuz devient aussi une collection. Cette table, ce n'est pas seulement l'hospitalité, c'est une idée très forte chez Edwarda et qui sera le cœur de cette collection nouvelle : l'idée de pensée horizontale.
Quelles sont vos envies ou projets futurs pour la revue et la maison d'édition ?
Sam Guelimi : Pour la maison d'édition, la collection Amazuz alternera entre livres collectifs et livres solo. Après ce premier Amazuz collectif va paraître bientôt un livre de Véronique Bergen intitulé, Mémoire des lieux, qui est une prolongation de son texte écrit pour Amazuz, un récit intitulé, Les terres de l'enfance. Cette collection alternera toujours livre collectif et livre solo - comme si l'auteur invité, restait plus longtemps pour prolonger son texte.
Pour la revue, je travaille à un nouveau numéro qui me passionne. Il m'est venu lorsque je préparais les commandes d'Edwarda : les lecteurs ne sont peut-être pas fort nombreux, ne représentent pas un grand nombre qui permettrait d'avoir une revue rentable, mais la géographie et les liens étroits qui se dessinent grâce aux lecteurs et aux écrivains me touche beaucoup.
Pouvez-vous nous partager une phrase, une citation ou un enseignement qui vous inspire ?
Sam Guelimi : Je pense à cette phrase de James Baldwin qui était le point de départ du numéro Tenir le là ; “To be sensual, I think, is to respect and rejoice in the force of life, of life itself, and to be present in all that one does, from the effort of loving to the breaking of bread.”
Traduction : « Être sensuel, je crois, c’est respecter et se réjouir de la force de la vie, de la vie elle-même, et être pleinement présent dans tout ce que l’on fait , de l’effort d’aimer jusqu’au simple fait de rompre le pain ».
Lien utile : Edwarda
Une plume entre les rives
Autrice, professeure de lettres et formatrice d’enseignants, Hella Feki explore dans ses romans les marges de l’histoire, les voix oubliées et les destins féminins. Après avoir marqué les esprits avec Noces de jasmin, lauréat du festival du premier roman de Chambéry en 2020, elle revient en 2025 avec Une reine sans royaume, un roman historique qui redonne vie à Ranavalona III, dernière reine de Madagascar, exilée à Alger après la colonisation de son pays.
Dans ce nouveau récit, la romancière mêle fiction biographique et mémoire coloniale pour faire entendre la voix d’une souveraine déchue, entre mélancolie, dignité et renaissance. À travers le prisme de l’exil, elle interroge les silences de l’histoire, les amours contrariées et la puissance des femmes dans des mondes qui les marginalisent.
Qu’est-ce qui vous a donné envie d’écrire sur Ranavalona III, et dans quelles circonstances avez-vous découvert ce personnage ?
Je suis franco-tunisienne, d’un père tunisien et d’une mère française et j’ai grandi à Tunis jusqu’à mes 18 ans. Je suis ensuite venue m’installer en France où je suis devenue professeure de lettres et théâtre. J’ai eu la chance, grâce à mon métier d’aller enseigner quatre années à Madagascar, au lycée français de Tananarive. C’est un pays qui m’a profondément marquée, où j’ai écrit, d’ailleurs mon premier roman, Noces de jasmin. Cela fait quatre ans que je suis de retour en région parisienne, où j’enseigne.
Lors de mon séjour à Madagascar, je vivais en face du palais de la reine, situé sur la colline en face de ma maison. J’ai très vite nourri une fascination pour les reines de Madagascar, en particulier Ranavalona Première car elle avait repoussé les missionnaires chrétiens et les colons, consciente de ce que leur présence impliquait pour leur île, mais aussi Ranavalona III, en raison de son exil à Alger. J’ai visité le palais de Tananarive, le Rova Manjakamiadana, au sommet de la colline Analamanga, dominant la capitale.
Ce livre est né d’un hasard et d’une rencontre fortuite. De retour en région parisienne après ces quatre années de vie, j’avais décidé de passer quelques jours de vacances chez mes parents, dans le quartier de l’Ariana. Lors de ce retour, j’ai fait une visite de la Médina de Tunis avec des amis de Madagascar et un journaliste et écrivain reconnu en Tunisie, Hatem Bourial. C’est à ce moment-là qu’il m’a parlé d’un article qu’il avait écrit sur le séjour de la Reine Ranavalona III à Tunis. Il me l’a envoyé : y figurait une carte postale représentant la reine Ranavalona dans les champs de course de Ksar Saïd. A partir de ce moment-là, j’ai commencé à lire tout ce que je pouvais trouver sur elle, sans trouver aucune trace de son séjour à Tunis.
J’ai ensuite lu tout ce qui a trait à cette époque des Beys de Tunis, et c’est ainsi que j’ai découvert les personnages de Lella Beya Qmar et de la Princesse Nazli, puis de Myriam Harry. J’ai alors décidé de lire presque tous les récits de Myriam Harry, et c’est ainsi que j’ai eu la confirmation de la venue de Ranavalona III à Tunis. Myriam Harry et elle s’étaient rencontrées lors d’une gigantesque manifestation théâtrale dans l’amphithéâtre romain de Carthage. Une carte postale la représentant au milieu des ruines romains accompagnait le récit de Myriam Harry, avec une autre date, 1907.
J’avais un premier indice, une date, et c’est ainsi que j’ai commencé à fouiller dans la mémoire de mon pays, en allant dans les archives nationales de Tunisie, puis dans celles d’outre-mer à Aix-en-Provence. Il y avait quelques articles sur son séjour à Tunis, mais rien de très épais. C’est à ce moment-là que la fiction a pris le dessus et que j’ai imaginé ce qu’elle aurait pu vivre sur place.
Ranavalona III est une reine oubliée de l’Histoire, qui me touche par son visage si triste et en même temps sa grande notoriété à cette époque-là. Et surtout, j’avais quitté Madagascar et c’est elle qui me ramenait dans mon pays, la Tunisie.
Considérez-vous ce roman comme une forme de réparation mémorielle pour les femmes, souvent absentes de l’Histoire en général et de l’histoire coloniale en particulier ?
Oui, bien sûr, ce roman est une forme de réparation mémorielle pour les femmes. Elles ont souvent été invisibilisées. Qui a écrit l’histoire coloniale ? Les hommes qui ont colonisé les terres. A partir de là, les femmes illustres des colonies, qui ont joué un rôle majeur pour certains combats, sont peu connues.
Ainsi, dans mon roman, dans un journal fictif tenu à l’orée de sa mort en 1917, Ranavalona raconte sa rencontre avec des souveraines orientales : Lella Beya Qmar, une odalisque circassienne offerte par le sultan de l’empire de Constantinople au Bey de Tunis, la princesse égyptienne Nazli, qui a fondé les premiers salons de pensée féminin et Myriam Harry, première lauréate du prix Femina parce que refusée par le Goncourt (parce que femme…).
Lella Beya Qmar est une odalisque circassienne qui avait été offerte par le sultan de Constantinople au Bey. Elle est arrivée en terre étrangère alors qu’elle n’avait que quatorze ans et a fait partie du harem de Sadok Bey, un homme âgé. A sa mort, elle a épousé son frère Ali Bey, vieillard également, dont elle a subi l’union charnelle forcée. Au décès de ce dernier, elle a enfin contracté un mariage d’amour : Naceur Bey lui a fait d’ailleurs construire un palais, le fameux Ksar Essaada, à La Marsa.
En lisant sur ce personnage féminin, j’ai découvert la princesse égyptienne Nazli, qui a fondé les premiers salons littéraires de Tunis. Elle a vécu plusieurs années à Paris, puisqu’elle était l’épouse du grand ambassadeur Khalil Pacha, qui collectionnait les œuvres d’art et fréquentait Courbet et Ingres. Déjà érudite dans l’empire ottoman, ayant bénéficié d’une éducation élitiste et exigeante à Constantinople, elle a complété sa culture par la fréquentation des salons littéraires parisiens, qui lui ont inspiré ceux qu’elle a créés au Caire, après le décès de son époux. Par ses nombreux voyages en France, notamment pour les congrès d’Afrique du Nord, elle a rencontré le fils du grand Cheikh de la mosquée Ez-Zitouna, Khalil Bouhageb, alors politicien et membre de l’association démocratique de la Khaldounia.
Et c’est en lisant sur cette princesse que j’ai découvert son amitié avec Myriam Harry, écrivaine lauréate du prix Femina pour La Conquête de Jérusalem en 1904, grande journaliste installée à Tunis. C’est en me plongeant dans les œuvres de cette dernière sur Tunis, La Tunisie enchantée, Tunis la Blanche et Mon amie Lucie Delarue-Mardrus, que j’ai découvert sa rencontre avec la reine Ranavalona III lors de l’événement d’envergure organisé pour la réhabilitation de l’amphithéâtre romain de Carthage.
L’éloge des salons littéraires en Orient au vingtième siècle est donc un axe qui s’est imposé, et j’ai beaucoup lu sur tous ces personnages : des biographies, des articles, des ouvrages historiques. J’ai également lu les œuvres de Lucie Delarue-Mardrus, la grande dramaturge qui joue dans le spectacle pour la célébration de la réhabilitation des ruines de l’amphithéâtre romain de Carthage. J’aurais aimé donné une place plus importante à cette dernière, une grande féministe également, mais le roman ne s’y est pas prêté.
Quant à Ranavalona III, qui s’en souvient aujourd’hui en France ? Elle était pourtant célèbre dans les années 1900 et les foules l’attendaient partout sur les quais de Marseille, Paris, dans la finalité de voir la souveraine malgache. Elle faisait la Une des journaux ! Elle était invitée dans les hauts lieux : l’Opéra de Paris, l’Elysée, le Sénat, les grandes manifestations, partout, en France, y compris lors de ses voyages en province. Elle figurait également sur boîtes de Biscuit Lu. Marcel Proust l’évoque dans la Recherche du temps perdu, plus précisément dans A l’ombre des jeunes filles fleurs, comme une apparition mystérieuse sur laquelle tout le monde chuchote…
La Tunisie traverse aussi votre roman. Quel lien intime ou symbolique entretenez-vous avec votre pays d’origine ?
J’ai passé toute mon enfance à Tunis. Je suis franco-tunisienne, née de l’union d’une mère française et d’un père tunisien. Je garde les souvenirs d’une petite fille en permanence dehors, refusant de jouer à la poupée et à la dînette avec les voisines de la rue où je passais mes étés, à Sfax, chez mes grands-parents. Ma grand-mère ne comprenait pas que je préfère m’échapper avec mon frère et mes cousins. Moi, j’aimais monter sur les toits pour jouer au rami avec eux, jouer à Chat Perché dans la rue avec les autres petits garçons et faire du vélo. Avec du recul, je comprends ma grand-mère : elle avait été mariée à dix ans avec mon grand-père (qui avait alors 18 ans) et avait eu son premier enfant à treize ans. Elle n’avait connu que l’enfermement et les tâches ménagères. Pour elle, cela faisait partie du « devoir féminin » et mon attitude bouleversait les conventions et l’ordre patriarcal établi et accepté.
Chez mes parents, à Tunis, je jouissais d’une grande liberté de jeu : je montais dans les arbres, surtout dans mon grand caoutchouc où je dépliais des parapluies que je coinçais dans les branches pour me fabriquer des cabanes et des abris. Je ramassais également les cailloux du jardin, je les étiquetais « pierres précieuses ». Puis, je déplaçais une petite épicerie en bois que m’avait offerte mon père pour jouer, je plaçais les pierres dessus et je les vendais à la criée pour 10 millimes, ce qui faisaient rire tous les passants et les voisins. Lorsque je n’étais pas dehors, je passais aussi beaucoup de temps à lire, parfois dans mon caoutchouc, sous les parapluies.
Adolescente, je faisais du roller et je continuais à vouloir être dans la rue avec les garçons. Je crois que la liberté que j’avais, grâce à l’éducation de mes parents, mais aussi l’atmosphère du jeu dans les rue de Tunis, ont forgé mon caractère et mon esprit.
Le lien intime que j’entretiens avec la Tunisie, c’est cette enfance heureuse. C’est aussi le passage constant de la langue arabe à la langue française pour échanger tantôt avec mes cousins tantôt avec ma mère.
Le lien symbolique que j’entretiens avec la Tunisie, c’est aussi ce désir très profond de connaître davantage son Histoire, ses oublié(e)s, sa littérature, sa poésie, ses arts. J’ai très envie de reprendre la lecture en arabe. Cela me manque constamment. En quittant la terre de mon enfance à l’âge de dix huit ans, j’ai emporté avec moi la nostalgie de mon pays natal, peut-être par mimétisme puisque ma mère, elle, inconsciemment, nous a élevés avec sa propre nostalgie, celle de sa région d’origine…
Quelle place l’écriture occupe-t-elle dans votre vie, et quel rôle joue-t-elle dans votre rapport au monde ?
L’écriture occupe une place centrale dans ma vie, tout comme la littérature, et depuis toujours. J’ai toujours beaucoup lu, depuis l’enfance. J’écrivais beaucoup de comptines, dès que j’ai su écrire. Je fabriquais aussi des petits journaux avec mon frère lorsque nous étions petits. J’écrivais les histoires, les blagues, j’inventais des « pages de jeux », et mon frère tapait et mettait en forme le tout à l’ordinateur. A l’adolescence, j’ai tenu un journal intime. Puis, adulte, j’ai noirci des carnets de voyage lors de mes voyages avant de me décider à écrire des romans.
L’écriture joue un rôle fondamental dans mon rapport au monde, parce que la naissance de mes romans me font découvrir des univers inattendus, méconnus. En même temps que j’écris, j’explore le temps, des univers, des paysages, des auteurs que je relis ou découvre. Ecrire me permet d’être là où les lignes me conduisent, tout en restant dans l’espace intime où je compose. Une fois les romans publiés, ceux-ci me permettent des rencontres avec des lecteurs, d’autres auteurs, des contrées et des pays dans lesquels je suis invitée. C’est vertigineux. Et merveilleux.
Quels sont vos projets littéraires après Une reine sans royaume ?
Quand un roman sort, j’ai besoin de temps car son histoire continue de m’accompagner encore longtemps. Je ne sais pas encore quel sera mon prochain livre, mais les projets littéraires se poursuivront, nombreux je l’espère. Je pense que la Tunisie continuera d’habiter mes romans d’une manière ou d’une autre.
Y a-t-il une phrase, une citation ou un enseignement qui vous accompagne dans votre parcours et vous inspire profondément ?
Un enseignement ? Sans doute les apologues que constituent la poésie arabe. J’en lis beaucoup. Une phrase ou une citation ? Peut-être celle-ci dans Mémoires d’Hadrien de Marguerite Yourcenar, qui est l’un de mes romans préférés : « Comme tout le monde, je n’ai à mon service que trois moyens d’évaluer l’existence humaine : l’étude de soi, la plus difficile et la plus dangereuse, mais aussi la plus féconde des méthodes ; l’observation des hommes, qui s’arrangent le plus souvent pour nous cacher leurs secrets ou pour nous faire croire qu’ils en ont ; les livres, avec les erreurs particulières de perspective qui naissent entre les lignes. »
Médecin pédiatre, analyste gastronomique, autrice et fondatrice de l’association Les Petits Soleils, Noha Baz porte en elle mille sourires. Après des études de médecine à Paris, elle retourne au Liban en pleine guerre civile, où elle exerce dans des conditions extrêmes.
Cette expérience forge son engagement, en 1997, elle crée Les Petits Soleils, une association qui offre des soins gratuits aux enfants défavorisés du Liban. Diplômée des hautes études du goût, elle devient analyste gastronomique et autrice de livres qui célèbrent les traditions culinaires levantines, porteuses d’histoire et de tendresse.
Son écriture est un acte de transmission, ses recettes des récits, ses engagements des ponts entre les générations. Noha Baz est une passeuse d’héritage, une femme qui relie soin, saveur et solidarité.
Tu es médecin pédiatre et analyste gastronomique. Comment ces deux vocations se rencontrent-elles dans ton parcours ?
On me pose très souvent la question. Le lien entre les deux est tout simplement Hippocrate ! Puisqu’il préconise dans ses écrits « que ta nourriture soit ta première médecine... »
C’est quelque chose que j’applique tous les jours depuis toujours en choisissant avec soin ce que je mets dans mon assiette. Je privilégie les produits frais et de saison. Une philosophie personnelle qui date de bien avant mon cursus des Hautes études du goût et de la gastronomie à Reims. En cuisine j’ai toujours cherché à alléger les recettes traditionnelles, en diminuant par exemple le gras, le sucre et le sel et en mettant les produits en vedette, les légumes en particulier. Sans bons produits, il n’y a pas de bonne cuisine. Pour une simple compote, par exemple, si vous choisissez des fruits non traités et de saison, vous avez déjà un splendide dessert.
Pendant mes consultations, le temps consacré à prodiguer des conseils pour bien nourrir les enfants au fil de leur croissance et répondre à leurs besoins en cas de pathologie, est pour moi primordial. Cela me paraît essentiel de savoir transmettre les codes d’une nourriture saine aux parents, ainsi ils pourront les transmettre à leur tour à leurs enfants. C’est parier sur un avenir sain et gourmand. Expliquer à un enfant comment bien choisir ce qu’il met dans son assiette, c’est lui offrir une clé de bien-être pour la vie et le préserver des dangers de la nourriture industrielle. C’est le protéger autant que faire se peut de l’obésité, base de nombreuses de pathologies.
Les adolescents me contactent souvent eux-mêmes sur les réseaux pour me poser des questions concernant leur régime alimentaire. Je pense qu’être médecin, ce n’est pas uniquement prescrire des médicaments, mais donner également des conseils de bien être de vie et donc aussi d’alimentation.
Qu’est-ce qui t’a poussée à créer l’association Les Petits Soleils ?
C’est un incident survenu pendant mes années d’internat à Beyrouth. J’étais de garde et j’avais accueilli aux urgences un petit Karim âgé de sept ans qui était atteint de méningite. La guerre civile battait son plein au Liban et le petit venait de la région du sud. Il appartenait à une famille particulièrement démunie et son grand-père l’avait porté sur son dos pour l’amener à la ville avec l’espoir qu’il soit mieux soigné et sauvé. Mais, il avait traversé plusieurs barrages de milices armées, beaucoup d’obstacles pour être en fin de compte refusé, par manque de moyens, à l’admission du CHU dans lequel j’effectuais mon apprentissage.
A l’époque, j’étais étudiante, mes parents vivaient à Paris ; je n’arrivais pas à les contacter parce que les relations téléphoniques étaient aléatoires, à cause des bombardements et je n’avais pas de quoi payer moi-même la caution que l’établissement hospitalier réclamait, trois mille dollars, une fortune pour la famille du petit. Le voir agoniser dans la salle d’urgence et puis apprendre ensuite qu’il était décédé quelques heures plus tard m’avait mis dans une rage folle !
J’avais entamé mes études de médecine avec un idéal celui d’offrir soins et réconfort du mieux possible. Et je n’imaginais pas l’inégalité des soins faite à cause du manque de moyens. J’ai vite compris qu’il y avait, en tous cas, au Moyen Orient une médecine à deux vitesses et que la couverture de santé n’était absolument pas à la portée de tout le monde. Je m’étais jurée ce jour-là qu’une fois diplômée, jamais je ne permettrais que cette horreur se reproduise.
C’est pour cela que 30 ans plus tard, aujourd’hui, nous continuons à prendre en charge avec toute l’équipe Des petits soleils, des enfants à qui, il faut assurer des soins de santé en urgence et de façon chronique en couvrant chirurgies et examens médicaux, en offrant prothèses, suivis et traitements.
L’équipe est composée de médecins, de paramédicaux et de thérapeutes ainsi que de remarquables personnes de bonne volonté qui ne sont pas dans le domaine médical mais qui sont très efficaces. La terrible crise économique, qui s’est abattue sur le Liban, en 2019 et en 2020, à la suite de l’explosion du port de Beyrouth, fait que pour beaucoup de familles, l’accès aux soins est devenu impossible. Les hôpitaux de l’État, aujourd’hui sont en train de se remettre petit à petit en route, mais il va falloir des années avant qu’ils ne puissent assurer à nouveau des soins de qualité, sans compter que beaucoup d’hôpitaux dans le sud-Liban ont été totalement détruits par les bombardements qui continuent jusqu’à présent. Assurer les soins à des enfants aux quatre coins du pays est devenu une aventure quotidienne,
Notre fierté absolue est de n’avoir jamais demandé un sou à l’état libanais. Cette aventure, je la raconte dans « Il n’y a pas de Honte à préférer le bonheur » (2019) dont Olivia de Lamberterie avait eu la gentillesse de faire la préface. Ce livre avait vu le jour, à la demande des éditions Alisio / Albin Michel. Plusieurs autres ouvrages ont suivi dont à chaque fois tous les droits ont été reversés à l’association.
Tu as grandi entre plusieurs cultures. Comment cela influence-t-il ton rapport au goût et à la transmission ?
Oui, absolument, j’ai grandi entre la culture levantine et suisse, le pays de ma mère. Nous parlions français à la maison, mais nous étions entourés de dialectes arabes et à notre table se mélangeaient saveurs alépines, libanaises, suisses et européennes. C’est une véritable richesse que d’être immergée dans une double culture. Chaque jour, je commence ma journée par un café cardamome comme à Beyrouth et je mélange tout au long de la journée les saveurs des deux pôles dans un même plat. Des spaghettis au Zaatar sont un classique du dîner à la maison par exemple. Un Hoummos à la betterave accompagne une volaille préparée à la française, je m’amuse beaucoup à croiser les goûts et à transmettre ceux du Levant.
Le fil conducteur de tous mes livres est voué à la transmission, j’anime à longueur d’année des ateliers et des rencontres autour de l’éducation du goût.
Quel plat de ton enfance t’évoque le plus de souvenirs ?
Le Kebbé ! Lorsque j’étais enfant, nous avions un jour par semaine, consacré à la confection du kebbé à la maison. Sa composition variait au fil des saisons. Dans mon ouvrage, la Nuit de la pistache, dont j’ai repris les droits et que je réimprime aujourd’hui à ma façon, j’ai décrit ce souvenir incroyable : celui d’avoir appris à lire en écoutant le bruit du pilon qui battait le kebbé dans le jurn en marbre.
Je suis née à Alep et après les remous politiques en Syrie dans les années soixante nous n’allions pas à l’école. D’adorables pères jésuites se relayaient à la maison pour nous apprendre à lire à écrire dans la langue de Molière (mon père était l’ingénieur conseil de la congrégation et nous bénéficions de ce privilège grâce à lui).
J’adore le kebbé sous toutes ses formes, et je continue à le confectionner moi-même aujourd’hui. Tout y est bonheur ! Le choix de la viande, du mélange d’épices, de la garniture et les saveurs pour l’accompagner au fil des saisons.
Pour ce qui est de la cuisine européenne, ce qui m’a toujours fascinée, la confection du soufflé. Ma mère en faisait un au fromage absolument divin, avec une technique bien à elle. Enfant, je me souviens de moments fabuleux pendant lesquels, je guettais devant la vitre du four ce nuage aérien, qui montait au rythme de la chaleur, une merveille !
Tu as fondé le prix Ziryâb. Quelle est sa vocation ?
Le prix littéraire Ziryâb, que j’ai fondé en 2014 est destiné à récompenser chaque année un ouvrage francophone qui raconte une belle histoire de transmission ou de tradition gastronomique et culinaire. La cuisine est culture ! Une assiette raconte tellement de l’histoire d’un pays
En 2014, nous avions encore au Liban un Salon Du Livre francophone (qui a repris timidement depuis trois ans) et j’avais été alors invitée à animer une table ronde gastronomique. Au détours de cette table ronde, j’ai eu l’idée de ce prix. Nous étions début novembre, période traditionnelle des prix littéraires, et je m’étais dit que la littérature gastronomique méritait largement d’être plébiscitée par un prix ! Je l’ai voulu comme un petit pont culturel entre l’orient d’où je viens et l’occident qui fait tellement partie de moi aussi.
J’ai donc tout de suite composé un jury avec la complicité de Salah Stetie immense écrivain et diplomate libanais que j’aimais énormément. Il était homme de goût avec une grande élégance d’esprit et d’écriture. Très gourmand, il parlait très joliment des nourritures terrestres et nous offrait de très belles poésies à chaque réunion. Jack Lang avait lui également, tout de suite accepté de suivre l’aventure. Nous étions six dans le jury de départ. Nous sommes 15 aujourd’hui !
Le prix est à sa 11ème édition et c’est toujours aussi passionnant de découvrir de nouveaux ouvrages.
Notre jury est composé de personnes d’horizons très différents. Il change régulièrement avec cinq personnes permanentes qui en sont le socle et des personnes invitées pour un an (maximum deux ans). Il faut fournir un véritable travail de lecture et avoir un vrai intérêt pour la littérature gastronomique, nous avons trois réunions annuelles autour d’un déjeuner, La cohésion du jury est très importante même si nous avons chacun notre avis. L’harmonie est essentielle
Y a-t-il une œuvre, une citation ou une figure artistique qui t’accompagne dans ton travail ?
Il y en a tellement. Dans la littérature française, Colette George Sand et Albert Camus sont mes idoles, Marguerite Yourcenar reste une sublime inspiration et Hervé Le Tellier dont je trouve les écrits particulièrement savoureux puisque l’on y retrouve souvent la cuisine entre les lignes, Proust bien sûr mais également Brillat Savarin et Antonin Carême.
Dans la littérature arabe Naguib Mahfouz et Mahmoud Darwich, Sâadi et Omar Khayyam.
Il y a une citation en particulier que j’aime beaucoup chez Mahmoud Darwish. Je l’avais choisie pour introduire « Goûts du Liban » dans laquelle il dit que « La terre se transmet comme une langue ». J’y pense à chaque fois que je confectionne un plat ou que je raconte l’histoire d’un plat, à mes petits-enfants.
Transmettre les traditions de la table d’un pays, c’est transmettre sa terre, son terroir, ses goûts et ses saisons.
Dans les trésors des archives de ma maison natale à Alep (devenue centre culturel aujourd’hui), j’avais découvert un livre tiré du premier manuscrit connu en cuisine, écrit par Ibn el Adim, auteur du 13 siècle qui avait vécu à Alep. Le titre, Kitāb al-Wuṣla ilā al-Ḥabīb, évoque l’être aimé, et portait déjà en lui, tout un programme. L’ouvrage contenait beaucoup de recettes anciennes parfois décrites en une seule ligne. Il mêlait littérature, culture, et cuisine, de façon très fine avec un regard très juste et élégant sur les plaisirs de la table.
Il m’arrive d’y puiser des inspirations et de croiser les récits des recettes avec les ingrédients d’aujourd’hui. Et puis bien sûr, je ne peux oublier de citer, la cuisine de Ziryab de Farouk Maryam Bey dans la collection Sindbad et plusieurs autres livres de la même collection chez Actes Sud
Bochra Fourti, à travers son podcast Heya, a donné naissance à un véritable espace de parole, de mémoire et de transmission. En tendant son micro à des femmes arabes et amazighes, militantes, artistes, scientifiques, mères, elle nous offre leurs parcours, leurs luttes, leurs rêves et leurs espoirs. Pensé d’abord comme un cadeau destiné à sa fille, Heya est devenu un projet collectif, féministe et profondément inclusif. Chaque épisode est une invitation à écouter autrement, à déconstruire les clichés, et à célébrer la richesse des identités plurielles.
Aujourd’hui, Heya s’est étendu en une maison d’édition indépendante, avec une collection jeunesse qui transmet ces récits aux nouvelles générations, parce que chaque enfant mérite des héroïnes qui lui ressemblent.
Comment est né ton podcast Heya et quels ont été ses premiers pas ?
Heya est né pendant le Covid, à un moment où je me posais beaucoup de questions : sur mon identité, bien sûr, mais surtout sur ce que j’allais transmettre à ma fille. Je voulais qu’elle grandisse avec des récits dans lesquels elle puisse se reconnaître, avec des modèles féminins arabes et amazighs qui lui montrent que ses origines sont une force.
Au départ, je pensais enregistrer trois ou quatre épisodes, sans imaginer que cela irait plus loin. Mais très vite, les retours des auditrices m’ont bouleversée : des messages de femmes qui se reconnaissaient dans ces récits, qui partageaient à leur tour leurs histoires. Le nombre d’écoutes a grandi rapidement, et j’ai compris que Heya répondait à un besoin bien plus large que le mien. C’est ainsi qu’il est devenu, petit à petit, un espace collectif de transmission et de sororité.
Quelles voix ou récits t'a le plus bouleversée depuis le lancement du podcast ?
Toutes les voix m’ont marquée, chacune à sa manière. Mais certaines histoires m’ont particulièrement bouleversée. Je pense à Rima Hassan, née dans un camp de réfugiés palestiniens en Syrie, dont j’ignorais complètement l’histoire parce qu’elle était très peu médiatisée à l’époque. Son récit m’a ouvert les yeux sur des réalités invisibles, sur la transmission de l’exil à travers les générations.
Je pense aussi à Djihene, devenue championne de MMA à l’âge de 33 ans après seulement un an et demi de pratique et alors que quelques années auparavant elle était reconnue comme «travailleuse handicapée». Quand elle est revenue sur son parcours, elle a elle-même réalisé l’ampleur de ce qu’elle avait accompli, et ce moment de prise de conscience était extrêmement fort à entendre.
Et puis il y a l’histoire de Soraya, une maman au foyer qui, à plus de 40 ans, a pris la décision de divorcer pour enfin réaliser son rêve : devenir cheffe de cuisine. Son courage, sa réinvention, m’ont profondément inspirée.
Et je pourrais t’en citer encore des dizaines… Le mieux, c’est d’aller les écouter 🙂
Pourquoi as-tu choisi de créer une maison d’édition en complément du podcast ?
Au départ, le podcast était pensé pour ma fille. Très vite, j’ai voulu créer aussi quelque chose qui lui parle dès maintenant, parce que planter la graine tôt est essentiel. Le livre s’est imposé comme une évidence : un objet qu’on garde, qu’on relit, qui nourrit l’imaginaire des enfants.
Mon intention n’a jamais été de devenir éditrice. D’ailleurs, une maison d’édition m’a d’abord approchée pour adapter le podcast. J’ai proposé à la place une collection jeunesse, et nous avons commencé à travailler ensemble. Malheureusement, cette maison a fermé ses portes après quelques mois.
J’ai alors contacté d’autres éditeurs. Les derniers échanges ont été un vrai déclic : on me disait “On aime beaucoup ton projet, on est prêt à l’éditer… mais à condition d’enlever le mot arabe du titre, ou de remplacer l’arabe par l’anglais.” À ce moment-là, j’ai compris que ces livres devaient exister exactement tels que je les avais pensés.
C’est ainsi qu’est née Heya Stories, une maison d’édition qui donne vie à une collection jeunesse célébrant les femmes arabes et amazighes. Le premier livre est consacré à Tawhida Ben Cheikh, première femme médecin du monde arabe. Parce que nos enfants méritent des récits qui valorisent leurs racines et leur montrent qu’ils peuvent accomplir tout ce dont ils rêvent.
Comment sélectionnes-tu les femmes que tu mets en lumière dans tes épisodes ou tes ouvrages ?
Je n’ai pas de grille. Je fonctionne beaucoup à l’instinct. Au départ, Il s’agissait de femmes de mon entourage ou des personnes dont la voix résonnait avec mes propres questionnements.
Je tiens aussi à montrer une vraie diversité : des âges, des origines, des domaines très différents. Une militante, une artiste, une sportive, une mère au foyer… toutes ont quelque chose à transmettre. Ce que je cherche, ce n’est pas la perfection, mais l’authenticité. Une histoire qui parle, qui inspire, et dans laquelle d’autres peuvent se reconnaître.
Et puis il y a une question signature de Heya : qu’est-ce que la réussite pour toi ? J’adore poser cette question parce qu’elle montre à quel point il n’existe pas une seule définition. Réussir, ça peut être obtenir un diplôme, devenir championne, mais ça peut aussi être divorcer à 40 ans pour réaliser un rêve ou encore trouver sa liberté intérieure. Pour moi, c’est essentiel de donner à entendre ces trajectoires très différentes, parce que c’est ça qui fait la richesse de nos récits.
Pour les livres jeunesse, la logique est la même : aller chercher des figures parfois oubliées, pour leur redonner la place qu’elles méritent et offrir aux enfants des modèles auxquels s’identifier.
Quel rôle jouent les langues arabe, amazighe et française dans ton travail de transmission ?
Les langues sont au cœur de ce que je fais. Le français est la langue principale du podcast, parce que c’est celle qui permet de toucher le plus grand nombre. Mais l’arabe a une place essentielle dans ma démarche : c’est ma langue maternelle, celle de mes parents, de mon histoire, de mes racines. Elle porte une mémoire et une charge affective très forte.
Je tiens aussi beaucoup aux dialectes. Ce sont les langues de l’intime, celles des émotions, de la maison, de la transmission familiale. Même si elles ne sont pas parlées dans les épisodes, elles habitent le projet.
C’est pour ça que tous les livres jeunesse sont accompagnés d’une version audio (tunisien, marocain, algérien, palestinien) accessible via un QR code. Les enfants peuvent ainsi écouter les histoires dans différents dialectes. C’était important pour moi de donner une vraie place à cette oralité, à ces langues qui portent nos souvenirs et notre imaginaire collectif.
Faire dialoguer le français, l’arabe, les dialectes, c’est montrer que nos identités sont plurielles et qu’elles s’enrichissent mutuellement.
Peux-tu nous partager une phrase, une citation ou un enseignement qui t'inspire ?
Il y a une phrase qui résume parfaitement ce que j’essaie de faire avec Heya : « Raconter, c’est résister ».
Chaque fois qu’une femme partage son histoire, elle résiste à l’oubli, aux stéréotypes, aux récits imposés. Et c’est cette conviction qui me guide, que ce soit dans le podcast ou dans les livres.
Et puis, à titre plus personnel, je garde toujours en tête l’idée qu’une histoire entendue ou lue dans l’enfance peut changer toute une trajectoire. C’est ce qui me motive à planter ces graines tôt, pour ma fille et pour toutes celles et ceux qui liront ou écouteront Heya Stories.
Lien pour encourager la maison d'édition https://www.heyastories.com/
Leïla Aoujdad a fondé l’association Femmes et Diversité, un projet né de son engagement pour la reconnaissance des identités plurielles et la lutte contre les stéréotypes. Elle est directrice d'Aleph Conseils, un cabinet spécialisé en RSE et expert en empowerment féminin. Elle anime également un bookclub, où elle donne la parole à des auteures qui explorent, à travers l’écriture, les enjeux liés aux expériences féminines.
Son travail interroge les représentations, célèbre les parcours de résilience, et crée des espaces de transmission et de sororité. Leïla tente de construire des ponts entre les cultures, les générations et les récits. Elle a notamment réalisé le documentaire Les Tisseuses, qui explore les enjeux de corps, de droits et de mémoire.
Comment est née l’idée de créer Femmes et Diversité et quel a été le déclic personnel derrière ce projet ?
L’idée est née de mon vécu et de mes rencontres. J’ai souvent constaté que la parole des femmes issues de la diversité, malgré leur richesse et leur force, restait en marge du récit collectif. Le déclic a été le désir profond de créer un espace où elles puissent être visibles, audibles et reconnues, non pas comme des exceptions mais comme des actrices essentielles de notre société.
Femmes et Diversité est née de cette conviction : que nos histoires individuelles ont une puissance universelle lorsqu’elles sont partagées.
Ton documentaire Les Tisseuses aborde des sujets sensibles, comment as-tu choisi les femmes à mettre en lumière ?
J’ai choisi des femmes qui, chacune à leur manière, portent une lumière dans leur quotidien. Des femmes ordinaires, mais qui révèlent une force extraordinaire lorsqu’elles racontent leurs parcours. J’ai voulu montrer la diversité des trajectoires, des origines, des luttes et des rêves, afin que chacun.e puisse s’y reconnaître, s’y inspirer, ou simplement se laisser toucher par leur humanité. Je crois à la force de l'image et des récits pour changer le regard, c'est donc dans cette optique que je me suis lancée dans cette aventure cinématographique !
Le bookclub est très actif, pourquoi avoir choisi la littérature comme vecteur de transmission ?
Parce que la littérature est un miroir mais aussi une fenêtre. Elle permet à la fois de se reconnaître et de découvrir d’autres mondes. Elle offre un espace de réflexion, de dialogue, parfois de réparation. Choisir la littérature dans toute sa diversité (poésie, conte, roman, etc.), c’était choisir un langage universel, capable de relier des personnes très différentes autour d’une même émotion ou d’une même idée.
Quels obstacles as-tu rencontrés en tant que femme réalisatrice et fondatrice d’association ?
Comme beaucoup de femmes, j’ai dû affronter le doute des autres, mais aussi parfois le mien. Le manque de moyens, la difficulté de se faire une place dans des milieux encore très fermés, et l’équilibre entre vie personnelle et engagement ont été des défis constants. Mais chaque obstacle a renforcé ma détermination et m’a rappelé pourquoi il était essentiel de continuer.
Si tu pouvais adresser un message à toutes les jeunes filles qui doutent d’elles-mêmes, que leur dirais-tu ?
Je leur dirais : ton doute est normal, mais ne le laisse pas te paralyser. Comme dirait une jeune fille dans mon fil "N'écoute pas ceux qui te condamne à l'échec" Derrière chaque peur se cache une force en devenir. Tu es bien plus puissante que tu ne l’imagines, et chaque pas que tu oses faire, même petit, est déjà une victoire. Crois en ton intuition, elle sait où t’emmener et elle te fera rencontrer les meilleures personnes pour t'accompagner.
Peux-tu partager une phrase, une citation ou un enseignement qui t’inspire particulièrement ?
Une phrase que je garde toujours en tête : « Ce que tu fais pour toi-même disparaît avec toi, ce que tu fais pour les autres reste et devient immortel. » C’est un rappel que notre véritable héritage réside dans ce que nous transmettons.
Liens utiles
"Le pouvoir d'agir des femmes par l'image et les récits inspirants"
Femmes & Diversité - Leila Aoujdad - YouTube
Un film documentaire
Les Tisseuses - bande annonce - YouTube
Médias
Leila Aoujdad – Femmes des territoires
Pour nous soutenir
Après une carrière brillante dans le secteur bancaire, Salima Guerziz décide de tout plaquer pour suivre la voie qui l’appelle depuis l’enfance : la scène. Avec une audace rare, cette maman de trois enfants transforme son rêve en réalité et impose son style, entre énergie contagieuse et présence scénique magnétique. Précurseure du stand-up à Grenoble, Salima fonde le QG Comedy Grenoble, premier lieu entièrement dédié au Stand Up dans la capitale des Alpes. Ce carrefour artistique accueille des talents venus de toute la France et devient rapidement une référence dans le milieu du stand-up.
Sur scène, Salima Guerziz s’illustre aux côtés des plus grands : Waly Dia, Djamil Le Shlag, Sellig, Patson. Sa personnalité authentique, son charisme et son humour percutant séduisent un public toujours plus large. Invitée au Festival Arabesque, événement culturel phare célébrant les talents issus des cultures arabes et méditerranéennes, elle y partage l’affiche avec le Comte de Bouderbala & Friends, marquant encore un peu plus son empreinte dans le milieu.
Mais c’est surtout sur les planches du mythique Théâtre Le République à Paris, où elle présente régulièrement son spectacle, que Salima affirme définitivement sa place dans le paysage humoristique français. Aujourd’hui, Salima Guerziz est plus qu’une humoriste : elle est une pionnière, une créatrice d’espace artistique et une voix incontournable du stand-up français.
Tu as quitté le monde de la banque pour monter sur scène. Qu’est-ce qui t’a poussée à faire ce grand saut ?
J’ai longtemps travaillé dans le secteur bancaire, un milieu qui faisait la fierté de mon père. Mais, au fond de moi, je savais que je n’étais pas à ma place. Ce métier ne correspondait ni à mes valeurs ni à ma personnalité, et malgré les différents postes occupés, je n’ai jamais réussi à m’y épanouir.
En 2021, lorsque je suis tombée malade, j’ai eu un déclic : la vie est trop précieuse pour ne pas faire ce qu’on aime vraiment. Monter sur scène, au départ, était une passion, un moment de partage et même une forme de thérapie. Aujourd’hui, c’est devenu une évidence : j’espère en faire mon métier et vivre pleinement de ce qui me fait vibrer.
Comment s’est passée ta toute première expérience sur scène ? Tu t’en souviens encore ?
Ma toute première expérience sur scène remonte à juin 2019, lors de la représentation de fin d’année de mon cours de théâtre. J’y jouais Fatiha, ma mère, en la caricaturant, devant mes amis et ma famille. Je me souviens du stress intense avant de monter sur scène mais aussi de cette sensation étrange de déjà-vu, comme si cet univers m’était familier. Et puis, le moment est arrivé : je me suis avancée, j’ai croisé le regard du public et, à cet instant précis, j’ai su. La scène, c’était chez moi. J’avais enfin trouvé ma place, j’étais libre.
Tu es la fondatrice du QG Comedy Grenoble. Comment est né ce projet et quelle est sa mission ?
Avant de fonder le QG Comedy Club, je faisais sans cesse des allers-retours à Paris pour jouer quelques minutes sur scène, car à Grenoble il n’y avait nulle part où se produire. En juin 2021, tout bascule : je tombe malade d’une polyarthrite rhumatoïde déformante. Je n’arrive plus à marcher correctement, je suis épuisée et mes articulations me brûlent au point de m’empêcher de faire les gestes du quotidien. Les traitements lourds et leurs effets secondaires m’obligent à stopper mes allers-retours à Paris. Un jour, alors que je me rends chez Michel Musique pour acheter des partitions, je découvre une petite scène atypique au centre de la boutique. C’est le coup de cœur immédiat. Avec mon mari, nous rencontrons le propriétaire du lieu qui adhère tout de suite à notre projet et nous ouvre ses portes. C’est ainsi qu’est né le QG Comedy Club : un lieu unique à Grenoble où je n’avais plus besoin de partir loin pour jouer, créer et improviser. Sans le savoir, j’y écrivais déjà mon spectacle. Le QG a très vite été adopté par les Grenoblois, pour mon plus grand bonheur. Car avant tout, mon objectif est simple : faire du bien aux personnes qui viennent nous voir, grâce à l’humour et au partage.
Qu’est-ce qui t’inspire dans l’écriture de tes sketchs ? Des anecdotes personnelles, l’actualité, ton quotidien ?
Monter sur scène, pour moi, c’est bien plus qu’un métier : c’est une véritable thérapie. Dans ma vie, j’ai traversé des épreuves très dures et, sans l’humour pour dédramatiser, je ne sais pas comment j’aurais tenu. J’aime rire de mes galères, les transformer en sketchs et en moments de partage. Ma vie m’inspire toujours : mes expériences de femme, de maman, de malade… Tout devient matière à raconter et à faire rire. J’aime aussi dénoncer dans mes sketchs, car je crois que la scène est un espace de liberté où l’on peut faire réfléchir et prendre du recul sur des situations d’injustice, qu’il s’agisse du voile en France, du racisme ou d’autres sujets qui me tiennent à cœur.
Et puis je me dis souvent, le jour où je n’aurai plus d’inspiration, c’est que je n’aurai plus rien à raconter. Et là, ce serait vraiment triste, est-ce que ça voudra dire que je ne vois plus les choses de la même façon, que je suis devenue vieille et aigrie (lol) ?
Quel est le plus beau retour que tu aies reçu d’un spectateur ou d’une spectatrice ?
« Je voulais vous dire merci. Merci pour ce moment de rire, de joie et d’émotion qui m’a fait un bien énorme. Je me permets de vous confier que je suis actuellement suivie en psychiatrie, suite à une tentative de suicide liée à une grosse dépression. Et pendant votre 1h30 de spectacle, pour la première fois depuis plus de deux ans, je n’ai pensé à rien d’autre qu’à rire. Alors merci, vraiment. »
Ce retour restera gravé en moi toute ma vie. Et dans les moments de doute, car dans ce métier, il y en a beaucoup, je repense à la phrase de cette femme et je me rappelle pourquoi je continue : pour faire du bien aux autres.
Peux-tu partager une phrase, une citation ou un enseignement qui t’inspire particulièrement ?
Dans mon enfance, j’ai rencontré un homme d’une gentillesse et d’une générosité sans limite. Jean Baillard était un bénévole qui venait nous aider aux devoirs dans une association de mon quartier. J’avais 12 ans quand il m’a dit cette phrase :
« Salima, le plus important, ce n’est pas de réussir dans la vie, mais de réussir sa vie. »
Ces mots ont résonné en moi dès ce jour, et ils résonnent encore aujourd’hui. Je les répète souvent à mes enfants, pour leur rappeler l’essentiel.
Liens utiles :
Spectacle : "Salima Se Dévoile"
Prochaine date au QG Comedy Club, Grenoble.
Salima Guerziz dans Salima se dévoile - QG Comedy Club-Chez Michel Musique Live - Billet Réduc
Prochaine date au République, Paris.
Salima se dévoile - Le République - Billet Réduc
Instagram :
Salima Guerziz (@salima_guerziz) • Photos et vidéos Instagram
L’art tactile, une démarche qui a du sens.
Chantal Rubio, fondatrice de l’association Pourquoi pas moi CLAIR ? milite depuis plusieurs années pour une société plus équitable et ouverte à tous. Installée en Ariège, elle est également référente inclusion pour la Fédération Léo Lagrange de Toulouse, accompagnant une dizaine de CLAE (sur 28) dans l’accueil d’enfants à besoins éducatifs particuliers. C’est une femme au charme solaire, qui me parle avec un accent chantant du Sud-Ouest. Elle ne contourne aucune question, évoque avec une franchise désarmante ce qui l’attend dans quelques mois : une cécité complète. Touchée par une malvoyance liée à une myopie évolutive dégénérative, associée à un glaucome, Chantal voit sa vision décliner irrémédiablement. Elle a conscience qu’elle perdra totalement la vue dans un avenir proche.
« J’ai toujours su depuis l’enfance qu’un jour je ne verrai plus. Je me suis toujours dit : si les autres y arrivent, pourquoi pas moi ? Ma maman s’est battue pour moi. Depuis toute petite, je fais fi des obstacles. Mais aujourd’hui, le couperet est tombé, la cécité n’est plus une hypothèse, c’est une certitude qui sera-là dans 6 à 8 mois. »
Son parcours professionnel l’a aidée à apprivoiser la peur liée à la perte de la vue. Elle parle de résilience, nourrie par les échanges avec d’autres personnes déficientes visuelles.
« J’ai annoncé à mes équipes que j’allais devenir aveugle. Je veux leur soutien, pas leur compassion. »
Chantal rappelle que la moitié des personnes malvoyantes sont sans emploi, souvent par crainte pour leur sécurité ou faute d’aménagements adaptés. Elle invite à prendre exemple sur les pays scandinaves ou la Belgique, où l’inclusion est pensée de manière plus pragmatique.
« Les lois et les décrets existent, mais leur application sur le terrain reste laborieuse. Parfois, quelques ajustements suffiraient. »
L’art tactile, une démarche qui a du sens.
Infatigable, Chantal Rubio multiplie les initiatives. L’une d’elles lui tient particulièrement à cœur : un projet photographique tactile né d’une rencontre fortuite avec Marie Colombie, artiste plasticienne engagée, lors du festival du film de Luchon en 2017, organisé la Fédération des Aveugles et amblyopes de France. Originaire du Tarn, Marie Colombie défend une approche sensorielle et inclusive de l’art. Son initiative Jusqu’au bout de nos doigts réunit photographes professionnels et personnes déficientes visuelles autour d’œuvres sculptées et tactiles. Reçue au ministère de la Culture, son travail a été salué pour sa capacité à faire tomber les barrières de la différence. Sa devise est la suivante :
« Je souhaite que chacun puisse trouver sa place, vivre et exister ensemble avec nos différences, sans différence. Ce sont les différences qui font la richesse de l’humanité. »
Chaque exposition invite les visiteurs, qu’ils soient voyants ou non, à participer à des ateliers immersifs. Dans l’un d’eux, ils sont conviés à plonger dans le noir, à explorer les œuvres par le toucher, et à les faire décrire par des personnes malvoyantes. Cette démarche poétique évoque la célèbre phrase de Saint-Exupéry : « On ne voit bien qu’avec le cœur. » Les ressentis se partagent, les émotions circulent, et les enfants, notamment, s’enthousiasment pour cette expérience sensorielle hors du commun.
Aux côtés de Chantal et Marie, Marianne Pradère joue un rôle essentiel. Chargée de mission et photographe, elle est engagée auprès de l’association Pourquoi pas moi, CLAIR ? , récemment distinguée par le Trophée régional de l’innovation sociale pour ses actions en faveur de l’autonomie des personnes malvoyantes et dys. Elle anime des ateliers de compensation (cuisine, hortithérapie, etc.) qui permettent aux participants de renforcer leur autonomie au quotidien. Elle a également contribué par ses clichés au projet d’art tactile, une expérience qui a profondément transformé son regard artistique :
« Il y a un terme que nous utilisons entre nous pour décrire l’exposition : des photos qui sortent du cadre », confie Marianne. « À l’époque, j’étais correspondante pour un quotidien local et je couvrais toutes les actions de l’APPM. En parallèle, j’étais photographe indépendante. En 2013, Chantal est venue me voir pour que je fasse prendre des photos aux adhérents avec déficience visuelle. Je n’ai pas réfléchi, j’ai dit oui, sans assurer mon appareil photo ! » Elle concède : « J’étais trop technique. Il n’a fallu que deux séances pour que je comprenne comment les participants fonctionnaient. Avec l’enregistrement des ressentis de chacun à chacune de leur prise de vue, et au vu des résultats, j’étais particulièrement frustrée que les apprentis photographes ne voient pas leurs photos. »
Ce n’est qu’en 2020, après une reconversion professionnelle liée à l’aggravation de son propre handicap (malentendante et atteinte d’un trouble de l’équilibre dû à une dégénérescence de l’oreille interne), que Marianne intègre officiellement l’association en tant que chargée de missions. Discrète, elle préfère rester en retrait. « Je suis plus dans la logistique et la technique, en tant que guide pour les personnes avec déficience visuelle. »
Entre Chantal, Marie et Marianne, s’est tissé un lien profond, fait de respect, de bienveillance et d’engagement. Chacune, à sa manière, contribue à bâtir une société plus inclusive, où l’art devient un langage commun, accessible à tous. Leur collaboration, nourrie par l’écoute et la solidarité, redéfinit les contours de l’inclusion. Comme le résume avec justesse Marianne : « grâce aux remarques et conseils des adhérents et de Chantal, Marie a fait évoluer son travail. C’est un art nouveau, qui n’existe pas. Aujourd’hui, on fait des repros de photos en 3D avec une imprimante 3D. Ce que fait Marie, personne ne le fait, pas comme elle le fait. »
Un art qui sort du cadre, à l’image de ces femmes qui, ensemble, repoussent les limites du possible.
Guerziz Naima
Nom complet de l’association :
Association Pourquoi pas moi, CLAIR André Montané
Abréviations :
C.L.A.I.R : Centre Local Autonomie inclusion et réadaptation, pour l’Inclusion et l’Accompagnement des personnes en situation de handicap visuel et multiDys.
APPM : Association Pourquoi Pas Moi
Modératrice littéraire, médiatrice culturelle et programmatrice artistique franco-marocaine, le travail de Selma Bensouda se situe à la croisée des livres, de l’histoire de l’art et de la transmission. Elle intervient dans de nombreux festivals et événements littéraires en France et à l’international, où elle anime des rencontres autour de la littérature marocaine et francophone.
Elle est également créatrice de capsules vidéo sur l’histoire du Maroc, et anime le podcast "Marocains du monde", qui donne la parole à des figures marocaines de la diaspora.
Sur Instagram, elle partage ses coups de cœur littéraires dans une chronique sensible et engagée intitulée "Le Calame de Salma", où elle met en lumière des ouvrages souvent méconnus, des voix féminines, et des réflexions sur la mémoire, l’exil et la création.
Le Calame de Salma est un espace littéraire apprécié sur Instagram. Comment choisis-tu les livres que tu y présentes ?
Par coup de cœur généralement, ou alors lorsqu’un livre a été très instructif et mérite d’être partagé au plus grand nombre. J’ai cette chance de lire beaucoup, toutes sortes de livres : ma préférence va aux romans, mais je suis amenée à lire des essais ou documents en rapport avec les capsules Histoire que je produis.
Tes capsules sur l’histoire du Maroc revisitent des épisodes souvent oubliés. Comment construis-tu ces récits ?
Cette aventure a commencé par des recherches que j’avais faites sur le protectorat pour un autre projet, et j’ai réalisé à quel point on connaissait peu notre histoire. Sans savoir si j’étais la seule dans ce cas, j’ai commencé par publier une première vidéo avec le contenu que j’avais, qui a bien fonctionné et qui m’a confirmé dans cet intérêt partagé que nous, Marocains, avons pour notre histoire et notre patrimoine et qui, souvent, sont peu accessibles hors parcours ou publications académiques. Ensuite, c’est au gré de mes lectures, des podcasts que j’écoute, ou parfois même des gens qui m’écrivent pour me donner des idées. J’effectue des recherches poussées, je ne publie jamais rien qui ne sont historiquement fiable ou sourcé, j’écris un script court et ludique, puis je tourne avec mon iPhone.
Ton podcast "Marocains du monde" donne la parole à des voix diasporiques. Quel est le fil rouge de ces témoignages ?
Clairement, le rapport au Maroc : qu’est-ce qu’il représente depuis qu’on est partis, est-ce que notre sentiment envers lui a changé, comment le ressent-on et qui est-on par rapport à lui. Moi-même étant en France depuis plus de vingt ans, je me questionne constamment sur le rapport que j’ai avec le Maroc, la nostalgie qui peut parfois idéaliser ce qu’on a quitté, le manque des siens, le sentiment de l’aimer plus parce que justement on est partis, peut-être pour mieux lui revenir qui sait, puis la légitimité à parler de lui lorsqu’on est loin.
Comment conçois-tu ton rôle de modératrice littéraire dans des festivals comme celui du Livre de Paris ?
Comme une opportunité d’échanger avec les autrices et auteurs sur leur conception de la littérature, et ce qu’ils mettent d’elles et d’eux dans leurs livres. C’est toujours très enrichissant.
Quels sont tes prochains projets ou rêves culturels que tu aimerais concrétiser ?
Il y en a tellement ! J’essaye de prioriser selon ce qu’il est réaliste et possible de faire. En ce moment, je rêverais de sillonner le Maroc pour filmer sur place des capsules historiques. J’aimerais aussi beaucoup construire des projets avec les acteurs culturels sur place autour du patrimoine et de l’histoire, rouvrir certains lieux historiques en lieux culturels, travailler sur la réhabilitation des médinas d’un point de vue culturel et à l’accessibilité de la culture en général.
Y a-t-il une œuvre, une citation ou une figure artistique qui t’accompagne dans ton travail ?
Un peu longue comme citation, c’est plutôt un extrait de Léon l’africain d’Amin Maalouf :
Moi Hassan fils de Mohamed le Peseur, moi, Jean-Léon de Médicis, circoncis de la main d'un barbier et baptisé de la main d'un Pape, on m'appelle aujourd'hui l'Africain... On m'appelle aussi le Grenadin, le Fassi, le Zayyati, mais je ne viens d'aucun pays, d'aucune cité, d'aucune tribu. Je suis fils de la route, ma patrie est caravane, et ma vie est la plus inattendue des traversées.
Mes poignets ont connu tour à tour les caresses de la soie et les injures de la laine, l'or des princes et les chaînes des esclaves. Mes doigts ont écarté mille voiles, mes lèvres ont fait rougir mille vierges, mes yeux ont vu agoniser des villes et mourir des empires.
De ma bouche tu entendras l'arabe, le turc, le castillan, le berbère, l'hébreu, le latin et l'italien vulgaire, car toutes les langues, toutes les prières m'appartiennent.
Mais je n'appartiens à aucune. Je ne suis qu'à Dieu et à la terre, et c'est à eux qu'un jour, je reviendrai.
Et tu resteras après moi, mon fils. Et tu porteras mon souvenir. Et tu liras mes livres. Et tu reverras alors cette scène : ton père, habillé en Napolitain sur cette galée qui le ramène vers la côte africaine, en train de griffonner, comme un marchand qui dresse son bilan au bout d'un long périple.
Mais n'est-ce pas un peu ce que je fais : qu'ai-je gagné, qu'ai-je perdu, que dire au Créancier suprême ? Il m'a prêté quarante années, que j'ai dispersées au gré des voyages : ma sagesse a vécu à Rome, ma passion au Caire, mon angoisse à Fès, et à Grenade vit encore mon innocence.
Clémentine Domptail est une artiste aux multiples facettes : comédienne, auteure, voix off. Elle s’est formée dans plusieurs écoles de théâtre, notamment celle du Mime Marceau et auprès de Vladimir Ananiev, maître de dramaturgie corporelle au GITIS de Moscou. Elle débute au cinéma dans La Chambre obscure (1999) et Petites misères (2000), puis s’impose à la télévision avec des rôles marquants dans Mon vrai père, Avocats et Associés, et surtout Plus belle la vie, où elle incarne Patricia Estève, un personnage attachant qui lui vaut la reconnaissance du grand public. En parallèle, elle développe une carrière dans le théâtre avec la compagnie El Vaïven, prête sa voix à des livres audio pour Audiolib, et réalise des projets personnels comme le conte pour enfants Eliazar, l’Oiseau Rare. Sa sensibilité artistique et son engagement dans des récits forts font d’elle une figure singulière du paysage culturel français.
Clémentine, quel a été le déclic pour devenir comédienne ?
Je ne me sentais pas vraiment à ma place à l’école, je me sentais très différente. Ce sont mes parents qui m’ont encouragée à prendre un autre chemin. Alors j’ai commencé le théâtre, et sur un plateau, je me sentais mieux, plus proche de l’“être”… Très vite, j’ai compris que j’avais besoin d’évoluer dans le milieu artistique, d’être dans la créativité.
Tu as joué dans Plus belle la vie. Que retiens-tu de cette expérience ?
Beaucoup de plaisir ! Que du plaisir ! C’est une aventure humaine et professionnelle incroyablement riche. J’ai énormément appris. Le rythme est intense : il faut être très réactif et donner le meilleur de soi rapidement. Et puis, cela laisse de très beaux souvenirs, car c’est une série qui a marqué énormément de gens.
Le théâtre ou l’écran : où te sens-tu le plus libre ?
Sur scène, il y a l’adrénaline du direct, l’énergie du public, c’est un moment unique. Une fois lancée, on va jusqu’au bout, quoi qu’il arrive. Sur un plateau de tournage, les scènes sont découpées et souvent tournées dans un ordre décousu. La caméra capte tout, ce qui demande une autre forme de précision, concentrée en quelques prises pour chaque séquence. J’aime les deux : ce sont deux expériences magiques qui exigent d’être pleinement dans le présent. Deux libertés différentes, mais profondément complémentaires.
Tu prêtes ta voix à des livres audio. Qu’est-ce qui t’attire dans cet exercice ?
Livre audio, documentaire, voice-over, post-synchronisation… Le domaine vocal est vaste. Mais oui, beaucoup de livres, et j’adore cet exercice. Jouer avec sa voix, la moduler, créer des atmosphères, incarner à la fois la narratrice et les personnages, guider l’imaginaire, créer une proximité avec l’auditeur pour lui transmettre une histoire, c’est passionnant. Comme tout travail exigeant, cela demande beaucoup d’énergie et de concentration, mais j’y prends énormément de plaisir.
As-tu un conseil pour les jeunes artistes ?
Je crois que l'essentiel est de vraiment croire en soi, de bien s’entourer et de persévérer.
Peux-tu nous partager une phrase, une citation ou un enseignement qui t’inspire ?
J’aime me répéter : “Crois en toi, crée ta propre réalité… TOUT est possible.” Il y a une citation qui s’en rapproche et que j’aime beaucoup : « Crois en tes rêves et ils se réaliseront peut-être. Crois en toi et ils se réaliseront sûrement. » Martin Luther King Jr. Et j’apprécie aussi celle d’Oscar Wilde : « Il faut viser la lune, car même en cas d’échec, on atterrit dans les étoiles. »
Sonia Salhi est autrice, rédactrice et accompagnatrice littéraire passionnée par les mots depuis l’enfance. Elle est notamment connue pour sa collaboration avec La Dictée pour tous, pour laquelle elle rédige les textes des grandes finales, lus par des personnalités comme
Rima Abdul Malak, Fred Musa ou Cindy Fabre. De cette expérience naît son premier ouvrage, Dictées pour tous : pour s’entraîner en famille ! coécrit avec Abdellah Boudour, un recueil de dictées commentées destiné à améliorer l’orthographe de manière ludique et accessible. En 2024, elle devient la plume officielle de la dictée du concours Miss France, ajoutant une dimension littéraire à l’épreuve de culture générale. Aujourd’hui, Sonia Salhi accompagne celles et ceux qui souhaitent écrire leur propre livre, en proposant un suivi personnalisé, structuré et bienveillant.
Peux-tu nous raconter ton parcours, de l’enseignement à l’écriture professionnelle ?
J’ai suivi un parcours des plus classiques pour arriver à mon rêve d’enfant : devenir professeur de lettres. Depuis toujours, j’aime la littérature et l’enseignement. J’ai donc passé un baccalauréat littéraire qui m’a menée vers une licence de lettres et un Master spécialisé dans les métiers de l’enseignement. J’ai enseigné le français pendant 10 ans, au collège et au lycée. Par la suite, j’ai expérimenté l’enseignement du FLE auprès d’un public adulte avec qui j’ai découvert une autre dimension de l’enseignement : moins de gestion de classe et plus de liberté pédagogique.
C’est en 2020, pendant la pandémie de Covid, que l’opportunité d’écrire s’offre à moi. C’était aussi un rêve d’enfant. Écrire un livre, quel que soit son genre, c’est pour moi s’extraire de son individualisme et apporter une part de soi à l’autre. Lorsqu’Abdellah Boudour me propose de coécrire un livre qui sera la vitrine de son association La Dictée pour tous, j’accepte tout de suite sans même prendre le temps de réfléchir. Réfléchir, à ce moment-là, c’était ouvrir la porte aux doutes et au sentiment d’illégitimité qui nous étreint avant chaque aspiration. Pendant toute la conception du livre, de l’écriture jusqu’à son impression, j’ai vécu chaque étape comme un exercice formateur. Après la sortie du livre, et grâce à la visibilité et la légitimité qu’il m’a apportées, j’ai été sollicitée par des personnes qui souhaitaient elles aussi expérimenter le monde de l’édition en écrivant leur livre. J’ai alors imaginé un parcours personnalisé qui apporterait à chaque auteur des ressources et des outils concrets pour pallier les difficultés rencontrées à chaque étape du processus d’écriture. En professionnalisant ma passion pour l’écriture et la transmission, je me suis finalement créé une place dans le domaine de l’écriture et, grâce notamment à la force des réseaux sociaux, j’ai eu l’occasion de collaborer sur de nombreux projets, comme le concours Miss France, les concours d’éloquence et les prix littéraires, par exemple.
Comment est née ta collaboration avec La Dictée pour tous, et qu’est-ce que cette expérience t’a apporté ?
Ma première rencontre avec La Dictée pour tous était « royale » : c’est lors d’une dictée géante au château de Versailles que je rencontre Abdellah Boudour, que je connaissais déjà sur les réseaux sociaux. J’étais encore professeure et, avec ma collègue, professeure d’anglais, nous avons accompagné nos élèves pour participer à l’événement. Avec Abdellah, nous sommes restés en contact. Quelques semaines plus tard, il m’appelle et me propose d’écrire le texte de la finale de son concours qui a eu lieu sur le toit de l’Arc de Triomphe. Après plusieurs collaborations de ce type, il me parle de son projet de recueil de dictées et, avec notre éditrice, nous commençons ce projet éditorial jusqu’à la sortie du livre, en mai 2022. Cette collaboration m’a apporté bien plus que ce j’aurais pu attendre ! D’abord, c’est une grande amitié avec Abdellah avec qui je partage énormément au quotidien : nos centres d’intérêt, nos idées, nos projets… Évidemment, grâce à sa notoriété, La Dictée pour tous m’a offert de formidables opportunités, organiser une dictée géante à la Fnac à Tunis, être lectrice dans les salons du ministère de la Culture, aux côtés de la ministre Rachida Dati…Ce sont des moments forts pendant lesquels on rencontre un public varié, ceux qui sont passionnés par les mots ou ceux simplement venus partager un moment convivial et ludique, mais avec qui l’on partage de grandes émotions et des échanges qui nous enrichissent et qui parfois même nous émeuvent. Chaque dictée est une expérience unique.
Tu accompagnes des personnes dans l’écriture de leur livre. Comment se déroule cet accompagnement ?
C’est une prestation personnalisée et complète qui va de l’idée du livre à écrire à la rédaction complète du manuscrit. Je l’ai imaginée comme une collaboration professionnelle et bienveillante. Il y a plusieurs étapes, dont la première est un appel téléphonique pour me
présenter le projet et les difficultés rencontrées ainsi que les attentes de l’auteur. Par la suite, j’envoie un questionnaire détaillé qui me permet de poser le cadre de l’accompagnement et de proposer un devis sur mesure. Lorsque l’accompagnement commence, l’auteur reçoit un plan de travail personnalisé constitué de fiches pédagogiques visant à l’aider dans la rédaction et la structure du texte. Ensuite, lorsque l’auteur est prêt à écrire, je fais un retour sur les trois premiers chapitres (sous forme de synthèse de lecture déterminant les points forts et les points faibles), puis sur la première moitié du manuscrit et enfin, la seconde moitié, le tout sous forme de commentaires en marge, sur Word. Pendant tout le temps de l’accompagnement, j’échange régulièrement avec l’auteur pour vérifier l’avancée de l’écriture du manuscrit et apporter de l’aide et du soutien.
Quelles sont les difficultés les plus fréquentes que rencontrent les aspirants auteurs, selon toi ?
La première des difficultés rencontrées, c’est celle du sentiment d’illégitimité, ou le syndrome de l’imposteur. Trop souvent, les auteurs qui me contactent me parlent de leur blocage lié à ce sentiment : ils veulent écrire, ils ont beaucoup à raconter, à partager, mais ils ne s’en sentent pas capables, car ils pensent ne pas être à leur place pour le faire. Ce sentiment est bien ancré, et trouve ses origines dans un contexte bien précis : on nous a fait croire depuis toujours qu’écrire un livre était le monopole des intellectuels et des classes aisées. Il faut du temps pour déconstruire ces préjugés, casser ces idées pour faire admettre à ces personnes qu’elles ont elles aussi le droit d’écrire et d’en faire une normalité. La deuxième des difficultés les plus présentes ; c’est celle de la structuration des idées, ou comment articuler et ordonner ses idées pour en faire des chapitres qui eux-mêmes feront un livre. C’est souvent le cas des personnes qui n’ont pas l’habitude d’écrire ou de synthétiser à l’écrit. Pour toutes ces difficultés, j’ai créé des ressources sous forme de fiches ou de dossiers qui proposent des solutions, des astuces, ou des exercices pour résoudre le problème rencontré. En somme, il n’y a pas de problèmes, il n’y a que des solutions !
Quel conseil donnerais-tu à quelqu’un qui rêve d’écrire mais n’ose pas se lancer ?
Le premier conseil que je donnerai, sans hésiter c’est : prends un stylo, là, maintenant, et écris. N’attends pas demain, n’attends pas le « bon moment », car il n’existe pas. Je crois qu’on attend beaucoup trop avant de passer à l’action, pour de nombreuses raisons. Par peur, par manque de confiance, ou parce que l’on veut que toutes les conditions soient favorables mais, en réalité, ce sera très rarement le cas. Plus on écrit, et plus cela devient une habitude, un rituel. Alors, autant commencer tout de suite.
Peux-tu nous partager une phrase, une citation ou un enseignement qui t’inspire ?
J’aime beaucoup la citation de Colette, « il faut avec les mots de tout le monde écrire comme personne ». J’aime la simplicité dans l’écriture, employer les mots dans lesquels tout le monde se retrouvera. Cela dit, je pense que chaque auteur doit travailler à créer son propre style, son aura littéraire qu’il doit trouver en lui-même, de façon naturelle et sans y mettre de fioritures pour ne pas altérer son authenticité dans sa façon d’écrire. C’est ce que je souhaite à tous les aspirants auteurs qui nous liront.
Judith T. Mélusine est une autrice, passionnée par les littératures de l’imaginaire. Professeure de lettres depuis plus de quinze ans, lectrice boulimique, avide de découvrir de nouveaux univers, en 2022, elle prend la plume avec l’envie de donner une nouvelle vie à ses textes. Son premier roman, Variants 9, plonge les lecteurs dans un monde contemporain où certains humains développent des capacités exceptionnelles. Elle a également écrit un roman pour enfants et un roman fantasy . Judith T. Mélusine incarne une autrice à la croisée du fantastique, de la science-fiction et du roman psychologique, avec une voix singulière qui interroge notre rapport à la différence, au
pouvoir et à la perception.
Tu es professeure de lettres et autrice. Comment ces deux rôles s’enrichissent-ils mutuellement ?
Quand j’ai commencé à écrire, je tenais à garder ces deux aspects séparés. Le nom de plume tombait plutôt bien pour ça. Je crois que j’avais peur d’être trop à découvert si mon cercle professionnel me lisait. Je craignais aussi de devoir me censurer dans mes livres par
désir, conscient ou non, de me conformer à mon rôle d’enseignante jusque dans mes écrits. Et puis bien sûr, les choses ont fini par fuiter.
En réalité, écrire a fait de moi une meilleure enseignante. Plus précisément, une meilleure formatrice. En me confrontant moi-même à la difficulté d’obtenir le mot juste, j’ai appris à mieux accompagner mes élèves dans leur propre progression d’écriture, à mettre plus vite le
doigt avec eux sur les blocages qu’ils pourraient rencontrer. Cela m’a aussi donné une autre aura auprès de mes élèves : l’écrivain n’est plus cette personne inaccessible, virtuelle, voire morte depuis des siècles. J’ai gagné une double légitimité face à eux : quand nous analysons les textes lus et leurs procédés d’écriture, je sais de quoi je parle. Cela m’aide à en faire de meilleurs écrivains eux-mêmes, mais aussi de meilleurs lecteurs : poussés par la curiosité, les élèves se sont bousculés au CDI pour voir « le livre de la prof ». Et par conséquent, ils ont lu. Et ils ont lu en sachant que ce qu’ils lisaient étaient du matériau vivant, quelque chose de concret. Et ils ont lu avec la bénédiction de leurs parents, puisque c’est « le livre de la prof ». Inversement, enseigner nourrit mon travail d’autrice. D’abord, cela me donne une légitimité devant mes lecteurs, rassurés par ma formation littéraire. Mais aussi, cela me fait vivre mille vies. Il n’y a pas plus vivant qu’une salle de classe, c’est un microcosme bouillonnant. Les jeunes sont pleins de surprises, ils ont toujours des réactions inattendues, spontanées et authentiques, des histoires qui peuvent être parfois lourdes. C’est un métier humainement
très exigeant. Evidemment, tout cela m’interpelle, me questionne et m’aide à rendre mes personnages plus complexes et plus humains.
Quels sont les auteurs ou autrices qui t’ont le plus marquée dans les littératures de l’imaginaire ?
Ce serait injuste de ne pas citer R. L. Stine en premier, l’auteur de la série Chair de Poule. Il a fait naitre mon goût pour les histoires mystérieuses, à l’âge d’une dizaine d’année. Je pense d’ailleurs que ce monsieur fait encore beaucoup pour la lecture des enfants. Dans la
suite logique, j’ai aussi été très marquée par les romans fantastiques de Stephen King. Carrie reste aujourd’hui une référence pour moi.
Par la suite, j’ai voué une très grande admiration à Anne Rice, et sa série Chroniques des Vampires. Je dois aussi citer Villiers de l’Isle-Adam, puisque c’était lui le sujet de mon mémoire de maitrise universitaire sur le thème du fantôme. Il m’a beaucoup apporté, surtout dans la conviction que les littératures de l’imaginaire étaient légitimes dans un travail universitaire.
Quelle place accordes-tu à la voix intérieure des personnages dans ton style narratif ?
Je dirais que cela dépend du personnage et du thème abordé. Plus que la voix intérieure, j’aime beaucoup confronter la manière dont elle s’oppose avec la voix parlée. Dans Variants 9, Max, le héros, est un personnage qui déteste parler aux gens. C’est un jeune homme taciturne, renfermé, mais aussi prompt à juger les autres et à les mépriser. Je donne donc au lecteur l’accès brut à ses pensées, pas toujours très belles d’ailleurs, ce qui permet de mesurer l’écart entre ce que le personnage pense et ce qu’il dit ou fait, et d’apprécier toutes les phrases non prononcées. Cela forge un personnage silencieusement virulent. Et j’aime aussi exposer cet espace d’impunité : si le lecteur y a accès, c’est qu’il n’est pas si protégé que ça et que la voix intérieure est peut-être vouée à sortir, volontairement ou non. Dans Les Clairvoyantes, c’est tout l’inverse. Le roman tourne autour de prophétesses. Il faut prendre le mot dans les deux sens : ce sont des voyantes, mais ce sont aussi celles qui portent la parole. Or, elles ont plutôt tendance à la retenir. Elles brillent souvent par leur silence, par la manière dont elles retiennent l’information dont pourtant elles disposent. Dans ce roman, la parole donne le pouvoir. J’ai donc travaillé l’absence de voix. Pour le lecteur, les Clairvoyantes sont de grandes muettes. En fait de voix intérieures, nous n’aurons accès qu’à ceux qui s’opposent à elles. Car dès que leur influence prend le dessus sur un personnage, sa voix intérieure se ferme au lecteur.
Quelles voix féminines t’ont marquée dans ton parcours de lectrice ou d’écrivaine ?
Je dois d’abord citer ma professeure de Français, au lycée, Sophie Ricou. C’est elle qui m’a encouragée à participer à un concours de nouvelle en 2001, auquel j’ai répondu par une histoire de fantôme. Elle m’a aussi accompagnée à la remise des prix après que j’ai gagné
ce concours de nouvelles. Sans elle, je n’aurai peut-être pas su que ce que j’écrivais avait de la valeur. De manière générale, je suis souvent marquée par les plumes féminines qui arrivent à se faire une place sur un créneau que l’on voudrait réservé aux hommes : George Sand, Robin Hobb ou Fred Vargas m’inspirent beaucoup. A ce titre, je dois aussi rendre hommage à Valérie Simon, une autrice lyonnaise de fantasy qui est la première à m’avoir convaincue que ce genre pouvait aussi se conjuguer au féminin. Enfin, je citerai Elodie Aknine Amice. Autrice elle-même, elle m’a embarquée dans la création d’un collectif d’auteurs. Aujourd’hui, c’est une formidable aventure artistique et humaine et elle a fait énormément pour ma confiance en moi en tant qu’autrice.
Tu as fait le choix de t’autopublier. Qu’est-ce qui t’a motivée à emprunter cette voie plutôt que celle de l’édition traditionnelle ? Les délais ! La vie est courte ! Plus sérieusement, chacune de mes parutions est le résultat d’une aventure et d’un concours de circonstances. J’ai sorti le premier volume de Variants 9 pour pouvoir participer à un salon du livre qui se montait dans un petit village près de chez moi et qui avait besoin d’auteurs. En édition traditionnelle, une réponse peut prendre six mois. Je n’avais même pas six semaines. Et je voulais en être. La trilogie complète a suivi le même chemin, par commodité. Quand j’ai écrit La Sirène de l’Ile d’Or, même chose. Je ne voulais pas imposer à ma co-autrice, ma fille de huit ans, une interminable attente qui se solderait peut-être par un refus. J’ai voulu la protéger de cela. Quant aux Clairvoyantes, j’avais pour projet de tenter l’édition traditionnelle. Et puis un ami m’a lancé un défi : placer dans le roman un personnage au nom de la marque de sa brasserie, Bob. Je me suis prise au jeu : j’ai placé la brasserie elle-même dans le roman. A partir de là, il devenait difficile d’envisager que ce roman puisse ne jamais sortir si aucun éditeur n’en voulait. Et puis, j’ai rencontré mon illustratrice. Cette fois, impossible d’envisager qu’elle puisse être écartée du projet si un éditeur décidait de publier mon roman. L’autoédition me garantissait à la fois ma liberté et la maitrise des délais.
Peux-tu nous partager une phrase, une citation ou un enseignement qui t’inspire ?
Ma devise c’est « Je n’y suis pour rien si vous êtes vieux et triste », mais je la trouve un peu agressive, il faudra que je la retravaille. Elle me vient à l’esprit à chaque fois que quelqu’un me juge pour être trop dans mon monde, trop enthousiaste, trop théâtrale, trop colorée, trop déguisée, trop dansante… Ce qui arrive encore fréquemment, et bien sûr, toujours de la part des adultes, jamais des élèves. Comme le dit si bien Antoine de Saint Exupéry, « les grandes personnes ne comprennent jamais rien toutes seules et c’est fatigant, pour les enfants, de toujours et toujours leur donner des explications ». Je citerai deux auteurs issus de ma formation classique, qui me parlent beaucoup. D’abord André Breton, qui disait « L’imaginaire, c’est ce qui tend à devenir réel ».
Cela explique que j’y passe beaucoup plus de temps que dans la réalité, j’ai juste pris un peu d’avance. Je trouve qu’elle s’accord très bien avec celle de Guillaume Apollinaire : « Il est grand temps de rallumer les étoiles ».
Hélène Drummond est née en Belgique en 1980. Médecin, mélomane, avide lectrice et auteure passionnée, elle a commencé sa carrière médicale en oto-rhino-laryngologie dans un hôpital universitaire belge, avant de s'orienter vers la recherche clinique, en se promettant d'un jour écrire un livre. Après s'être envolée pour New York avec son mari et ses enfants, elle a travaillé comme directrice médicale en immuno-oncologie au siège mondial d'un géant de l'industrie pharmaceutique. En 2020, elle a écrit son premier roman. Aujourd'hui, elle est l'auteure de quatre livres publiés aux éditions d'Avallon: Plus jamais seule pour Thanksgiving, Mensonges innocents, La sagesse du papillon, Rouge Pivoine. Toujours installée à New York, elle partage son temps entre sa famille, ses divers engagements médicaux et l'écriture. Membre du board d'une organisation à but non lucratif œuvrant pour les droits reproductifs des femmes, elle est également consultante médicale pour une startup de télémédecine spécialisée en santé de la femme et anime des ateliers d'écriture.
De médecin à romancière, quel a été le moment charnière ou l'élan intérieur qui t'a poussé à l'écriture?
Depuis toujours, j'ai un côté littéraire et un côté scientifique qui cohabitent en moi. J'ai toujours adoré lire, et l'envie d'écrire un livre a été présente très tôt, même si j'ai d'abord poursuivi une carrière exclusivement médicale. J'ai d'abord travaillé en hôpital, en otorhinolaryngologie, puis je me suis orientée vers la recherche clinique. J'ai travaillé dans l'industrie pharmaceutique, en Europe puis aux USA, dans le domaine du cancer du sein, puis de l'hématologie, puis au siège mondial d'une énorme firme pharmaceutique ici à New York, où je gérais de grandes études cliniques de phase III en immuno-oncologie. C'était un poste de Medical Director, très prestigieux, très exigeant mais très stimulant intellectuellement, qui remplissait une mission essentielle vu que nous travaillions directement à améliorer le traitement de certains types de cancers. Cependant, l'environnement de travail n'était pas optimal et la pression énorme; on me donnait de plus en plus de responsabilités, ce qui est fort gratifiant, mais j'étais de plus en plus épuisée et de moins en moins épanouie. J'étais entrée en quasi burn out quand il y a eu un élément déclencheur qui m'a poussée à tout quitter: l'un de mes enfants a eu un souci de santé qui a nécessité que je sois beaucoup plus présente à la maison. J'ai quitté mon job, je me suis occupée de mon fils, je me suis recentrée sur ma famille et sur moi. Une fois que les choses ont été mises en place pour mon fils et que j'ai récupéré de mon épuisement généralisé, c'est à ce moment-là que je me suis mise à écrire sérieusement. Je dis sérieusement parce qu'avant cela, j'avais déjà gribouillé quelques textes mais rien qui avait abouti à un manuscrit. J'ai eu une impulsion, une envie, de reprendre ce que j'avais commencé et de m'y consacrer pour de bon, avec discipline et rigueur. J'ai suivi des cours d'écriture et j'ai mis en place une routine de travail, ce qui n'était pas facile au début, car je passais d'un travail très structuré, très encadré, en équipe, à un travail totalement solitaire et sans aucune structure. Mais petit à petit, j'ai trouvé mon rythme. Je suis entrée à ce moment-là dans une phase de plusieurs années où l'écriture constituait toute mon activité; j'ai publié 4 livres, puis j'ai commencé à donner des cours d'écriture. Puis, suite à une opportunité qui s'est présentée il y a plusieurs mois, j'ai à présent renoué avec mon côté médical, mais tout en conservant de l'espace et du temps pour mes activités littéraires. Je travaille comme consultante médicale indépendante pour une startup de télémédecine spécialisée en santé de la femme, et je suis aussi membre du board d'une association qui lutte pour le respect des droits reproductifs des femmes aux USA... tout en continuant à écrire et à donner des ateliers d'écriture. Je suis très heureuse de pouvoir laisser s'exprimer à la fois mon côté créatif et littéraire ainsi que mon côté médical. Les deux font partie intégrante de qui je suis.
Tes personnages féminins sont souvent en quête de vérité, de sens ou de réparation. Est-ce une résonance avec ton propre cheminement personnel?
C'est une question que l'on me pose souvent, dans quelle mesure mes histoires font-elles écho à mon propre vécu. Je réponds toujours qu'aucun de mes livres n'est autobiographique, que c'est de la pure fiction, c'est tout à fait clair, mais quand on écrit, on puise inévitablement en soi, dans son expérience de vie pour développer ses histoires. Donc oui, je puise dans ma vie mais de manière totalement inconsciente. Ce n'est qu'une fois les histoires couchées sur papier que les évidences me sautent parfois aux yeux. Le parallèle apparaît, même si c'est toujours énormément modifié, distordu, extrapolé ou remodelé par rapport aux expériences vécues. Mais il est évident qu'un roman que l'on écrit prend ses racines en nous, et traite de sujets qui nous tiennent à cœur, qui nous ressemblent. Ceci dit, ce que je préfère quand j'écris, c'est développer la psychologie de mes personnages, étudier leur évolution, leur ressenti, explorer les méandres de leur âme. Je trouve le cœur humain absolument fascinant. Mes protagonistes sont des anti-héroïnes, des femmes ordinaires, qui essaient d'attraper un peu plus de sens et de bonheur où elles peuvent, comme nous tous. Elles sont remarquablement fortes et vulnérables à la fois. J'aime donner une voix aux femmes, et aux anti-héros de tous les jours.
Ton expérience en médecine, notamment en immuno-oncologie, influence-t-elle ta manière de raconter les émotions, les corps, les silences?
Je ne pense pas, non. Il est possible qu'il y ait une influence qui opère de manière subconsciente, puisqu'avec le processus créatif, tout se passe indépendamment de la volonté. On dit parfois que ce sont les sujets qui nous choisissent et pas l'inverse, que ce sont nos personnages qui nous emmènent et pas l'inverse... et que s'ils nous emmènent là où l'on n'avait jamais imaginé aller, il faut les suivre, je suis totalement d'accord. C'est exactement de cette manière que les choses se passent pour moi quand j'écris. Ce sont en général mes personnages qui m'emmènent là où ils veulent. Le lâcher prise est un exercice qui n'est pas facile au début, nous sommes conditionnés à toujours tout contrôler, mais quand on parle d'écriture et de créativité, c'est essentiel.
Tu as vécu en Belgique, à Singapour, à New York. Comment ces lieux ont-ils nourri ton regard sur le monde et ta voix d'autrice?
Quand on parle de décor, les choses sont différentes. Dans ce cas-ci, c'est tout à fait consciemment que j'ai localisé mes histoires dans des lieux que j'aime et que je connais bien. New York m'a énormément inspirée pour mes romans Plus jamais seule pour Thanksgiving et Rouge Pivoine. Mais Singapour est aussi présent dans mes histoires, la Belgique et la France aussi. Mes différentes expatriations m'ont amenée à découvrir d'autres cultures, d'autres modes de vie, d'autres horizons; j'ai eu la chance de rencontrer des personnes extraordinaires un peu partout dans le monde. Les voyages donnent une réelle ouverture d'esprit et, oui, ce foisonnement a sans aucun doute nourri mon regard sur le monde, sur la vie, et influencé ma voix d'autrice.
Parmi tes romans, lequel t'a le plus révélée ou transformée en tant qu'écrivaine? Pourquoi?
Je dirais que c'est mon roman La sagesse du papillon. J'y raconte une histoire à travers le regard d'une enfant. L'intensité, la charge émotionnelle du récit est décuplée par le fait que l'on progresse dans le récit avec les yeux d'une petite fille. Mais ce qui fait la particularité de ce livre, c'est que trois personnages principaux racontent cette histoire. Autour d'une même réalité, trois regards totalement différents. C'était une première pour moi. J'ai commencé ce roman en pensant que la petite fille serait mon héroïne unique, mais assez vite, deux autres personnages se sont imposées d'elles-mêmes. Et j'ai voulu leur donner à toutes les trois une voix à part entière. Au fil des pages, leurs trois regards très contrastés s'affrontent; chacune nous éclaire un peu plus sur la psychologie de l'autre. Elles sont complémentaires et elles nous forcent à nous mettre à leur place, à voir les choses chacune à travers sa propre paire de lunettes, donc à exercer notre capacité d'empathie. C'est un livre qui m'a révélé à quel point une même réalité prend des couleurs différentes en fonction de la personne qui la vit. Outre la technique d'écriture plus maîtrisée par rapport à mes romans précédents, c'est aussi la première fois que j'ai introduit un élément de suspense dans un récit. Dans La sagesse du papillon, je me concentre comme toujours sur la psychologie de mes personnages, mais il y a un élément de suspense très présent. Le suspense aide à garder les lecteurs en haleine, à les surprendre, à leur transmettre d'autres émotions. J'ai donc beaucoup évolué, beaucoup grandi lors de l'écriture de La sagesse du papillon.
C'est également le premier de mes livres à être traduit en anglais. La publication aux USA est prévue pour cet hiver.
Y a-t-il une phrase, une citation ou un enseignement qui t'accompagne dans ton écriture ou dans ta vie? Peux-tu nous la partager?
Depuis mon plus jeune âge, je suis convaincue que travailler dur, avec discipline, rigueur, passion et détermination à toute épreuve est la clé du succès. Tout donner, se surpasser, dans tout ce que l'on entreprend.
Par ailleurs, pour contrebalancer les choses, je dirais que, surtout pour nous les femmes, il y quelque chose que nous devons nous répéter régulièrement, car nous avons toutes tellement tendance à être nos pires ennemies, à nous sous-estimer, à nous concentrer sur ce que nous n'avons pas encore fait plutôt que sur tout ce que nous avons déjà accompli, à ne pas assez célébrer nos accomplissements: soyons plus indulgentes avec nous-mêmes. Exerçons notre empathie sur nous aussi. Autant que sur les autres. Ce n'est pas évident et c'est quelque chose que je dois encore travailler au quotidien, mais c'est essentiel.
Il y a ces deux phrases, l'une de Colette, l'autre de Virginia Woolf, qui m'accompagnent et que j'essaie de garder à l'esprit le plus possible. Elles insistent sur l'importance de mener une vie qui nous ressemble, de partir à la découverte de qui l'on est et d'y rester fidèle... j'adore ces citations, parce qu'elles sont de merveilleuses piqûres de rappel:
"Dans le temps de ma grande jeunesse, il m'est arrivé d'espérer que je deviendrais quelqu'un. Si j'avais eu le courage de formuler mon espoir tout entier, j'aurais dit quelqu'un d'autre. Mais j'y ai vite renoncé. Je n'ai jamais pu devenir quelqu'un d'autre." Colette, Mes Apprentissages.
"Il est beaucoup plus important d'être soi-même que quoi que ce soit d'autre." Virginia Woolf, Une chambre à soi;
Latifa Chay est une femme engagée, consultante en stratégie et développement, autrice et militante politique. À seulement 23 ans, elle devient la plus jeune maire-adjointe de sa ville, chargée de la Culture, de la Jeunesse et des Relations internationales. Elle poursuit son engagement local en tant que vice-présidente de l’agglomération, avant de s’impliquer à l’échelle nationale. Déçue par le Parti Socialiste puis par La République en Marche, elle cofonde le mouvement Les Nouveaux Démocrates.
Latifa Chay est aussi l’autrice du livre autobiographique Sois une femme ma fille, d’une tour HLM au deuxième tour d’une élection nationale, un récit puissant qui retrace son parcours de fille d’immigrés marocains, de militante, de femme politique et d’aidante familiale. Ce livre, est un appel à l’émancipation, à la justice sociale et à la fidélité à soi-même. Elle vient de publier un roman, C’est pour demain.
Peux-tu raconter en quelques mots ton dernier roman et le choix de son titre ?
C’est pour demain est à la fois une promesse et une prise de position, incarnées par le personnage de Zahra Laayoune. À travers elle, j’ai voulu explorer la manière dont l’intime se mêle au collectif, comment les rêves individuels peuvent devenir des forces de changement. Ce roman est né du désir de montrer que l’histoire personnelle, lorsqu’elle s’assume pleinement, peut éclairer une destinée commune, à une époque traversée par de multiples crises. Le titre - réplique empruntée à une réplique d’un autre personnage - porte cette conviction : demain n’est pas un mirage lointain, mais une construction patiente qui s’ébauche dans nos choix, nos luttes et nos fidélités. C’est pour demain est un appel à croire en la possibilité d’un autre avenir, malgré les désillusions, et un rappel à ne jamais renoncer à l’espérance.
Ton roman mêle parcours personnel et enjeux politiques. Comment as-tu trouvé l’équilibre entre fiction et engagement ?
Dans mon premier livre, Sois une femme ma fille, j’écrivais que l’écriture, c’est parler sans être interrompue. Cette idée m’accompagne encore. La fiction me donne une liberté que le langage politique n’offre pas toujours : celle de dire des vérités autrement, de mêler l’intime et l’engagement sans être enfermée dans le format d’un discours ou d’un programme. Dans C’est pour demain, j’ai puisé dans des fragments de mon parcours et dans ceux de milliers d’autres, que j’ai transformés pour leur donner une portée plus vaste, plus universelle. L’équilibre vient de là : confier à Zahra Laayoune la force de porter des convictions, mais aussi ses contradictions, ses doutes, ses héritages familiaux et ses élans, en permettant aux lectrices et aux lecteurs de les vivre de l’intérieur. L’engagement est bien présent, mais il ne s’impose pas comme un manifeste figé : il devient une matière vivante qui traverse les personnages et, je l’espère, résonne durablement en chacun.
3/Quels sont les combats politiques ou sociaux qui te tiennent le plus à cœur aujourd’hui ?
Aujourd’hui comme hier, mes combats restent profondément liés à la justice sociale, à l’égalité femmes-hommes et à la reconnaissance des parcours issus de l’immigration. Je crois aussi à l’importance de réinventer la manière de faire de la politique : qu’elle soit plus proche des gens, transparente et fidèle à nos convictions. Enfin, je m’engage pour que chacun ait la possibilité de se réaliser pleinement, sans être limité par ses origines, son genre ou sa condition sociale. Pour moi, l’émancipation individuelle et la transformation collective sont indissociables : il n’y a pas de véritables progrès si certains parmi nous restent en marge ou sont mis au ban de la société. Cette conviction, qui guide toutes mes actions, trouve un écho particulier dans ce que j’ai vu lors de mes voyages en Palestine : la lutte pour les droits humains est universelle et nous concerne tous, toujours et partout où la dignité est menacée.
4/Tu as une expérience à la fois locale et nationale. Qu’est-ce que tu retiens de ces deux échelles d’engagement ?
Mon engagement local m’a appris que la politique prend tout son sens dans le concret : écouter les habitants, comprendre leurs besoins, agir sur ce qui transforme vraiment leur quotidien. En tant que plus jeune maire-adjointe de ma ville, j’ai vécu ces responsabilités de près et j’ai vu comment chaque décision pouvait changer des vies. L’expérience nationale m’a offert une perspective plus large : tenter d’agir sur des règles qui touchent des millions de personnes. Mais cette immersion m’a aussi confrontée aux limites et aux dérives de la politique partisane, et j’en suis sortie avec un sentiment légitime de désenchantement. C’est pourquoi aujourd’hui, je me consacre à l’engagement citoyen, à la formation et à l’accompagnement, en mettant en pratique les outils que j’ai partagés dans Sois une femme ma fille, que certains qualifient de « boîte à outils » pour la citoyenneté. Ce que je retiens, c’est que l’action politique, locale ou nationale, n’a de sens que si elle reste connectée aux personnes, à leurs vies et à leur capacité d’agir. Mon parcours m’a appris que l’engagement véritable se vit autant sur le terrain que dans la transmission et l’accompagnement des citoyens.
5/ Quel message aimerais-tu transmettre aux jeunes femmes qui hésitent à s’engager en politique ou dans la vie publique ?
Je leur dirais avant tout de ne pas attendre que tout soit parfait pour se lancer. On nous fait souvent croire qu’il faut être plus expérimentées, plus préparées, plus solides que les autres pour être entendues, mais c’est une illusion : votre voix a de la valeur dès aujourd’hui. S’engager, ce n’est pas se conformer à des modèles, c’est trouver sa propre manière de participer, à sa mesure, avec ses forces et ses fragilités. La politique et la vie publique ont besoin de femmes qui osent, qui prennent la parole, qui provoquent parfois le débat, mais qui restent fidèles à elles-mêmes. Je leur dirais : soyez une Zahra Laayoune ! L’engagement peut prendre de multiples formes : il n’est pas seulement partisan ou institutionnel, il peut être citoyen, culturel, éducatif, littéraire… et c’est souvent de là que naît le changement le plus durable.
6/ Peux-tu partager une phrase, une citation ou un enseignement qui t’inspire profondément ?
Deux phrases m’accompagnent depuis longtemps et résonnent profondément avec mon parcours. La première, du Prophète Muhammad : « Le meilleur d’entre vous est celui qui est le plus utile aux autres », rappelle que l’engagement et la réussite ne se mesurent pas par le pouvoir ou la visibilité, mais par l’impact que l’on a sur la vie des autres. La seconde, d’Oscar Wilde : « Soyez vous-même, les autres sont déjà pris », m’invite à rester fidèle à moi-même dans tout ce que j’entreprends. Je me suis engagée en étant pleinement moi : femme, musulmane, fille d’immigrés, citoyenne… et c’est cette combinaison d’authenticité et de service qui a guidé mon parcours, que ce soit en politique, dans mes engagements citoyens ou à travers l’écriture, me permettant de persévérer, de créer du lien et d’agir avec sens.
Amira Benbetka est une jeune femme de lettres dont la plume, s’impose avec finesse dans le paysage littéraire contemporain. Traductrice et autrice prolifique, elle explore des genres variés, du conte au roman historique, en passant par le fantastique et la romance, avec une sensibilité marquée par les enjeux sociaux, la mémoire collective et les voix invisibilisées.
Hyam Zaytoun
Femme politique française engagée dans la vie locale et territoriale, Ilham Moustachir a été vice-présidente d’une communauté d’agglomération regroupant 42 communes. Pendant plus de douze ans, elle s’est investie dans les domaines de l’emploi, de l’insertion professionnelle, de la cohésion sociale et, surtout, du développement économique. Elle vient d’être nommée secrétaire générale de l’Observatoire de la diversité, une structure qui œuvre pour une meilleure représentation des parcours, des identités et des voix minorées dans les sphères publiques, culturelles et politiques. À travers ce rôle, elle poursuit son engagement en faveur d’une société plus inclusive et équitable.
On peut être plusieurs désirs, plusieurs envies, Nour Cadour médecin nucléaire de profession, poétesse, romancière en est un exemple. Elle conjugue science et sensibilité artistique avec une rare intensité. Son œuvre explore les silences, les exils, les voix oubliées, notamment celles des femmes à travers le monde. Elle est l’autrice du roman L’âme du luthier (Hello Éditions, 2022), finaliste du Prix Livre Europe-Méditerranée, et de plusieurs recueils de poésie primés, dont Larmes de lune et Le silence pour son. Nour Cadour est également très active dans la scène poétique contemporaine, organisant des lectures et des événements littéraires à Paris, Bruxelles et ailleurs.
Au cœur d’elle est un espace dédié aux femmes et à leurs parcours.
L’objectif est simple, donner la parole, créer du lien, inspirer, parce que les récits personnels peuvent éclairer, faire réfléchir, et parfois même transformer.
Créez votre propre site internet avec Webador